AntikClub Клуб Антиквариев и Коллекционеров

Коллекционер кукол

admin — Wed, 22 Apr 2026 00:28:01 GMT

Николь Нлавсаг потратила годы на поиски каждой куклы American Girl из серии «Девушка года» — и завершила полную коллекцию в 2020 году
Её поиски включали редкие находки на гаражных распродажах и в благотворительных магазинах, причём некоторые куклы стоили всего $5
Сегодня в её коллекции более 200 кукол, выделена отдельная комната, а её аккаунт в TikTok стал вирусным: она делится коллекцией и общается с единомышленниками

Когда Николь Нлавсаг впервые попросила родителей купить ей куклу American Girl, они отнеслись к этой идее с осторожностью — покупка была недешёвой. Но после многолетних просьб на 12-й день рождения она наконец получила Молли.

С этого момента она «заболела» коллекционированием.

В последующие годы, ещё учась в старшей школе, Нлавсаг постепенно пополняла свою коллекцию, быстро осознав, какую радость приносят ей эти куклы. К 17 годам увлечение переросло в чёткую цель: она захотела собрать всех 18-дюймовых кукол American Girl из серии «Девушка года» — и с тех пор неустанно двигалась к этой мечте.

«Мне очень нравится находить их по выгодным ценам на гаражных распродажах, в секонд-хендах и тому подобных местах, — рассказывает коллекционер, которой сейчас 28 лет. — Найти куклу на распродаже за $5 — это невероятно захватывающий опыт, с которым ничто не сравнится».

Оглядываясь назад, Нлавсаг отмечает, что процесс поиска каждой «Девушки года» оказался проще, чем она ожидала.
Её коллекция началась с Никки (2007), которую ей подарили вскоре после получения Молли. Затем на 17-й день рождения ей преподнесли Изабель (2014). С 2016 года она превратила в традицию посещение магазина American Girl Place в Чикаго каждый 1 января, чтобы приобрести новейшую «Девушку года» — первой из них стала Ли.

Со временем она находила многие из более ранних кукол по разумным ценам, хотя некоторые находки особенно запомнились.

«Мне невероятно повезло найти Сонали — лучшую подругу Криссы, „Девушки года" 2009 — на гаражной распродаже всего за $50!» — делится она.

Тем не менее завершение коллекции не обошлось без трудностей.

Последней куклой, которой ей не хватало, стала Гвен — ещё одна подруга Криссы, — которую оказалось особенно сложно найти. Поскольку Гвен почти идентична кукле Truly Me №12, единственный способ отличить их — по бирке на теле, что делает её особенно редкой.

После многолетних поисков Нлавсаг наконец нашла Гвен в интернете в 2020 году, официально завершив свою коллекцию «Девушек года» — достижение, которое она поддерживает, продолжая ежегодную традицию пополнять коллекцию каждым новым выпуском.

По мере роста коллекции росло и желание поделиться ею с миром.

«Когда я купила дом и смогла выделить отдельную комнату для кукол, мне очень захотелось поделиться той радостью, которую они мне приносят, со всеми, — говорит она. — Хотя все в моём окружении поддерживают моё увлечение, они не до конца понимают, какое блаженство дарит комната с более чем 200 куклами American Girl мне и другим коллекционерам».

Это решение в итоге привело её в TikTok — где она и не ожидала такого отклика: многие её видео стали вирусными.
«Я думала, что моими видео заинтересуются лишь несколько человек, но и представить не могла, что так много людей искренне полюбят мой контент, — признаётся она. — Я получаю комментарии, в которых пишут, что я один из их любимых авторов, и мне очень приятно, что мои видео находят такой отклик».

Для многих зрителей, по её словам, ключевую роль играет ностальгия.

«Думаю, главная причина для многих — это воспоминания и ностальгия. Для меня и моих подруг куклы American Girl были „теми самыми" куклами детства, и, уверена, сегодня ситуация аналогична для многих людей, — объясняет она. — И не только из-за их качества и очаровательных аксессуаров, но и потому, что многие из них рассказывали истории о девочках в разные исторические эпохи. Теперь у многих из этих людей уже есть свои дети! В комментариях мне пишут, что они передали свои детские куклы своим детям — и это невероятно трогательно».

И хотя цель собрать всех «Девушек года» достигнута, Нлавсаг подчёркивает, что её коллекционерский путь продолжается.

«Поскольку моя цель — собрать каждую куклу, охота продолжается! У меня всё ещё нет некоторых, включая очень редкие и дорогие экземпляры, — говорит она. — Я очень экономный человек и действительно получаю удовольствие от „охоты" на этих кукол по исключительно выгодным ценам. Я на 100% уверена: можно найти каждую куклу, не платя за них сотни или даже тысячи долларов».

«Спустя 12 лет у меня осталось всего 4 „дорогие, редкие" куклы, которых у меня ещё нет. Все остальные я нашла менее чем за $100».

По пути она обрела нечто неожиданное — сообщество единомышленников.

«Я бесконечно благодарна сообществу поклонников American Girl в TikTok. Я познакомилась со множеством „кукольных друзей" и по-настоящему сдружилась с ними, — делится она. — Это так ценно, и я с нетерпением жду, что ждёт меня и наше кукольное сообщество в будущем!»

Коллекционеры Калькутты

admin — Tue, 21 Apr 2026 23:59:44 GMT

Задолго до того, как наследие стало предметом коллекционирования, оно существовало в меньших, более хрупких формах — объектах, которые проходят через руки и попадают к людям, которые не позволяют им исчезнуть. По всему городу коллекционеры, реставраторы и хранители извлекают память из обломков, наследства и случайности. То, что они создают, — это преемственность, где история восстанавливается, возрождается и сохраняется.

«Не у всего есть этикетка, но это мои сокровища»

Для Манджу Чаттерджи коллекционирование — это не выбор, а наследие, сформированное семейной историей, связанной с одним из старейших магазинов игрушек Калькутты. Компания KB Nan & Co (1862–1953) когда-то была культовым местом для англичан и земиндаров, а позже дело продолжил Арун Кумар Де, которого в городе ласково называли «мальчиком с игрушками». Даже спустя десятилетия после закрытия магазина его приглашали на выставку «Мир игрушек» 1977 года.

Большая часть моей коллекции пришла из Германии, из тех времен, когда во времена британского правления магазины обслуживали индийскую элиту и британских офицеров, искавших сувениры. Я выросла, слушая истории и наблюдая, как мой отец неустанно искал, продавал и коллекционировал игрушки.

«После смерти отца я начала собирать еще активнее, — рассказывает Манджу. — Если я нахожу старую игрушку, я обязательно забираю ее». На ее полках хранятся механические игрушки на пружинном ходу, многие из которых были созданы до 1947 года. «Без ключа они не работают», — добавляет она. Эти слои выходят за рамки простой экспозиции — они уходят в глубину хранения, памяти и семейной истории. «Они могут выглядеть обыденно, но каждая несет в себе истории, которые мы храним, о которых заботимся и передаем дальше».

«Ничего не достается мне целым — я восстанавливаю, создаю заново»

Гаутам Чаттерджи не просто коллекционирует историю — он воссоздает ее. «Если бы вы увидели, в каком состоянии они были изначально, вы бы не поверили, что это те же самые предметы», — говорит он. Ничего не попадает к нему в целости — каждый предмет он реставрирует и переделывает. То, что он создал, продолжая дело своего отца, — это не просто коллекция, а функционирующий архив времени.

Предметы конца 1800-х — середины 1900-х годов — радио, граммофоны, пишущие машинки, инструменты военного времени — все расположено рядом. Найденные на свалках и по рекомендациям, каждый предмет восстанавливается, чтобы обрести новую жизнь. «Когда я учился в седьмом классе, я создал наушники-радио, работающие на солевой батарейке, с использованием заземления, что стало городской сенсацией», — вспоминает он. Даже в 68 лет он продолжает реставрировать десятки предметов: «Эта страсть всегда была частью меня».

«Я горжусь своей коллекцией, но и очень ревниво ее охраняю»

Для Джоти Айер коллекционирование началось не с осознанного решения, а с эмоций. «Не могу точно сказать, когда это началось — уже более 25 лет я собираю разные вещи», — рассказывает она. Изначально она просто сохраняла память. «Большая часть антиквариата в моей коллекции досталась мне от бабушки и дедушки. Я не хотела терять эту связь».

Со временем это переросло в осознанное увлечение, сформированное прежде всего ее fascination с ножницами для бетеля (supari cutters). «От латунных до орнаментированных изделий — именно мастерство исполнения привлекало меня в них». Она ярко описывает свои находки — лицо дракона, Якши, воина, леопарда. «У каждого своя личность». Глубоко привязанная к своим сокровищам, она добавляет: «Я горжусь ими, но и очень ревниво охраняю. Это не просто предметы — это кусочки времени, которые я решила сохранить».

Эти калькуттские хранители напоминают нам, что наследие — это не только камни и здания, но и живые истории, заключенные в предметах, которые продолжают говорить с нами сквозь время.

Филателистка Эвелин О’Нил

admin — Tue, 21 Apr 2026 23:28:59 GMT

Для Эвелин О’Нил марка - это не просто марка, - это история, снимок, «миниатюрное произведение искусства». Это способ восприятия мира, который остался с филателисткой из Нельсона с детства, когда коллекционирование марок было не столько хобби, сколько правилом в семье.

«Когда я была ребенком, мой отец коллекционировал марки, и поэтому, поскольку мой отец коллекционировал марки, то и моей матери приходилось коллекционировать марки, а затем и нам, детям».

Выросшая в Темуке, она помнит, как покупала марки на свои карманные деньги в 1960-х годах. «Они приходили по почте в маленьких книжечках», — вспоминает она.

Теперь эта страсть всей жизни и истории, стоящие за ней, станут частью мероприятия «История коллекционирования», которое проводит Филателистическое общество Нельсона.

За эти годы коллекция Эвелин разрослась до неузнаваемости, и она «понятия не имеет», сколько марок у нее есть.

Она также унаследовала коллекции своих братьев и сестер, матери и отца. «Мы коллекционировали новозеландские марки, но также выбрали разные страны, чтобы начать коллекционирование».

Эвелин выбрала Великобританию, а ее отец коллекционировал американские марки. «Он умер в 1974 году, поэтому альбом содержит только марки до этого года, и когда я унаследовала его, я решила его заполнить». Это тщательное заполнение стало своего рода миссией. Она также заполнила новозеландский альбом своего отца и говорит, что теперь «пробелов очень мало», хотя оставшиеся «очень дороги».

Эвелин признается, что в подростковом возрасте она сделала перерыв в коллекционировании марок примерно на 10 лет, что означало, что позже ей пришлось многое наверстать.

«Я решила, что больше никогда не буду отставать, потому что это была ужасная задача», — смеется она.

Сейчас она следит, чтобы ничего не ускользнуло от внимания.

Но Эвелин не следует традиционным правилам филателии.

Вместо этого она составляет тематические коллекции и «истории марок» — своего рода мини-книги или журналы, где марки используются в качестве иллюстраций.

Эвелин говорит, что коллекционирование марок для нее не инвестиция, а хобби.

«Я делаю это, потому что получаю от этого огромное удовольствие».

