Китайская живопись

Истоки китайской живописи восходят к эпохе, которая отстоит от нас на 5-6 тысячелетий. Наиболее ранними живописными явлениями были наскальные рисунки, изображавшие растения, животных и человеческие фигуры. Эти рисунки были выполнены с помощью минеральных красящих веществ. Примерно к той же эпохе относятся орнаменты на глиняной утвари. По мере того, как люди овладели техникой бронзового литья, появились бронзовые изделия, на которые наносили узоры чаще всего символического, мифического характера. За дальностью эпохи указанные выше живописные памятники стали подлинным раритетом, однако с их помощью мы можем составить представление о состоянии живописи на заре китайской цивилизации. Что касается дошедших до нас живописных работ на бумаге и шелке, то они в большинстве своем были найдены при раскопках древних могил. Наиболее ранние из них насчитывают более 2 тысяч лет.

По тематике древнекитайская живопись делится на несколько разделов: портретная живопись, пейзажная живопись (жанр "горы и воды"), жанр "цветы и птицы". Примерно в 17-м веке в Китай проникла европейская живопись, ее китайцы стали называть "сиянхуа" ("картины, пришедшие с Запада") в отличие от отечественной живописи, которую стали называть "традиционной китайской живописью". То есть исторически термин "традиционная китайская живопись" возник для отличия от западной (европейской) живописи.

Китайская традиционная живопись - одно из магистральных направлений изобразительного искусства Востока. Она представляет собой самостоятельное явление в мировом искусстве, резко отличаясь от западной живописи как по тематике, так и по форме и изобразительным средствам.

Стиль "гунби" и стиль "сеи"

В представлении многих картины китайских художников написаны на один манер и представляют собой вольную композицию нанесенных тушью мазков и штрихов. На самом деле следует различать по меньшей мере два стиля китайской живописи: стиль "гунби" и стиль "сеи".

Для картин в стиле "гунби" ("тщательная кисть") характерно наличие тщательно выписанных контурных линий, обрисовывающих предметы и детали. Иногда этот стиль так и называют "стилем четких линий". Сделав обрис, художник закрашивает рисунок минеральными красками. Поскольку такие краски весьма долговечны и создают яркий колер, картины в стиле "гунби" выглядят очень декоративно. Именно в стиле "гунби" работали художники, оформлявшие росписью интерьеры дворцов императора и знати.

В отличие от картин "гунби" в картинах, написанных в стиле "сеи" ("передача идеи"), как правило, отсутствуют четкие контурные линии, картины написаны непосредственно нанесением тушью "фактуры" изображаемого предмета. Художник больше заботиться о передаче эмоционального, душевного настроения, чем о точной передаче деталей. Стиль "сеи" называют также стилем "грубой кисти". Художники этого стиля нередко прибегали к таким приемам, как обобщение, гиперболизация, ассоциация. Именно в стиле "сеи" работали художники, писавшие экспромтом, по наитию, под влиянием сиюминутного настроения. Картины в стиле "сеи" трудно поддаются копированию и имитированию. В большинстве случаев художники "сеи" писали тушью в черно-бело-серых тонах, благодаря чему их картины выглядят не столь пышно, как выглядят картины в стиле "гунби", но зато им присущи скрытая экспрессия и неподдельная искренность. В более зрелый период китайской живописи картины в стиле "сеи" заняли доминирующее положение.

На раннем этапе китайской живописи (до 12-го века) почти безраздельно господствовал стиль "гунби", на среднем и позднем этапах стал преобладать стиль "сеи". Стиль "гунби" был обязательным для профессиональных художников (художников, писавших по заказу и живших за счет своего труда), тогда как стиль "сеи" оказался предпочтительным у художников-интеллектуалов.

Разумеется, было немало художников, которые применяли приемы "гунби" и "сеи", их картины занимают как бы промежуточное место между указанными стилями.

Органическое сочетание поэзии, каллиграфии, живописи и граверного искусства

Обязательными атрибутами картин китайских художников являются сделанные автором название картины, стихотворное сопровождение и личная печать, удостоверяющая личность автора.