Как и многие коллекционеры, она признает, что может «погружаться в кроличьи норы», и недавно ее увлекла история почты, особенно местные почтовые штемпели.

«Я взялась за сбор информации о регионе Нельсон. Мне удалось получить список всех когда-либо существовавших почтовых отделений и данные о них».

Этот интерес будет представлен на выставке «История коллекционирования», где Эвелин работает с другим членом общества, Дэвидом Лоу, над проектом по документированию почтовых отделений и почтовых штемпелей Ваймеа-Саут.

Дэвид говорит, что это мероприятие — возможность узнать истории, стоящие за вещами, которые люди хранят, будь то марки, семейная история или давно забытые коллекции, спрятанные на чердаке. «Это действительно довольно весело и полезно. История не скучна».

Коллекционер спортивных карточек

admin — Tue, 21 Apr 2026 23:14:37 GMT

Джейсон Дамбах превратил свой магазин в место встречи коллекционеров спортивных карточек

«Мой дедушка работал на продуктовом складе, и они продавали бейсбольные и футбольные карточки Topps и других компаний. Он приносил мне домой коробки с карточками», — вспоминает Дамбах, которому в 1983 году было 7 лет, когда он начал коллекционировать.

«Каждый раз, когда я вижу бейсбольную карточку Topps 1983 года, меня это просто завораживает. У Райна Сандберга, Уэйда Боггса и Тони Гвинна были карточки новичков. В глобальном масштабе они не представляют особой ценности, но всякий раз, когда я вижу эти карточки, я просто очарован».

Любовь Дамбаха к коллекционированию сохранилась, но отошла на второй план во время его карьеры в руководстве бейсбольной команды низшей лиги, которая привела его в Altoona Curve в качестве комментатора, а затем к работе генеральным менеджером State College Spikes и Frisco Roughriders в Техасе. В конце концов, семья вернула его домой, в Стейт-Колледж.

«Я познакомился со своей женой, Эрикой, которая является главным тренером женской футбольной команды здесь, в Пенсильванском университете, в 2014 году. Мы поженились в 2016 году, и я руководил командой в Техасе», — говорит он. «Когда мы поженились, мы жили раздельно. И, очевидно, это не могло продолжаться долго, особенно когда у нас появились дети. Поэтому я ушел из бейсбола».

Несколько лет Дамбах оставался дома, воспитывая двух дочерей, пока его жена работала. «Я знал, что хочу иметь свой бизнес, просто не был уверен, какой именно», — говорит он. «Именно в этот период я снова увлекся коллекционированием карточек, стал заядлым коллекционером и понял, что в Стейт-Колледже нет магазина, который бы обслуживал это сообщество или, по сути, окрестности. Это стало моим приоритетом».

Разработав бизнес-план, Дамбах открыл магазин Nittany Cards Plus в январе 2024 года. В то время как большая часть рынка спортивных коллекционных товаров ведет бизнес онлайн, Дамбах фокусируется на создании дружелюбного места для встреч коллекционеров всех возрастов, где бизнес — или просто разговоры о спорте — происходят лицом к лицу.

Он проводит ежеквартальные мероприятия, чтобы объединить сообщество коллекционеров. В феврале «вечер вскрытия» был посвящен выпуску бейсбольной серии Topps Series 1 2026 года. На вечеринке с пиццей раздавали подарки, и на ней присутствовал принимающий игрок футбольной команды Penn State Бретт Эскилдсен. Как следует из названия, коллекционеры вскрывают новые фольгированные упаковки бейсбольных карточек, чтобы узнать, какие желанные карточки — так называемые «хиты» — могут находиться внутри.

В отличие от детства Дамбаха, когда все карточки игроков выглядели одинаково, сегодня такие компании, как Topps и Upper Deck, выпускают несколько вариантов карточек игроков — так называемые «параллели» — некоторые из которых редки и ценны. Некоторые карточки 2025 года с автографом звезды Pittsburgh Pirates Пола Скинса перепродавались за несколько сотен долларов и более. В качестве крайнего примера, в прошлом году на аукционе была продана карточка Скинса с автографом и нашивкой с его дебютной формы в Главной лиге бейсбола за 1,1 миллиона долларов.

Однако Дамбах сосредоточен не на дорогих предметах, а на том, чтобы сделать хобби доступным и интересным. «Я всегда был человеком, ориентированным на обслуживание клиентов. Я 20 лет работал в профессиональном бейсболе, ходил по стадионам и просто знакомился с посетителями. И это очень похоже. Для людей это был способ самовыражения — приходить на стадион. И это тоже способ самовыражения для людей.

Да, мы ведем бизнес, но в конечном итоге мы просто получаем удовольствие и обсуждаем спорт».

Когда вы открыли магазин, вы сказали, что позволите покупателям самим определять направление развития бизнеса. Что они вам сказали?

Самое главное, что мы поняли, это то, что наши клиенты не хотят, чтобы мы были коллекционерами. Они хотят, чтобы мы обслуживали их хобби, и именно этим мы и занимаемся. У нас нет большой личной коллекции. Всё, что мы делаем, направлено на обслуживание наших клиентов. Я бы сказал, что ещё один важный момент заключается в том, что многие магазины стремятся выставлять напоказ большие, броские и дорогие вещи. Но в конечном итоге, когда дело доходит до того, чего хотят наши клиенты, они всё равно хотят доступности. Они всё ещё хотят, чтобы ваш магазин был чистым и дружелюбным. Обслуживание клиентов — это очень важная часть нашей работы. Что касается самих товаров, которые мы предлагаем, всё, что мы продаём ежедневно, стоит меньше 100 долларов. У нас нет больших, дорогих и изысканных карточек Микки Мантла 1952 года.

Большинство людей приходят, особенно студенты, молодежь, даже те, кто увлекается этим хобби, любят коллекционировать все самое новое и модное. Это футбольные карточки, бейсбольные карточки, карточки по «Звездным войнам».

Как вы сосуществуете с такими онлайн-платформами, как eBay?

Это непросто. Сейчас так легко зайти сюда, взять телефон и сравнить цены на коробку с карточками на Amazon, Walmart или в одном из крупных онлайн-магазинов, и получить ее через день-два. Наша цель — быть очень конкурентоспособными. К счастью, нам удалось заключить сделку с Topps и Upper Deck, двумя крупнейшими компаниями по производству карточек. Мы можем получать продукцию напрямую от них. Они исключают посредников. Это позволяет нам быть очень конкурентоспособными.

Находясь в самом сердце региона, где расположен университет Пенсильвании, насколько важна для вашего бизнеса эта сфера, особенно сейчас, когда действует закон о защите имени, изображения и сходства (NIM),?

Будь то футбольные матчи Пенсильванского университета, фестиваль искусств, THON, что угодно, мы всегда видим увеличение потока посетителей в магазине во время этих уникальных мероприятий. … Нам очень повезло с нашим расположением в районе с развитым туризмом, где к нам приезжает так много посетителей. И, конечно же, к нам приезжает много клиентов из других штатов и регионов, как правило, в подобные даты.

Одним из факторов, совпавших с открытием нашего магазина, стал бум NIM в студенческом спорте. Пять лет назад мы не смогли бы предложить лицензированную футбольную карточку игрока Пенсильванского университета. Теперь можем. И Topps, и многие другие крупные бренды выпускают карточки с игроками Пенсильванского университета. Это было здорово в 2024 году, когда Пенсильванский университет совершил свой триумфальный рывок через весь плей-офф студенческого футбола. Мы продали много карточек Дрю Аллара. Мы продали много карточек Тайлера Уоррена. Мы продали много карточек Ника Синглтона и других подобных игроков.

Например, присутствие здесь Гэвина МакКенны — огромной хоккейной звезды кампуса — оказало на нас огромное влияние, потому что пять лет назад мы не смогли бы предлагать эти карточки. Они бы не выпускали лицензионные карточки. И это не только карточки. Это и майки. У нас есть майки, шлемы и другие уникальные коллекционные предметы, которые мы можем предложить, чего мы не могли сделать пять лет назад. Это еще относительно новый, растущий сектор индустрии, но мы определенно видим большой рост благодаря возможности продавать не только товары Penn State, но и лицензированную продукцию студенческого футбола, студенческого баскетбола и других видов студенческого спорта.

Как вы думаете, почему спортивные карточки сохраняют свою популярность, учитывая, что мы живем в цифровом мире, но люди все еще хотят эти картонные карточки?

Это была большая дискуссия, возможно, четыре или пять лет назад, когда NFT (невзаимозаменяемые токены) стали очень популярны, или цифровые продукты. Компании, выпускающие карты, подключились к этому, и быстро поняли, что люди хотят видеть, держать в руках и чувствовать что-то, чем они владеют. В обладании изображением нет чувства гордости. Это было проверено на практике за последние пять лет, и сейчас об этом почти ничего не слышно. Я уверен, что цифровые и NFT-продукты всё ещё существуют; есть этот сегмент рынка коллекционирования. Но всё больше и больше людей просто продолжают стремиться к тому, чтобы иметь возможность держать в руках и владеть тем, что им нужно. А сегодня это ещё интереснее, потому что есть редкие предметы. Вы можете зайти в такой магазин и уйти с уникальной или чрезвычайно редкой картой. Есть этот азарт погони, который не был бы таким же, если бы вы не могли физически подержать это в руках.

Какой совет вы дадите тому, кто приходит сюда и хочет начать коллекцию?

Прежде всего, я бы сказал, не думайте, что вы автоматически должны покупать самые дорогие вещи. Собирайте то, что вам нравится. Собирайте вещи, связанные с вашей любимой командой. Найдите свою нишу, но сузьте её. Мы видим много людей, которые приходят, тратят и тратят, а потом исчезают, потому что выгорают. У них нет конечной цели. Я думаю, что наличие конечной цели очень важно.

Если вы хотите заняться коллекционированием карточек, чтобы немного подзаработать, это замечательно. Но я бы сказал, что вам нужно убедиться, что у вас есть способ продать всё. Заведите аккаунт на eBay. Найдите онлайн-комиссионера. Найдите способ быстро продавать, получать дополнительный доход и продолжать расти, потому что мы видим много людей, которые приходят, хотят заняться коллекционированием карточек. Они знают, что они ценны. Они действительно получают ценные карточки, а потом не знают, что с ними делать. И, очевидно, мы не сможем купить каждую карту, которая существует. Поэтому очень важно иметь план и конечную цель.

Коллекционер комиксов

admin — Tue, 21 Apr 2026 22:50:53 GMT

В свои 45 лет Этан наполнил свой дом комиксами, статуэтками и предметами коллекционирования, связанными с персонажами его детства, создав личный архив ностальгии, самоидентификации и искусства — и все еще надеясь, что однажды это может помочь вдохновить на проведение настоящего Comic-Con в Израиле.

Дом Этана выглядит как детство, сжатое в одной комнате — Супермен, Магнето, Росомаха, Охотники за привидениями, Чужой, Звездные войны, Черепашки-ниндзя. Полки от пола до потолка. Стеклянные шкафы, светящиеся под светодиодной подсветкой. Коробки с комиксами, спрятанные под столами, как скрытые архивы. Для 45-летнего Этана это не музей. Это терапия.

Днем Этан — женатый отец троих детей и инструктор по боевым искусствам, преподающий капоэйру и карате. По ночам он погружается в мир комиксов, научной фантастики и ностальгии.

Его коллекционерское увлечение началось в начале 1990-х, когда он просматривал небольшие стопки комиксов в книжных магазинах, выбирая выпуски почти наугад. Тогда супергеройская культура в Израиле была нишевой. Не было мега-конвенций, не было стриминговых платформ, наводняющих рынок контентом Marvel и DC. Это было открытие случайно.

Семь лет назад его хобби усилилось. То, что начиналось как комиксы, переросло в коллекционирование фигурок, высококачественных статуэток, лимитированных бюстов, принтов и около 350 фигурок Funko Pop.

«Люди называют это зависимостью», — признается он. «Но это мой тихий уголок в конце дня».

В разговоре с Этаном становится ясно одно: он не коллекционирует для перепродажи. Да, некоторые предметы в его коллекции стоят от нескольких шекелей до нескольких тысяч. Да, у него есть редкие экземпляры, включая массивную скульптуру головы Росомахи ручной работы, которых в мире существует всего два, но рыночные спекуляции им не движут.

«Я покупаю что-то не потому, что это может когда-нибудь стоить дороже, — говорит он. — Я покупаю это, потому что мне нравится дизайн».

Его любимый персонаж — Магнето. Выбор личный. Магнето, переживший Холокост в каноне Marvel, несёт в себе идеологическую сложность. Этан глубоко проникнут этой сюжетной глубиной. Тем не менее, он не покупает все доступные произведения о Магнето. Только те, которые визуально ему нравятся.

Для него комиксное искусство — это искусство в чистейшем смысле этого слова. В детстве он изучал анатомию и дизайн костюмов, копируя рисунки. До сих пор, если стиль иллюстраций в комиксе ему не нравится, он не может его читать.

Этан открыто признает то, о чем многие коллекционеры стесняются говорить: дело не в редкости. Дело в тоске.
Он вырос на «Трансформерах», «Людях Икс», «Черепашках-ниндзя». Многие из этих вещей были недоступны в его детстве. Теперь взрослая жизнь дает ему и свободу выбора, и средства.

Это компенсация за что-то недостающее? «Не компенсация», — поправляет он. «Это тоска».

Когда Disney выпустил «Людей Икс» 1997 года, он почувствовал себя перенесенным обратно в субботние утра детства, когда ждал следующей серии. Это эмоциональное путешествие во времени — настоящая валюта коллекционирования.

Помимо своей частной коллекции, Этан управляет двумя крупными сообществами в Facebook: одно посвящено статуэткам и коллекционным предметам из комиксов, а другое — ностальгическим игрушкам. Цель — не столько коммерция, сколько связь.

Однажды он случайно попал на Comic-Con в Филадельфии. Увидев косплееров, идущих по улице, он последовал за ними внутрь. «Я был в восторге», — вспоминает он. Он считает, что такое ощущение погружения может существовать и в Израиле. Он был частью организационной команды двух мероприятий в стиле израильского Comic-Con. Мечта остается живой. «Я хочу привезти настоящий Comic-Con в Израиль, — говорит он. — Художники, гости из-за рубежа, трехдневное мероприятие. Побег от реальности».

И все же он время от времени подумывает о продаже всего своего имущества. Предложения поступали. Значительные. Он всегда говорит «нет».

Советы следующему поколению

Давая советы молодым коллекционерам, Этан подходит к делу практично: определите бюджет, определите масштаб, определите нишу. «Если бы я мог начать все сначала, — говорит он, — я бы коллекционировал только статуи в масштабе 1:10. Нужны ограничения. Проблема в пространстве».

Он подчеркивает важность дисциплины, а не импульсивности, сосредоточенности, а не безумия, и прежде всего, сообщества. «Если кому-то нужна помощь в поиске чего-либо, — говорит он, — я помогу. Коллекционер понимает другого коллекционера».

Для постороннего человека комната может выглядеть как полки с пластиком. Для Этана это десятилетия воспоминаний, любовь к искусству, культура фэндома и идентичность, сложенные воедино. Коллекционирование редко связано с предметами. Оно связано с тем, кем мы были, когда впервые столкнулись с ними — для Этана супергерои никогда не были чем-то детским. Они были учителями: анатомии, рассказывания историй, воображения и, возможно, самое важное, чувства принадлежности.

Музей аккордеонов в Китае

admin — Tue, 21 Apr 2026 21:50:58 GMT

Фото Алевтины Донских

В историческом квартале «Улица Шести звёзд» в центре города Инин (Кульджа) Синьцзян-Уйгурского автономного района расположился уникальный музей, посвящённый аккордеону. Открытый в 2019 году при совместной поддержке властей Инина и провинции Цзянсу, он занимает площадь около 1200 кв. м и хранит более 800 инструментов, собранных в двух десятках стран. За этим проектом стоит четыре десятилетия жизни и труда Александра Сергеевича Зазулина – этнического русского, родившегося и выросшего в Кульдже.

Любовь к инструменту пришла к Александру ещё в детстве. Его отец играл на аккордеоне для соседей и гостей, и хотя в те годы музыкальный инструмент считался большой роскошью (отцу нередко приходилось отдавать его в ломбард, чтобы решить бытовые вопросы, а затем выкупать обратно), именно эти домашние вечера зажгли в мальчике живой интерес. В 18 лет, месяцами откладывая деньги от рыбалки и случайных подработок, он приобрёл свою первую гармонь, потратив на неё все сбережения. Позже, занимаясь приграничной торговлей, Александр начал собирать сломанные инструменты со всего Синьцзяна, постепенно переключившись на закупку антикварных аккордеонов за рубежом. Так коллекция, которая по разным оценкам насчитывает от 800 до 1000 экземпляров, стала делом всей его жизни.

Зазулин славится авторской техникой реставрации. Он практически никогда не отправляет инструменты на заводы, предпочитая самостоятельно изготавливать мехи, язычки и другие узлы. «Какой бы ни была степень повреждения, я всегда могу вернуть аккордеон к жизни», – отмечает мастер. Для него этот инструмент – не просто механизм, а «душа русской народной песни». По его убеждению, отреставрированный аккордеон обретает второе дыхание, сохраняя в себе историю и музыку, которую способен передать новым слушателям.

Мастерство Александра не осталось незамеченным. В 2002 году он делил сцену с известным китайским музыкантом Чжаном Чжицяном, а в 2004-м выступал в дуэте с казахским аккордеонистом. Не имея формального музыкального образования, он за годы сочинил десятки собственных мелодий. Предложения продать коллекцию доходили до 20 млн юаней (около 2,8 млн долларов США), но Зазулин неизменно отказывался: инструменты давно перестали быть для него товаром. Когда коллекция перестала помещаться в доме, занимая пространство от пола до потолка, а часть экспонатов всё ещё лежала в коробках, он решил открыть музей. Мечта осуществилась благодаря государственным инвестициям в размере свыше 4 млн юаней.

Сегодня музей стал не только туристической достопримечательностью, но и площадкой реализации национального проекта нематериального культурного наследия «Искусство баяна». При нём работает школа, где взрослые и дети разных национальностей учатся играть на баяне, гармони и аккордеоне, а также вокальному искусству. Концерты в музее звучат на всех языках, распространённых в многонациональной Кульдже, и по уровню исполнительского мастерства местные музыканты не уступают звёздам мирового масштаба.

Эстафету от отца приняла дочь Александра – Аня. С начала текущего года она самостоятельно или под его руководством отреставрировала уже много инструментов. «Раньше я не испытывала особого интереса к этому делу, но теперь понимаю, как важно сохранить уникальные навыки отца. Было бы жаль, если бы это искусство исчезло», – делится она.

Благодаря преемственности поколений и открытости музея для публики, история аккордеона в Синьцзяне продолжает звучать, объединяя культуры и передавая музыку сквозь время.

Эти коллекционеры начали с советского фотоаппарата

admin — Mon, 20 Apr 2026 23:45:43 GMT

Эти коллекционеры начали с советского фотоаппарата. Сейчас их коллекция охватывает три континента.
Мамаду-Абу и Катрин Сарр собрали завидную коллекцию, отражающую их глобальную творческую траекторию, и учредили художественную премию, соответствующую этому масштабу.

Что значит коллекционировать на рынке, который часто вознаграждает статус больше, чем содержание?

Для чикагской пары коллекционеров Мамаду-Абу и Катрин Сарр ответ кроется в терпении, которое потребовалось для создания их коллекции Сарр . Портфолио дуэта плавно перемещается между Западной Африкой, Францией и США, руководствуясь их страстью к молодым художникам и международному диалогу. Мамаду-Абу, инвестор, чья карьера отточила его чутье на долгосрочную ценность, и Катрин, дизайнер ювелирных изделий, чутко воспринимающая форму и материал, привносят в свою совместную коллекцию различные, но взаимодополняющие взгляды.

Этот принцип распространяется и на другие сферы, в частности, на премию SARR Prize , инициативу, поддерживающую трех студентов-художников, обучающихся в Парижской школе изящных искусств. Награды включают денежные подарки, а для одного из лауреатов – месячную резиденцию во французском культурном посольстве, вилле Альбертина в Чикаго. Учитывая обширность коллекции и историю семьи Сарр, знакомство с их работами порождает столько же вопросов, сколько и дает ответов об их кураторском видении.

Расскажите историю создания вашей коллекции.

Мамаду-Абу Сарр: У моего отца был российский фотоаппарат «Зенит-Е» 1960-х годов, и он делал замечательные фотографии. В детстве я брал его напрокат, компоновал кадры, представляя себя профессиональным фотографом. Когда я уехал из Франции, он отдал его мне, и этот момент почти точно совпал с моим открытием современной африканской фотографии. Сейду Кейта, Малик Сидибе, Мама Кассет — фотографы, которые понимали студию как театр достоинства и самоопределения. Это было откровением. С тех пор коллекция естественным образом разрослась, но начиналась она как нечто по-настоящему интроспективное, как способ задаться вопросом, кто мы, откуда мы, что заслуживает того, чтобы быть сохраненным. Этот вопрос никогда нас по-настоящему не покидал.

Какой совет вы бы дали тому, кто хочет заняться коллекционированием?

Кэтрин Сарр: Собирайте то, от чего не можете оторвать взгляд, а не то, что, как вам кажется, вам должно принадлежать. Коллекция откроется вам со временем, если вы позволите ей это сделать.

Мамаду-Абу: Обдумайте это. Не покупайте импульсивно. Если произведение вам подходит, оно останется вам подходящим и после ночи. И проводите время с художниками, не только изучайте их работы, но и их идеи. Понимание того, что человек пытается сделать, меняет ваше отношение к его творчеству.

Расскажите о премии SARR. Как она была учреждена и как она развивалась с тех пор?

Кэтрин: Больше всего меня радует то, как эти художники продолжают развиваться и как много из них вошли в нашу коллекцию. Это стало одновременно и платформой, и долгосрочным обязательством.

Мамаду-Абу: Мы чувствовали, что существует реальный разрыв между французской и американской художественными сценами, не в плане признанных имен, а в плане начинающих художников, которым нужно время и контекст для развития своего творчества. Премия поддерживает начинающих художников, проживающих во Франции, предоставляя им как признание, так и резиденцию в Чикаго.