Китайская письменность относится к категории идеографических письмен, на ранней стадии развития каждый иероглиф представлял собой крохотный рисунок, воспроизводивший обозначенный предмет. Кроме того, сам способ письма тушью с помощью кисточки открывает широкий простор для творческой фантазии. Поэтому с глубокой древности китайцы рассматривали каллиграфию в тесной связи с живописью, считая, что у обоих видов творчества имеется общий источник. Китайские художники (это прежде всего относится к художникам-интеллектуалам) вполне естественно вносили в свои картины элементы каллиграфии. Они сопровождали картину стихотворной надписью, выполненной в каллиграфическом стиле, в которой выражали свой душевный настрой либо свое отношение к предмету изображения. Кроме того, согласно китайской традиции автор картины ставил внизу картины свою печать (непременно красного цвета). Сила выразительности линий и уровень каллиграфического мастерства считаются важным критерием при оценке достоинств картины. Китайская живопись требует разносторонней подготовки художника. Приступая к рисованию, художник, как правило, уже обдумал стихотворное сопровождение, которое он надпишет на картине, каллиграфический стиль, каким он напишет это сопровождение, и место, где лучше всего поставить печать. Стихотворная надпись призвана как бы дополнить образное содержание картины, сделать все произведение гармоничным. Красный цвет печати, контрастируя с черно-белым и цветным фоном картины, придает картине особый нюанс, делает ее законченной. В целом картина должна стать органическим единством поэзии, каллиграфии, живописи и гравюрного искусства (последнее проявляется в оттиске с печати).

Что касается композиционного построения, то тут важным отличием китайской живописи от живописи западной является непременное наличие на китайских картинах "пустых", незаполненных участков полотна. Эти пустые участки могут маскироваться под виды белесого облака, окутавшего гору, или туман над водной гладью, или отблеск солнечного или лунного света, а могут быть просто пустым местом. Такие пустые участки - важный композиционный элемент китайских картин. Если исходить из того, что художник задался целью выразить в образах некий поэтический или философский смысл, то "пустоты" призваны играть символическую роль, намекая на невозможность имеющимися средствами исчерпывающе и до конца выразить замысел художника и оставляя простор для фантазии зрителя. Выдающийся древнекитайский живописец и литератор Су Ши (1036-1101) выступал за то, чтобы "в стихах была образность живописи, а в живописи присутствовала поэзия". Этот девиз очень хорошо выразил идею органического единства поэзии и живописи, достичь которого стремились поколения китайских художников.

Три жанра китайской живописи

Человеческие образы, пейзаж, фауна-флора - таковы три важнейших жанра китайской живописи. Тут уместна параллель с западной живописью, где имеются портретный жанр, пейзажный жанр и натюрморт.

По времени возникновения наиболее ранним следует считать жанр "люди", так как еще в первобытном обществе наши предки рисовали на скалах фигуры людей и животных, используя для этого природные минеральные красители: мел, квасцы, графит и пр. В эпоху Вэй - Цзинь - Южных и Северных династий, то есть 1500 лет назад жанр "люди" достиг зрелости. Древнекитайский теоретик искусства Гу Кайчжи (348-409) выдвинул требование "передавать в портрете внутренний мир пейзажа", заботиться как о внешнем сходстве, так и о воплощении характера и душевного состояния объекта. Последующие поколения художников остались верными этой концепции. Уже на ранней стадии развития китайской живописи мастерство портретного жанра достигло высокого уровня.

Пейзажный мир называют в Китае жанром "горы и воды". По объему коллекции картин этого жанра и по силе влияния жанр "горы и воды" несомненно лидирует среди других жанров. Утвердился он позже портретного жанра, а зрелости достиг в Танскую династию (618-907). Особое положение пейзажного жанра объясняется в частности широким распространением в Китае концепции о единстве человека и природы. Согласно этой концепции между человеком и Вселенной не существует неодолимых преград. Человеческие качества: благородство, одаренность и т.п. способны "тронуть" природу. А человек, пусть даже живущий в городе и занятый служебными делами, неизменно мечтает быть поближе к горам, лесу и водоемам и желает слиться с природой. Художник, создавая пейзажное произведение, стремится передать свое тяготение к природе и в то же время вызвать ассоциации у зрителя.

Как уже упоминалось выше, в количественном аспекте пейзажные картины составляли большинство среди картин различных жанров.