Вы рассматриваете коллекционирование как продолжение навыков, отточенных вами в профессиональной жизни, или как нечто совершенно новое?

Кэтрин: Для меня коллекционирование и изготовление украшений всегда были взаимосвязаны. Я постоянно черпаю вдохновение из коллекции, не в иллюстративных целях, а в том, как я осмысливаю форму, вес и значение. Они взаимно дополняют друг друга.

Мамаду-Абу: Честно говоря, и то, и другое. В финансах всегда задаешься вопросом: во что я верю, чего другие еще не видят? В коллекционировании этот вопрос не так уж сильно отличается. Но эмоциональный аспект совершенно другой. Позиция в портфеле не хранится у тебя дома. Она не смотрит на тебя в ответ.

Выставка коллекции Миддлтонов

admin — Mon, 20 Apr 2026 22:34:03 GMT

Александра А. Киртли, куратор декоративно-прикладного искусства в Художественном музее Филадельфии, впервые узнала личность таинственного коллекционера, которого она называла «мистер Биг», услышав его имя в баре. Мистер Биг, начавший свою коллекционерскую деятельность с мебели, скупал «лучшие из лучших» американские предметы, сказала она, например, редкий письменный стол и книжный шкаф работы Натаниэля Гулда, почитаемого краснодеревщика XVIII века.

«Мистер Биг» — это Джон С. Миддлтон, долгое время остававшийся анонимным миллиардером-коллекционером, а ныне — основной владелец бейсбольной команды «Филадельфия Филлис». Он и его жена, Ли, собрали, по общему мнению, одну из лучших частных коллекций американского искусства, сравнимую по качеству с той, что собрала Элис Уолтон для своего некоммерческого Музея американского искусства «Кристал Бриджес» на северо-западе Арканзаса.

Около 120 скульптур, предметов мебели, артефактов и картин семьи Миддлтон — включая работы Бирштадта и Пила — впервые будут представлены публике под именем Миддлтон на выставке «Нация художников», проходящей в Филадельфийском музее искусств и Пенсильванской академии изящных искусств и приуроченной к 250-летию основания страны в Филадельфии.

Миддлтоны начали коллекционировать в то время, когда существовала «огромная конкуренция» за лучшие произведения. Большинство серьезных коллекционеров специализируются на одном художнике, жанре, технике или периоде, отметил он. Но не Миддлтоны.

Подтянутый 71-летний представитель высшего общества, Миддлтон сколотил состояние, продав семейный табачный бизнес, наиболее известный своими сигарами Black & Mild, материнской компании Philip Morris, Altria, в 2007 году за 2,9 миллиарда долларов наличными, согласно Forbes. Первоначальный бизнес был основан его прапрадедом в 1856 году как небольшой табачный магазин в Филадельфии.

Он и Ли, молодая и миниатюрная девушка, познакомились на свидании вслепую, устроенном их матерями, когда они случайно встретились в отделе фарфора и хрусталя. Они женаты уже 48 лет.

Его дед был художником и, когда Джону исполнилось 3 года, подарил ему картину с изображением красного товарного вагона. Обладая, как выразилась его жена, «невероятной» памятью, он помнит, как получил подарок с надписью «Джонни от дедушки» на кухне.

Пара оставалась в тени, всегда в скобках как «частный коллекционер». Значительная часть их благотворительной деятельности также осуществлялась анонимно. Но крупные пожертвования системе государственных школ Филадельфии — что требовало прозрачности пожертвований — и некоммерческой организации, занимающейся помощью бездомным, вывели их из тени. Когда Джон стал публичным лицом «Филадельфии Филлис» в 2015 году, «наша анонимность была раскрыта», — сказал он.

Ее муж считает картины Гудзонской школы трогательными, но в интеллектуальном плане больше склоняется к абстрактным экспрессионистам. Исключением является картина Марка Ротко «Оранжевый, красный, желтый» (1956), также находящаяся в музее, которая меняется в зависимости от освещения и может быть «очень эмоциональной, когда свет приглушен», — сказал он. Пара приобрела картину Ротко в 2013 году на аукционе Sotheby’s за «более чем 30 миллионов долларов», — сказал Миддлтон.

Их увлечение коллекционированием началось, когда они были молодоженами, с кресла-качалки с плетеным сиденьем за 195 долларов. Они всерьез занялись покупками в январе 2006 года, приобретя картину Пила за 21,3 миллиона долларов на аукционе Christie’s, что на тот момент стало рекордом для американского портрета. С тех пор их покупки не прекращаются. Темпы были настолько высокими, что в 2010 году Ли объявила временный мораторий. «Мы не можем купить каждую великую картину», — сказала она мужу.

Но знаковая картина Джонса «Флаг» 1960-66 годов вот-вот должна была быть выставлена на аукцион. Приближался день рождения Ли и годовщина их свадьбы, поэтому Миддлтон решил купить флаг — 28,6 миллиона долларов, которые он заплатил, были рекордной суммой для Джонса на тот момент, что сегодня составляет около 42 миллионов долларов, — и удивил её. Затем его имя стало распространяться по Нью-Йорку как имя таинственного покупателя. Друг сказал Ли: «Я слышал, что Джон купил флаг». Это не могло быть правдой, объяснила Ли, потому что они договорились прекратить покупки. Но его тайна была раскрыта. Затем он сказал: «Ну, дорогая, у меня есть сюрприз…»

Выставка, проходящая на двух площадках, продлится до 5 июля 2027 года в Художественном музее Филадельфии, 2600 Benjamin Franklin Parkway, philamuseum.org/visit; и до 5 сентября 2027 года в Пенсильванской академии изящных искусств, 118-128 North Broad Street, Филадельфия, pafa.org/museum/visit.

Ассоциация американских библиофильских обществ

admin — Mon, 20 Apr 2026 22:04:19 GMT

Ассоциация американских библиофильских обществ (FABS, Fellowship of American Bibliophilic Societies) — это международная ассоциация клубов коллекционеров книг, является некоммерческой организацией, стремящейся к общению, обмену опытом и поддержке библиофильской деятельности, опыта и идей среди клубов-членов и филиалов для взаимной выгоды и удовольствия.

Членские клубы коллекционеров книг и международные филиалы (перечень)

Мы приглашаем библиофильские общества в Соединенных Штатах стать членами FABS, а клубы коллекционеров книг за пределами США могут присоединиться к другим международным филиалам FABS.

Представители широкой общественности могут ознакомиться с нашим календарем онлайн-мероприятий; большинство из них открыты для публики и бесплатны. Мы также предлагаем ежемесячный дайджест онлайн-мероприятий в нашей электронной рассылке.

В целях выполнения нашей миссии мы издаем журнал FABS, организуем ознакомительные поездки в различные города США и Европы, спонсируем мероприятия и публикации, создаем библиофильские программы, призванные объединять библиофилов из разных клубов, и проводим ежегодные собрания. Наш веб-сайт создан для того, чтобы служить центром коммуникации для членов клубов, филиалов и мероприятий.

Концепция FABS первоначально возникла после празднования в 1992 году, во время 100-летия Кливлендского клуба Роуфанта. На мероприятии присутствовали руководители крупных книжных клубов Нью-Йорка, Чикаго, Филадельфии и Сан-Франциско. Понимая многочисленные общие интересы библиофильских обществ и предвидя преимущества более тесного сотрудничества, было принято решение основать «общество обществ».

Первая официальная встреча FABS состоялась в Сан-Франциско в феврале 1996 года во время Западно-побережной антикварной книжной ярмарки, и участники были приглашены Книжным клубом Калифорнии и клубом Роксбурга. Следующая встреча состоялась в апреле на Нью-Йоркской антикварной книжной ярмарке. С тех пор встречи FABS, включая ежегодное деловое собрание, проводятся в соответствии с книжными ярмарками и другими крупными библиофильскими мероприятиями. Как отметил председатель Зиглер: «Небольшого приема и времени для общения друг с другом вполне достаточно».

Благодаря усилиям Брюса МакКиттрика, нашего первого председателя по вопросам членства, число обществ FABS быстро выросло. Информационный бюллетень FABS (позже переименованный в журнал FABS), основанный в 1995 году, был создан по образцу журнала The Caxtonian на компьютере Macintosh и имел тираж 200 экземпляров. В первых выпусках публиковались анонсы предстоящих мероприятий в каждом участвующем клубе, на которые приглашались все члены обществ FABS, а также анонсы будущих публикаций клубов. Краткие обзоры новостей каждого клуба вскоре стали неотъемлемой частью издания.

С 1995 года журнал FABS выходит дважды в год. Он содержит статьи, обзоры, объявления и новости о книгах от членов клубов. Журнал принимает платную рекламу и охватывает аудиторию в тысячи коллекционеров и профессионалов в библиофильском мире.

FABS является соорганизатором Национального студенческого конкурса коллекционеров книг, а также мероприятий и событий, связанных с книгами.

Опубликовано собрание сочинений о китайских бронзовых артефактах, утраченных за рубежом

admin — Mon, 20 Apr 2026 21:33:04 GMT

Профессор Чжу Фэнхань, главный редактор шестидесятитомного сборника

Шанхайское издательство классической литературы опубликовало шестидесятитомный сборник, документирующий более 23 000 древних китайских бронзовых артефактов, утраченных за рубежом.

Публикация этих книг знаменует собой первое в Китае систематическое исследование и систематизацию статуса важных бронзовых культурных реликвий, разбросанных за рубежом.

Проект начался в 2012 году, когда Национальное управление по культурному наследию Китая поручило Пекинскому университету оценить масштабы утраченных культурных реликвий страны.

Исследовательская группа университета под руководством профессора Чжу Фэнханя посетила более 260 учреждений в более чем 10 странах, чтобы отследить разбросанные реликвии и связанные с ними записи, а также посетить коллекционеров.

Чжу, также являющийся главным редактором книг, отметил, что предыдущие подобные исследования в основном были сосредоточены на бронзовых колоколах, котлах и ритуальных сосудах. Эта коллекция включает в себя около 300 видов бронзовых артефактов, от оружия, инструментов, ламп и подставок для зеркал до железных изделий, угольных граблей и игральных костей. Один из примеров — подставка для лампы в форме человека, которая в настоящее время находится в Художественном институте Миннеаполиса.

Ранее ученые в стране и за рубежом обычно предполагали, что в зарубежных коллекциях хранится более 3000 китайских бронзовых изделий. Однако «Коллекция китайских бронзовых изделий в зарубежных коллекциях» увеличила эту цифру более чем в семь раз.

«Мы создали идентификационный документ для каждого предмета реликвии», — сказал Чжу. Команда обнаружила, что лишь немногие реликвии имеют четкие записи о законной торговле, дипломатических подарках или законном экспорте.

Как указывается в сборнике, основными каналами вывоза этих бронзовых изделий из Китая с конца XIX до середины XX века были грабежи, контрабанда и военные грабежи. Западные коллекционеры и торговцы закупали большое количество изделий через агентов внутри Китая, формируя незаконную цепочку поставок.

Выступая на пресс-конференции, посвященной выходу книг, Чжу Е, заместитель директора отдела обмена Национального управления по охране культурного наследия, назвала бронзовые изделия ключевым символом китайской цивилизации. По ее словам, сборник создает межрегиональную, отслеживаемую базу данных, которая может поддержать будущие усилия по возвращению реликвий.

Китайские эксперты по культурным реликвиям в целом обеспокоены тем, что так называемое отсутствие «цепочки доказательств» является самым большим препятствием для возвращения реликвий. Гэ Лян, эксперт по бронзе из Шанхайского музея на востоке Китая, объяснил, что трудно найти доказательства, подтверждающие «незаконное приобретение».

Дуань Юн, директор Центра исследований китайских культурных реликвий за рубежом при Шанхайском университете, заявил, что Китаю следует поэтапно добиваться возвращения бронзовых и других реликвий, уделяя первостепенное внимание приоритетам и проводя рациональные переговоры.

Общества коллекционеров экслибрисов

admin — Mon, 20 Apr 2026 20:49:12 GMT

Экслибрис, также известный как ex-libris [лат. «из книг…»], обычно представляет собой небольшую печатную или декоративную наклейку, вклеенную в книгу, часто на внутренней стороне передней обложки, чтобы указать её владельца.

На экслибрисе обычно указывается имя, девиз, герб или любой другой мотив, связанный с владельцем книги, или заказанный художником или дизайнером. Имя владельца обычно следует за надписью, например, «из книг…» или «из библиотеки…», или на латыни ex libris…. Экслибрисы являются важным доказательством права собственности на редкие книги.

Самые ранние известные примеры печатных экслибрисов относятся к немецкому периоду и датируются XV веком. Экслибрисы создавали Альбрехт Дюрер, Ханс Хольбайн и многие европейские художники. Аналогичным образом, ряд известных австралийских художников создавали персональные экслибрисы для коллекционеров и друзей.

Экслибрисы могут быть ценнее отдельных томов, в которых они встречаются, будь то образцы давно минувшей декоративной моды или личные реликвии известных людей.

Некоторые коллекционеры экслибрисов стремятся приобрести экслибрисы всех видов; другие сосредотачиваются на экслибрисах в определенных областях — например, гербы, изображения кораблей, эротические иллюстрации, шахматные фигуры, юридические символы, научные инструменты, подписанные экслибрисы, пробные экземпляры, датированные экслибрисы, изображения знаменитостей или рисунки определенных художников. Коллекционеры делятся на две основные группы: те, для кого изучение экслибрисов, охватывающих 500 лет, является увлекательным источником исторического, художественного и социокультурного интереса; и те, чьи коллекции позволяют создать миниатюрную, персонализированную коллекцию художественных гравюр. Экслибрисы могут быть заказаны в виде пронумерованных и подписанных изданий, которые никогда не вклеиваются в книги, а служат только для обмена.

Общества коллекционеров экслибрисов были основаны в Англии в 1891 году, а позже в Германии, Франции и США, большинство из которых издавали журналы. В Австралии с 1923 по 1939 год Австралийское общество экслибрисов выпускало журнал, ежегодник и избранные публикации. Перси Невилл Барнетт был одним из первых президентов, и его внимание к деталям очевидно в его опубликованных работах.

В 2006 году было основано Новое австралийское общество коллекционеров экслибрисов, которое выпускает ежеквартальный информационный бюллетень, архивные выпуски которого доступны на веб-сайте Общества: (http://www.bookplatesociety.org.au). Более пятидесяти обществ коллекционеров экслибрисов существуют по всему миру и объединены в Международную федерацию обществ коллекционеров экслибрисов (FISAE), которая организует всемирные конгрессы каждые два года.

Одним из самых известных австралийских дизайнеров экслибрисов был художник Адриан Фейнт. Говард Хинтон заказал ему личный экслибрис, а также экслибрис для книг, переданных в дар Армидейлскому педагогическому колледжу. Фейнт также создавал экслибрисы для ряда известных австралийских художников, включая Тею Проктор.

О китайских экслибрисах здесь.

Статьи об экслибрисах.

Американское общество коллекционеров и дизайнеров экслибрисов

Что такое экслибрис?

Начиная с середины XV века, выдающиеся художники и их покровители уделяли этому виду искусства серьезное внимание. Экслибрис символизирует гордость за владение книгой. Это миниатюрная графическая гравюра, созданная для украшения книг и обеспечивающая удобный, индивидуальный способ идентификации владельца книги. Экслибрис, или ex libris, — это этикетка, обычно прикрепляемая к внутренней стороне передней обложки книги.

Экслибрисы создавались такими художниками и гравёрами, как Альбрехт Дюрер, Томас Бевик, Поль Ревир, Кейт Гринуэй, Обри Бердсли, Максфилд Пэрриш, Марк Шагал, Поль Клее, М. К. Эшер, Роквелл Кент, Леонард Баскин, Барри Мозер и многие другие. Многие из них известны своей работой в качестве книжных иллюстраторов и дизайнеров. Экслибрис всегда должен быть образцом высококачественной полиграфии.

Среди владельцев экслибрисов также немало выдающихся личностей. Мы обнаруживаем, что экслибрис принадлежал королеве Виктории Великобритании, а также Джорджу Вашингтону, Франклину Рузвельту и Шарлю де Голлю. К числу других известных людей относятся: Харпо Маркс, Джеймс Кэгни, Зигмунд Фрейд, Уолт Дисней, Дж. П. Морган, Джек Лондон, и этот список можно продолжать.

О коллекционировании: укрепление дружбы между людьми со всего мира посредством обмена произведениями искусства.

Коллекционирование экслибрисов началось более века назад, и интерес к нему распространился на многие страны мира. Уникальность этого вида искусства заключается в том, что большинство коллекций формируются путем обмена дубликатами. Это происходит, когда коллекционеры заказывают один или несколько экслибрисов по своим собственным эскизам для обмена с другими. Цель состоит в том, чтобы увеличить размер и объем своих собраний. Чаще всего эти коллекции организуются по художнику, теме, технике, стране и/или периоду. Многие энтузиасты накопили огромное количество экслибрисов, некоторые коллекции насчитывают сотни тысяч экземпляров. Благодаря пожертвованиям и обмену общество собрало значительную коллекцию книг и экслибрисов.

Коллекционеры экслибрисов создали международную сеть для приобретения экслибрисов, основав общества более чем в сорока странах. Участие в этих обществах по всему миру способствует укреплению дружеских отношений. Каждые два года в разных странах проводится Международный конгресс по экслибрисам, на который приглашаются члены мировых обществ коллекционеров экслибрисов. Под эгидой FISAE ( Международной федерации обществ коллекционеров экслибрисов ) можно посетить лекции с иллюстрациями, выставки, а также уделить достаточно времени общению и обмену экслибрисами. Это предоставляет художникам и коллекционерам безграничные возможности для знакомства с интересом и энтузиазмом к этому виду искусства во всем мире. Кроме того, каждый год сотни художников и коллекционеров встречаются за рубежом для обмена и заказа экслибрисов.

В Соединенных Штатах Американское общество коллекционеров и дизайнеров экслибрисов (ASBC&D) было основано в 1922 году для содействия изучению и коллекционированию экслибрисов. Сегодня в состав ASBC&D входят более 150 человек и 50 учреждений. Цели ASBC&D, как указано в первом Ежегоднике, заключаются в следующем: «Культивировать дух дружбы и взаимопомощи среди коллекционеров и дизайнеров экслибрисов; и содействовать дальнейшему развитию экслибриса». Это достигается путем публикации Ежегодника , ежеквартального информационного бюллетеня, списков обмена, конкурсов, выставок и иллюстрированных лекций. Общество ведет переписку и обменивается публикациями со многими зарубежными ассоциациями экслибрисов.

Совместно с Университетом Виктории в Веллингтоне, Новая Зеландия, и Фондом Иры Блока в Цинциннати, штат Огайо, мы спонсируем ежегодные международные конкурсы, призванные стимулировать интерес к современным экслибрисам. Конкурсы дают нам возможность издавать иллюстрированные книги, содержащие биографические данные и контактную информацию художников. Мы также организуем очные и онлайн-выставки. За дополнительной информацией обращайтесь по электронной почте.

Посетите наш сайт www.bookplate.org

Коллекционирование экслибрисов в России

Россия имеет богатые традиции коллекционирования экслибрисов (книжных знаков), зародившиеся среди аристократии и интеллигенции, и продолжающиеся сегодня в деятельности Российской ассоциации экслибриса МСК, объединяя художников, искусствоведов и коллекционеров для развития этого искусства. Крупнейшие собрания хранятся в ГПИБ, РГБ и библиотеке РАН, а значительный вклад в исследование внесли такие коллекционеры, как Богомолов Сергей Иванович — известный российский исследователь, автор фундаментальных трудов по российскому книжному знаку 1700–1918 годов..

Экслибрисы русской аристократии — это уникальный пласт графического искусства, отражающий историю книжных собраний России. Экслибристика (коллекционирование книжных знаков) в России активно популяризируется через выставки и библиотечные проекты.

    Места хранения и изучения:
        Государственная публичная историческая библиотека (ГПИБ): Фонды сформированы на основе частных коллекций.
        Российская государственная библиотека (РГБ): Один из центров хранения.
        Музейные коллекции: Например, коллекции экслибрисов хранятся в Ярославском художественном музее и музее-заповеднике В.М. Шукшина.

Экслибрисы русской аристократии

Искусство коллекционирования экслибрисов — относительно молодое увлечение. Интерес к этим графическим миниатюрам, зародившийся в Западной Европе, достиг России лишь к концу XIX столетия. Вскоре появились настоящие энтузиасты, которые не только собирали, но и самостоятельно создавали книжные знаки.

Среди талантливых собирателей особого упоминания заслуживает А.Е. Фелькерзам, создавший более 40 экслибрисов. Нельзя обойти вниманием и У.Г. Иваска (30 книжных знаков) и М. Грюнвальда (16 экслибрисов).

Коллекции экслибрисов представляют несомненную историческую ценность. Эти небольшие графические произведения служат своеобразным зеркалом своей эпохи. Систематизированное собрание книжных знаков, выстроенное в хронологическом порядке, по странам и авторам, наглядно демонстрирует эволюцию графического искусства.

От рукописных надписей к печатным знакам

Каждая страна выработала свой уникальный подход к книжным знакам, отражающий национальные культурные особенности и менталитет. В допетровской Руси принадлежность книги обозначалась рукописной надписью. Типичный пример: «сия книга попа Родиона Сидорова, сына грешного и недостойного».

Существовали и так называемые «вкладные записи». Поскольку книги в те времена были большой редкостью и ценностью, их часто дарили монастырям и церквям. В такой записи указывали имя дарителя и цель подношения. Обычно текст завершался предупреждением о Божьем гнеме для тех, кто осмелится похитить книгу. Таким образом, вкладная запись выполняла охранную функцию и стала прообразом современного экслибриса.

Первый исследователь русского книжного знака В.А. Верещагин отмечал, что вкладная надпись представляет собой уникальную национальную форму, в которой отразились особенности средневековой русской культуры и мировоззрение того времени.

Первые русские экслибрисы

Под влиянием западноевропейской моды в России начали появляться книжные знаки с простейшим декором в виде узорных рамок. Большинство владельцев библиотек XVIII–XIX веков ограничивались простыми ярлыками с текстом «библиотека», «из книг» или «собрание книг» с указанием имени владельца.