Жанр фауны-флоры называют также жанром "цветы и птицы". Для этого жанра характерны темы трав, бамбука, камней, а также зверей, птиц, насекомых и пр. У истоков этого жанра были орнаменты, наносимые в глубокой древности ремесленниками на гончарные изделия и художественные поделки. То есть по времени он является более древним по сравнению с жанром "горы и воды". В династию Тан жанр "цветы и птицы" стал самостоятельным жанром. Что касается изображаемых растений, то художники отдавали предпочтение сливовому дереву (особенно в сезон цветения), орхидее, бамбуку, хризантеме, считая эти растения олицетворением благородных качеств человека.

Орудия труда художника и внешнее оформление картин

Традиционная китайская живопись отличается от западной, в частности, по применяемым художником орудиям труда и по способу внешнего оформления картин. Главные орудия труда, называемые в Китае "четырьмя сокровищами кабинета" - это бумага, кисть, тушь и тушечница. Китайцы не используют грунтованный холст - обязательный атрибут масляной живописи. В древности китайские художники писали на шелке, в силу его слабой водопроницаемости линии получались очень тонкими, а краски создавали яркий колорит. В 13-14-м веке в провинции Аньхой была изобретена технология изготовления особого сорта бумаги - "сюаньчжи". Постепенно "сюаньчжи" стала главным материалом для рисования. Изготавливается "сюаньчжи" из древесной коры и рисовой соломы по особой технологии. Бумага эта имеет чистую поверхность, мягка по фактуре и стойка против вредителей - насекомых и плесени. Картины на "сюаньчжи" хорошо сохраняются. Благодаря хорошей водопроницаемости и восприимчивости к тушевому раствору бумага "сюаньчжи" позволяет получать в зависимости от приемов, к которым прибегают художники, целую гамму оттенков: от густокоричневого до светлосерого.

Китайские художники добиваются выразительности не с помощью таких приемов западной живописи, как изменение светотени, линейное перспективы и пропорций, а главным образом с помощью разнообразия линий, пятен и штрихов, наносимых тушью. Говорят, что в изображении складок одежды, которую носили китайцы в старину, можно различить по меньшей мере 18 разновидностей линий. С помощью разнообразных линий, пятен и штрихов художник добивается правдивой передачи фактуры объекта, создает пространственный эффект, передает состояние статичности или динамичности. В этом фундаментальная специфика китайской живописи. Что касается цветного колера, то в глазах китайских художников он играет лишь второстепенную роль по сравнению с ролью, которую играют линии. От художника требуется хорошее владение темпом и ритмом движения кисти, умение очень точно выбрать нужную силу нажима. Кисть, употребляемая китайцами для письма и рисования, имеет бамбуковый или деревянный стержень, на конце которого укреплен пучок волосков из животного меха. Кисть должна быть мягкой и упругой. Такая кисть позволяет получать широкую гамму различающихся по интенсивности линий и пятен: они могут быть мощными и легкими, широкими и тонкими, резкими и слегка обозначенными. Особый эффект достигается приемом, когда художник внезапно делает паузу, а вслед за тем делает кистью как бы движение вспять. Говоря о виртуозности художника, люди часто применяют эпитет "волшебная кисть". Действительно, делая, казалось бы, незамысловатые движения, художник создает удивительные художественный образы, передает свои чувства и настроение.

Отличается китайская живопись от западной и по способу внешнего оформления картин. Если на Западе принято заключать картины в багетные рамки, то китайцы наклеивают свои картины на плотный лист бумаги, оставляя по бокам довольно широкие обрамляющие полосы, иногда обклеенные шелком. По способу внешнего оформления различают три вида картин: вертикальный свиток, горизонтальный свиток-рулон и плоские картины, сброшюрованные в альбом. Картина в форме вертикального свитка обычно вешается на стену или укрепляется на створке ширмы; горизонтальный свиток свертывается в рулон, а рассматривается путем постепенного разворачивания, причем смотреть картину надо слева направо. Для лучшей сохранности свернутая в рулон картина помещается в специальный футляр. Наконец, картина может быть оформлена в виде листа небольшого формата, несколько картин объединяются в альбом. До нас дошли в хорошем состоянии картины-свитка тысячелетней давности, что свидетельствует о высокой эффективности описанного способа внешнего оформления. К тому же в случае возникновения порчи от насекомых или плесени картину можно оформить заново.