Верещагин считал первым русским экслибрисом книжный знак князя Д.М. Голицына — ярлык с надписью «Ex-bibliotheca Arcangelina» (по названию родового имения Архангельское), датируемый 1700-ми годами.

Другой исследователь У.Г. Иваск называл первым экслибрисом знак графа Константина Платера, префекта Лифляндии, впоследствии канцлера Великого Княжества Литовского. Однако можно ли считать русский книжным знаком экслибрис немецкого графа, лишь служившего в России?

К числу первых русских книжных знаков безусловно относится гравированный экслибрис графа Я.В. Брюса — одного из первых книжных собирателей, владельца библиотеки в 1500 томов разнообразной литературы. Именно с экслибриса Брюса начинается история геральдического книжного знака в России.

Эпоха Петра I: геральдика как отражение статуса

Петровское время и первая половина XVIII века стали периодом формирования общественного и личностного самосознания. Даже по такому небольшому предмету, как экслибрис, можно судить о том, насколько серьезно вельможи относились к своему социальному положению.

Книжный знак выполнял роль «двойника» владельца: не показывая лица, он рассказывал о дворянском статусе своего хозяина. Поэтому большинство экслибрисов первой половины XVIII века носили чисто геральдический характер, буквально копируя родовые гербы.

На гравированном книжном знаке Брюса изображен герб, пожалованный ему вместе с графским титулом в 1721 году, а также элемент ордена Андрея Первозванного, которым Брюс был награжден Петром I в 1709 году после Полтавской битвы. Герб украшен девизом «FUIMUS» («Будем»).

Вторая половина XVIII века: свобода композиции

Во второй половине XVIII века появляются примеры отхода от прямого копирования гербов. Все чаще встречаются усеченные варианты геральдических знаков, свободное расположение элементов в композиции. Яркие примеры — экслибрисы А.Д. Ланского и суперэкслибрисы И.И. Шувалова.

В гербе рода Ланских отсутствуют щитодержатели, но в экслибрисе с правой стороны изображен символ дворянского рода — лань. Это животное дважды присутствует и в полях щита. Здесь проявляется как стремление к упрощению мелких геральдических деталей, так и желание украсить книжный знак.

Свободная композиционная трактовка характерна и для экслибрисов И.И. Шувалова. Представляем два суперэкслибриса графа: один вензельный (барочный вензель «Ш» под графской короной), другой — геральдический, помещенный на заднюю крышку переплета. В суперэкслибрисе выделяется гербовая фигура — единорог. Щитодержатели изменены: в гербе это единорог и дракон, а в экслибрисе — грифон с мечом и лев.
Грифон (лев с орлиной головой) в геральдике символизирует могущество льва и зоркость орла, считаясь хранителем сокровищ. В данном случае грифон охраняет книгу, а лев олицетворяет силу, мужество и великодушие.

Классическая геральдика XIX века

Несмотря на появление более свободных интерпретаций герба, в конце XVIII, на протяжении XIX и даже в начале XX века продолжали существовать книжные знаки с изображением родового герба без дополнительных украшений. Таковы экслибрисы генерала от артиллерии А.А. Аракчеева, директора Императорского Эрмитажа графа Д.П. Бутурлина, губернатора Санкт-Петербурга графа Н.В. Левашова.

Герб графов Левашовых представляет собой сложный щит, разделенный на четыре части с малым щитком в центре. В малом щитке — российский государственный орел с вензелем Николая I на груди (император наградил Левашовых графским титулом). Гербовый щит увенчан графской короной, над которой возвышаются три шлема. Щитодержатели: справа леопард, слева лейб-гусар. Внизу лента с девизом: «virtuti et honori» («мужеством и честностью»).

Усеченный вариант герба Воронцовых мы видим в экслибрисе князя С.М. Воронцова. В двойном овале размещен щит, увенчанный российской княжеской шапкой, с девизом внизу: «Semper immota fides» («Вечно непоколебимая верность»). Щит разделен горизонтально на две части. В верхней части — стропило с тремя гранатами и тремя звездами вокруг. Нижняя часть разделена диагональю на два поля; на диагональной линии — две розы и лилия между ними. Между овалами надпись: «Библiотека князя Воронцова. С.Петербургскiй домъ».

Подобные видоизменения родового герба встречаются и в экслибрисе князя С.Д. Шереметева — общественного деятеля, издателя, мецената и библиографа.

Шереметевы принадлежат к так называемым «выезжим» родам. Один из прусских королей перешел на службу к русским князьям, а его потомки служили на Руси боярами и воеводами. На экслибрисе внутри рамки — овал с изображением львов, держащих щит. Корона в щите, а также держава и меч в лапах львов повествуют о происхождении Шереметевых от влиятельного прусского предка. Дубовое деревце над щитом свидетельствует о том, что предки владельцев герба были язычниками, поклонявшимися священному дубу, особо почитаемому в языческой Пруссии. В верхней части щита изображена королевская корона с двумя четырехугольными крестами, которые иногда трактуются как символ принятия пруссами христианства. По овалу размещен девиз: «Deus conservat omnia» («Бог хранит все»).

Особенности русских геральдических знаков

Геральдические знаки в сочетании с орнаментами, цветочными венками, орденскими цепями и аллегорическими атрибутами встречаются в XVIII столетии сравнительно редко. Отличительная черта большинства старых русских книжных знаков этого типа по сравнению с западноевропейскими экслибрисами заключается в том, что герб владельца имеет первостепенное значение, а художественные украшения играют второстепенную роль.

Расцвет книгоиздания и новые формы

Развитие книжного дела, появление частных типографий и просветительская деятельность Екатерины II привели к росту числа читателей и покупателей книг, а следовательно, и к увеличению количества книжных знаков. Среди экслибрисов этого периода часто встречаются вензеля, украшенные цветами или узорами, реже — изображения внутреннего вида библиотек. Исполнителями были преимущественно иностранные художники, а заказчиками — русские вельможи и помещики.

Тем не менее, лучшие русские старинные экслибрисы остаются чисто геральдическими: князя С. Голицына, графа П. Бенкендорфа, Ф. Шуберта, барона Г. Строганова, П. Сухтелена и других.

Суперэкслибрисы: тиснение на переплетах

С появлением книгопечатания книжные знаки начали делать в виде тиснения на переплетах книг, которые называют суперэкслибрисами. Первым суперэкслибрисом в России считается изображение государственной символики на переплете первопечатного «Апостола» Ивана Федорова, принадлежавшего Ивану IV Грозному.
Большинство суперэкслибрисов представляют собой вензеля с коронами, и лишь незначительное количество носит геральдический характер. Одними из старейших частновладельческих суперэкслибрисов можно назвать книжный знак графа П.Б. Шереметева и уже упомянутый суперэкслибрис И.И. Шувалова.
Суперэкслибрисы не получили широкого распространения в России из-за высокой стоимости, а с появлением бумажных книжных знаков практически исчезли.

XIX–XX века: новые тенденции

В XIX–XX веках российские книжные знаки развивались в том же направлении, что и в Западной Европе.
А.Е. Фелькерзам создал целый ряд интересных экслибрисов. Часть из них носит геральдический характер, в других автор использует стилизованную передачу герба и дополнительные украшения. Фелькерзаму принадлежат рисунки книжных знаков Николая II и наследника цесаревича Алексея, выполненных в геральдическом стиле. В том же направлении работали Г.И. Нарбут и Г.К. Лукомский.

Общества коллекционеров и выставки

На рубеже веков интерес к экслибрису продолжал расти, и в 1905 году в Москве появилось первое Общество любителей книжных знаков, просуществовавшее два года. После его закрытия возникли сразу два общества: «Московское общество любителей книжных знаков» и «Русское общество друзей книги». Они объединяли коллекционеров, организовывали обмен экслибрисами, издавали специальную литературу, проводили аукционы и выставки.

Впервые русский книжный знак был более или менее полно представлен на выставке «Искусство в книге и плакате», устроенной в 1912 году Всероссийским Съездом художников.

К 1919 году существовало два общественных собрания книжных знаков: одно в Петрограде в Академии Художеств (2500 экслибрисов, преимущественно иностранных), пожертвованных бароном А.Е. Фелькерзамом; другое, переданное У.Г. Иваском, — в Москве, в Археологическом Институте.

В 1918 году на книжном аукционе, устроенном «Обществом Друзей Книги», была впервые зафиксирована продажа экслибриса как коллекционного предмета. В 1919 году в Институте Художественно-Научной Экспертизы в Петрограде состоялась первая специализированная выставка русских книжных знаков, представленная главным образом экспонатами из крупнейшего собрания Эрнеста Петровича Юргенсона и других петроградских коллекционеров.

Статья подготовлена на основе материала ru_ex_libris

Китай запускает свою первую Национальную неделю чтения

admin — Mon, 20 Apr 2026 19:59:01 GMT

Книги — это врата в новые миры, соединяющие поколения и культуры каждой страницей. Каждый год 23 апреля мы отмечаем Всемирный день книги, чтобы почтить силу книг как моста между поколениями и культурами.

В этом году Китай запускает свою первую Национальную неделю чтения с 20 по 26 апреля — недельную кампанию по поощрению чтения по всей стране. В течение предстоящей недели по всей стране пройдут мероприятия, посвященные чтению. От лекций и книжных ярмарок до книжных салонов и благотворительных акций по сбору книг — все это направлено на популяризацию чтения среди населения.

Как страна с более чем пятитысячелетней непрерывной цивилизацией, Китай издавна ценил чтение и обучение. Сегодня китайское правительство возвело чтение в ранг национальной стратегии.

«Только через чтение можно обрести независимое, глубокое мышление. Только мысли, укоренившиеся в вашем сознании благодаря чтению, по-настоящему принадлежат вам».
— Чэнь Маньци, исследователь Китайской академии общественных наук

Цзинь Юаньпу, профессор Школы гуманитарных наук Китайского народного университета в Пекине, считает, что генеративный ИИ становится помощником читателей в таких задачах, как поиск справочной информации, постановка важных вопросов и расширение понимания.

«Но он не может думать за нас, — сказал он. — Он не может заменить базовое обучение детей, не может заменить инновационные исследования в различных областях или кропотливую работу человеческих академических ученых».

«Глубокое мышление ИИ — это мышление ИИ, а не ваше».

В честь этого события портал china.org исследует «диалог» между традиционными китайскими печатями коллекционеров книг и искусством экслибрисов. В то время как алая печать долгое время служила классическим знаком признания ученых в Китае, экслибрис теперь появился наряду с ней, превратившись в уникальное сочетание современного дизайна и традиционной эстетики.

Печати книжных коллекционеров и экслибрисы

Китайские печати книжных коллекционеров — это красные штампы, встречающиеся в старых книгах, которые часто сравнивают с европейскими экслибрисами. Они служат не только знаками собственности, но и развились в форму искусства, которая позволяет коллекционерам выразить свою индивидуальность.

Европейские экслибрисы появились около 1470 года и связаны с печатными книгами, тогда как китайские печати книжных коллекционеров восходят по крайней мере к VI веку и встречаются на книгах и других коллекционных предметах, особенно на картинах и произведениях каллиграфии. Самый ранний известный в мире экслибрис с мотивом ежа. Он был создан в Германии около 1470-1480 годов.

Отличительной особенностью китайской практики является то, что коллекционеры обычно добавляли оттиск своей собственной печати наряду с печатями предыдущих владельцев, что иногда приводило к большому количеству оттисков в одной книге.
Эти многослойные оттиски помогают идентифицировать последовательных владельцев книги и служат ценным доказательством для аутентификации и реконструкции коллекций, не оставивших каталогов.

Самая ранняя известная печать коллекционера в Китае была проставлена на буддийской рукописи из Дуньхуана более 1400 лет назад.
В период династий Сун и Юань (960-1368) печати коллекционеров перешли от императоров к учёным, став личным знаком книголюбов.
В период династии Мин (1368-1644) учёные начали вырезать свои собственные печати, превратив штампование в форму искусства.
В период династии Цин (1644-1911) печати стали неотъемлемой частью книжного коллекционирования.
С XX века по сегодняшний день печати коллекционеров продолжают существовать наряду с экслибрисами, передавая любовь к книгам из поколения в поколение.

На протяжении более ста лет эволюция экслибрисов в Китае была путём освоения и переосмысления чужезерной формы искусства. Хотя стили менялись, эта практика остаётся укоренённой в глубоком почтении к литературе и радости чтения. Это наследие сейчас возрождается новыми поколениями художников и коллекционеров.

Когда экслибрисы появились в начале 1900-х годов, китайские писатели и художники были первыми, кто стал их пропагандировать, создавать и коллекционировать.

На самых ранних этапах большинство китайских экслибрисов использовали традиционную технику ксилографии (гравюры на дереве). Художники вырезали непосредственно на деревянных досках, создавая смелые, высококонтрастные изображения, создавая эстетическую связь с богатой традицией китайской ксилографии.

В 1980-е годы широко распространилась страсть к книгам, и была основана первая в Китае академическая организация по экслибрисам, что объединило поколения художников, вызвав беспрецедентный всплеск творческой активности.

В середине 1990-х годов, с улучшением условий производства и ростом международного обмена, техники и стили стали более разнообразными.

С 1980-х годов художники перешли к гравюре на меди и трафаретной печати, что позволило создавать более тонкие детали и использовать более разнообразную цветовую палитру. Эти техники значительно расширили выразительный диапазон китайских экслибрисов за пределы традиционной гравюры на дереве.

В последнее десятилетие художники всё чаще интегрируют цифровой дизайн с современными художественными концепциями. Молодые создатели используют малый формат экслибрисов как изысканное средство для личного самовыражения.

С течением времени эти технические достижения подняли китайские экслибрисы от функциональных этикеток до уважаемой формы искусства. Сегодня они ценятся за превосходное мастерство, высокий уровень креативности и концептуальную глубину.

с 17.03 по 21.03 наш сайт подвергся спамерской атаке с целью блокировки

admin — Wed, 15 Apr 2026 13:45:58 GMT

За эти дни ботами было размещено на форуме более 4 000 сообщений со ссылками на даркнет.

Затем сразу же неизвестными, пока, лицами были отправлены письма в РКН, что наш сайт рекламирует запрещенную иформацию.

Это была кем-то спланированная акция, направленная на блокировку нашего сайта.

МВД вместо того, чтобы разобраться: ху есть ху, через РКН сайт заблокировали.

Те, кто причастен к данному событию, не расстраивайтесь, Прокуратура выясняет ваши явки и пароли. Всему своё время и каждый получит дОлжное.

Сейчас форум на карантине.

Но он обязательно начнет снова работать.

Единственное неудобство для пользователей:

будет предварительная модерация всех сообщений.

Всем доброго здравия и бодрости Духа.

Ваш админ.

Об исскусстве с коллекционером Валерием Дудаковым

admin — Wed, 25 Feb 2026 17:29:34 GMT

Валерий Дудаков — имя, хорошо известное в мире русского искусства. В прошлом году коллекционер заявил о передаче части своего собрания Нижегородскому государственному художественному музею, что вызвало бурную реакцию: родственники оспорили его решение, пытаясь через суд признать Дудакова недееспособным.

Коллекционер успешно отстоял своё право распоряжаться коллекцией, и теперь, когда правовые баталии остались позади, он согласился поделиться воспоминаниями о советском арт-рынке, судьбах частных собраний и закулисных историях культурной дипломатии эпохи перестройки.

История коллекционирования Валерия Дудакова началась в 1960-х годах — в неожиданном месте: в пионерском лагере. Именно там он познакомился с Франциско Инфанте, будущим классиком ленд-арта, который стал его вожатым. Через Инфанте Дудаков попал в круг московских нонконформистов и подружился с Владимиром Немухиным, а затем — с другими участниками Лианозовской группы.

«Я учился на художника-графика, жил отдельно на Ярославском шоссе, и художники, искавшие любые площадки для показа работ, стали приносить мне картины "на повисение"», — вспоминает коллекционер.

Когда Дудаков начал работать оформителем в научно-технических издательствах и получил финансовую возможность, он перешёл от хранения чужих работ к покупке. В конце 1970-х, перед эмиграцией, Виталий Комар и Александр Меламид продавали свои произведения буквально за бесценок — по пять рублей. Дудаков приобрёл у них около десятка работ. Одна из них — «Встреча Солженицына и Белля на даче у Ростроповича» (1972) — в 2010 году ушла с молотка Phillips за миллион долларов.

Поначалу коллекционер фокусировался на творчестве «шестидесятников», покупая работы по принципу «сколько просят, столько и даю». Работая главным художником фирмы «Мелодия», он имел стабильный доход и часто поддерживал художников андерграунда, угощая их в кафе «Сардинка» на Лубянке.

Миф о «национализированном искусстве» и тайный мир советских коллекционеров
Дудаков решительно опровергает распространённое мнение, будто после революции всё значимое искусство оказалось в музеях.

«Коллекционирование не исчезло: собирали и в голодные 1920-е, и в 1930-е, когда существовало Всесоюзное общество коллекционеров. А в 1954 году в ЦДРИ прошла первая выставка частных собраний — это была фактическая легализация коллекционеров».

В конце 1960-х при Московском союзе художников появился первый клуб коллекционеров, основанный Владимиром Костиным. Центрами притяжения собирателей искусства были ЦДРИ, Центральный дом литераторов, ресторан «Прага». Исследователи, такие как Николай Харджиев и Лидия Чага, организовывали выставки в музее Маяковского.

После распродажи шедевров из Эрмитажа на Запад в 1920-х, новый массовый вывоз культурных ценностей начался лишь в 1990-е. Советская таможня тогда контролировала в основном драгметаллы и камни, а картины часто проходили незамеченными. Благодаря этому на внутреннем рынке до конца советской эпохи сохранялся огромный пласт первоклассного искусства в частных руках.

Однако коллекционирование в СССР было делом рискованным: любая перепродажа квалифицировалась как спекуляция. Поэтому сделки совершались в узком кругу, по доверию и «честному слову». Попасть в этот закрытый клуб можно было только по рекомендации. Дудакова ввели в него Яков Рубинштейн и Юрий Торсуев — легендарный арт-дилер, знавший всех ключевых игроков рынка.

«Настоящим "своим" я стал после того, как в 1976 году купил великолепного Судейкина за 14 тысяч рублей — сумму, за которую тогда можно было приобрести хорошую дачу. На следующий день мне начали звонить и предлагать работы», — делится коллекционер.

Где покупали искусство в СССР?

Современных художников можно было найти в художественных салонах. В одном из них, на улице Горького, Дудаков в начале 1970-х приобрёл работу Юрия Купермана.

Антиквариат и старое искусство продавались в комиссионных магазинах. На Арбате существовал знаменитый комиссионный магазин, где можно было встретить подлинники Серова и Бакста. Позже его закрыли, а руководство привлекли к ответственности.

Система резерва: чтобы «застолбить» понравившуюся вещь, достаточно было дать 25 рублей продавцу. Дудаков вспоминает, как увидел на полу гигантскую вазу Врубеля за 90 рублей, бросился в кассу — но оказалось, что предмет уже продан.

Коллекционер признаётся: большинство упущенных шедевров сегодня находятся в музеях.

«Я не взял огромную картину Бориса Григорьева "Цветы" у наследников хирурга Мясникова. Моя тогдашняя жена увидела в композиции намёк на эротику и категорически запротестовала — "у нас дети". В итоге работу продали Третьяковской галерее», — рассказывает он.

Также он упустил роскошную работу Сапунова: Юрий Торсуев убедил его, что это подделка. Сейчас эта картина тоже в Третьяковке.

Передав часть собрания Нижегородскому музею, Дудаков осознаёт: любая коллекция в первоначальном виде рано или поздно исчезнет — либо влившись в фонды крупного музея, либо будучи распроданной.

«Но в музее она, даже в запасниках, останется доступной для изучения. Честно говоря, мне не столько своей коллекции жалко, сколько собрания Виктора Федотова — в России я не знаю более выверенных и изысканных коллекций», — говорит коллекционер.

По мнению Дудакова, современные российские коллекционеры принципиально отличаются от советских.

Советские собиратели не рассматривали искусство как инвестицию. Они жили искусством, видели в нём территорию свободы и форму несогласия с системой.

Новые коллекционеры — чаще всего представители крупного бизнеса, действующие с привлечением западных консультантов из Sotheby's и Christie's (Джо Викери, Алекс Тизенгаузен, сэр Марк Палтимор).

Примеры:

Вагит Алекперов («Лукойл») — эксперт по монетам.
Виктор Федотов — собрал в Сколково выдающуюся коллекцию икон и мировой классики (Репин, Ге, Поленов, импрессионисты, включая любимого Дудаковым Моне). Дудаков лично помогал ему в приобретениях, однажды ввезя двухметрового Шишкина, оформив его как копию для оптимизации налогов.
Александр Таранцев («Русское золото») — собирал Айвазовского, Шишкина, а также Пикассо и Матисса.
Александр Смузиков — владеет одной из крупнейших коллекций русского авангарда, включая «Крестьянина» Малевича, полученного от дочери художника.

О подделках

Дудаков не скрывает: с фальшивками сталкивался каждый коллекционер. У него было 4–5 подделок, которые он благополучно сдал в комиссионку за символические суммы. Позже их, по его словам, скупила супруга одного из африканских диктаторов.

Серегей Загорский виртуозно подделывал Коровина. Торсуев иногда подкалывал Дудакова в Третьяковке, указывая на «очередного Загорского».

Русский авангард начали массово фальсифицировать в конце 1960-х — начале 1970-х, когда художников стали активно выставлять. Искусствовед Василий Ракитин, по словам Дудакова, поставил производство подделок на поток: заказывал работы художникам, старил их реставраторы, а затем через дилеров сбывал коллекционерам — преимущественно на Запад, за валюту.

Ситуация изменилась в конце 1990-х с появлением химико-технологического анализа, позволяющего точно датировать материалы.

«Сами художники тоже делали копии. Саврасов написал около 40 версий "Грачей прилетели". К концу жизни он спился, торговал авторскими повторами на Сухаревском рынке, умер в больнице для бедных на Хитровке. Талант был колоссальный», — с грустью отмечает коллекционер.

«Откуда взялся "Чёрный квадрат", который в 2002 году купил Владимир Потанин для Эрмитажа — большой вопрос. Первые две авторские версии хранятся в Третьяковке с 1930-х», — отмечает Дудаков с намёком на загадочность происхождения некоторых знаковых работ.

Почему падают цены на русское искусство?

Дудаков убеждён: снижение цен связано не с общим спадом рынка, а с сокращением числа спекулянтов.

«Раньше основными покупателями были не коллекционеры, а перекупщики, рассчитывавшие на прибыль в 300%. Для нас, собирателей, адекватность рынка — это хорошо. Но, с другой стороны, русское искусство должно расти в цене, а не падать», — аргументирует он.

В качестве примера приводит работу Дмитрия Краснопевцева «Натюрморт с тремя кувшинами», которую в мае 2006 года Алекс Лахман купил для Петра Авена на Sotheby's за $1 млн. Сегодня, по словам Дудакова, за неё не выручить и $200 тыс.

Клуб коллекционеров и «фактор Горбачёвой»

В 1980-х Дудаков вместе с Дмитрием Сарабьяновым и коллегами разрабатывал концепцию музея современного искусства. После трёх лет безуспешных попыток пробить идею через Министерство культуры, Немухин посоветовал обратиться в Советский фонд культуры, который возглавлял Дмитрий Лихачёв, а фактически курировала Раиса Горбачёва.

«Мне дали чёрную "Волгу" с номером "00", удостоверение и разрешение действовать от имени Раисы Максимовны. Уже в мае 1987 года появился клуб коллекционеров при Фонде культуры — более сотни членов, каждый из которых, если конвертировать их собрания, был долларовым миллионером», — вспоминает Дудаков.

Клуб позволил коллекционерам легализоваться и организовывать масштабные выставки в СССР и за рубежом. Выставки приносили фонду доход в твёрдой валюте. Одним из спонсоров стала компания De Beers, перечислившая $8,5 млн — якобы в обмен на 15% концессии на якутские алмазы.

«Горбачёв ни в чём не отказывал Раисе Максимовне. Она была непреклонной, властной, спорить с ней было бесполезно», — отмечает коллекционер.

Благодаря Горбачёвой, несмотря на сопротивление директора Пушкинского музея Ирины Антоновой, за три дня был решён вопрос о создании Музея личных коллекций. Однако после ухода Горбачёва с политической арены Запад потерял интерес к фонду, и он постепенно утратил влияние.

Фото: @Art_vstrecha
Материал подготовлен на основе интервью Валерия Дудакова журналу «Москвич Mag»

Уникальная экспозиция чугунного литья в Елабуге

admin — Wed, 25 Feb 2026 16:58:46 GMT

В Галерее редких коллекций Елабужского музея-заповедника открылась необычная выставка под названием «Твердость искусства. Чугун и другие металлы». Экспозиция объединила 124 произведения художественного литья из частной коллекции Михаила Сачёва — известного коллекционера из Екатеринбурга.

Путь к профессиональному коллекционированию у Михаила Владимировича начался ещё в школьные годы: сначала он собирал марки и этикетки от спичечных коробков, а позже переключился на более серьёзные артефакты. Сегодня в его собрании — около трёх тысяч предметов, среди которых особое место занимают изделия каслинских и кусинских мастеров, ставшие своеобразной визитной карточкой Урала.

«Я более двадцати лет живу на Урале, и для меня этот край неразрывно связан с металлом и горным делом. Но Татарстан, Казань и Елабуга тоже занимают важное место в моей биографии: я окончил Казанский авиационный институт, здесь много друзей и единомышленников», — делится коллекционер.

Идея привезти часть коллекции в Елабугу возникла у Сачёва после посещения Спасской ярмарки. Впечатлившись местными мастерами и музейным пространством, он задумался о совместном проекте. Реализация замысла началась в декабре прошлого года, и вот уже в феврале елабужские зрители могут увидеть уникальные образцы русского и европейского литья.

Михаил Владимирович считает свою миссию просветительской: он убеждён, что искусство уральского литья должно быть доступно широкой публике, а не оставаться в стенах частных интерьеров.

Одна из самых трогательных деталей истории — личное отношение автора коллекции к её главному мотиву. Михаил Сачёв признаётся: с детства он испытывает страх перед лошадьми — после нескольких неудачных попыток сесть верхом. Однако это не мешает ему искренне восхищаться грацией и силой этих животных.

«Лошадь — часть культурного кода России, символ, понятный всем народам нашей страны. Я вырос в омской деревне, рядом с этими прекрасными созданиями. Да, верхом я больше не езжу, но любить и коллекционировать их образы — это моё», — говорит он.

Экспозиция не ограничивается изображениями скакунов. В ней представлены:

всадники и возницы в исторических костюмах;
скульптуры полководцев — Кутузова и Багратиона, Чапаева и Ворошилова;
сцены из крестьянского и городского быта;
работы легендарных скульпторов, включая Евгения Вучетича, автора монумента «Родина-мать зовёт!».

Каждая статуэтка — не просто декоративный предмет, а отражение эпохи, мастерства литейщиков и художественных традиций России XVIII–XX веков.

Выставка «Твердость искусства. Чугун и другие металлы» доступна для посещения в Галерее редких коллекций Елабужского государственного музея-заповедника. Экспозиция станет отличным поводом для культурного визита в один из старейших городов Татарстана.

Дополнительные факты о коллекции Михаила Сачёва

Сачёв Михаил Владимирович, профессиональная деятельность: антикризисный управляющий, управляющий партнер «Дома Для Коллекционеров» в Екатеринбурге. Убеждён, что искусство не должно пылиться в частных интерьерах, оно должно «работать» с обществом. Считает коллекционирование концептуальным исследованием, а не просто хобби.

Понимает коллекционеров, передающих свои собрания в музеи, так как в коллекцию вкладывается столько душевных сил. Коллекционирование формирует системность, скрупулёзность, детальный подход — качества, помогающие в профессиональной деятельности.

Направления коллекционирования

1. Литьё охватывает произведения Каслинского и Кусинского заводов
Тематика: дети, лошади, балерины, полководцы (Кутузов, Багратион, Чапаев, Ворошилов)

2. Филателия
Коллекция включает миллион почтовых марок

Три основные «закрытые» коллекции:

Марки Российской империи
Марки Третьего рейха
Марки Тувинской Народной Республики (1926-1943 гг.)

3. Нумизматика
Коллекционирует монеты более 15 лет. В коллекции несколько тысяч монет и банкнот практически всех государств мира. Старейшие монеты относятся ко временам Римской империи

4. «Медвежья комната»
Началась с олимпийских мишек. Сейчас насчитывает более 2 000 экземпляров. Коллекция стала настолько большой, что потребовалась отдельная комната

5. Книги серии ЖЗЛ:
Собирает много лет. Есть книга 1880 года, открывшая серию ЖЗЛ в России

6. Другие направления:

Предметы старины
Фарфоровые изделия
Оловянные солдатики
Масштабные модели автомобилей и самолётов
Филумения (спичечные этикетки) — начинал с этого в школе

«Дом Для Коллекционеров» реализовал давнюю мечту о комфортном пространстве для коллекционеров. Открыт в 2014 году в Екатеринбурге на ул. Вайнера, 13
Предоставляет услуги оценщика, реставратора, оформителя, организатора презентаций и аукционов.

Алессандро Пертини был коллекционером искусства

admin — Wed, 25 Feb 2026 16:41:18 GMT

Алессандро Пертини, бывший Президент Италии (1978 – 1985 г.г.), был ценителем искусства, коллекционировал картины и скульптуры, часть которых сейчас выставлена в M9, Венеция, до 31 августа. Выставка рассказывает о личности и его роли в сохранении современного итальянского искусства. Еще одно лицо президента, завоевавшего сердца итальянцев своими ценностями и способом их передачи: чистое, ясное, полное восторга.

Свою коллекцию хранил их на чердаке и добивался, что её купила Палата депутатов: для Сандро Пертини произведения искусства были лучшей историей страны, даря людям красоту и мощно передавая объединяющее послание нации.

На выставке представлены двадцать восемь картин и скульптур, предоставленных Городскими музеями Савоны, которым коллекция была передана в дар вдовой Пертини, Карлой Вольтолиной. Экспозиция отражает тонкий вкус художника и темы, дорогие главе государства: от Сопротивления до труда, от мира до свободы и любви к своей земле. Страсть и вкус, которые можно обнаружить и в переписке с художниками, с которыми он часто поддерживал дружеские отношения, и в личных заметках, которые Пертини любил делать.

Президент собирал картины современных художников, которые показывали работу и быт обычных итальянцев: рабочий, изображенный Джузеппе Зигайной, рядом с велосипедом, рыбаки Ренато Гуттузо обращены к сицилийскому морю, рабочие, изображенные Тоно Занканаро в Комаккьо, гордая и стройная, бронзовая «Мондина» Агеноре Фаббри. «Волшебник» Эмилио Ведовы поражает буйством красок и шипов, портрет Анатоля Франса (лауреата Нобелевской премии по литературе 1921 года, одного из фаворитов президента), набросанное Филиппо Де Пизисом.

«Это действительно собрание истории искусства Италии XX века: здесь есть все, или почти все. Он ничего не боялся, он перешел от классического фигуративного искусства к абстракционизму, от традиции к новому, потому что нация обретает смысл, если знает культуру своего времени», — отмечает Серена Бертолуччи, директор Музея XIX века.

Выставка коллекцией картин и скульптур (есть также «Голова ребенка» Франческо Мессины и «Lo stendardo restenziale» Альберто Гинзани) исследует личность и воинствующего Пертини, борца за свободу и антифашиста, поплатившегося за свою борьбу тюремным заключением и изгнанием. Книга посвящена его глубоко социалистическим взглядам, его прибытию в Республику и восхождению на высший государственный пост. Это дань уважения, приуроченная к 130-летию со дня его рождения, и цель – познакомить новые поколения с выдающейся личностью, которая навсегда осталась в общественной памяти страны.

Среди партийных плакатов, предвыборных плакатов, первых страниц газет, более сотни фотографий (включая те, на которых он изображен за работой на самых скромных должностях в изгнании) представлены удостоверение личности Центрального политического управления (Casellario Politico Centrale) Министерства внутренних дел, чемодан, в котором он бежал во Францию вместе с Турати, пальто и миски из его лигурийского дома, урна для голосования на выборах в Квиринал и многое другое.

Рассел Кроу коллекционирует часы

admin — Tue, 24 Feb 2026 15:25:46 GMT

Рассела Кроу, актер и музыкант, на своей странице в TikTok рассказывает о своей давней страсти к часам.

Кроу дебютировал в TikTok прошлым летом для продвижения своей группы Indoor Garden Party, «igp366». Однако с января этого года новозеландский актер развлекает 48 000 подписчиков, делясь своей менее известной страстью к часовому делу.

«Я не собираюсь показывать вам всю свою коллекцию. Это заняло бы много времени, потому что я уже много лет одержим часами. Я покажу вам те, которые ношу сейчас, летом в южном полушарии», — говорит он в видео, опубликованном 29 января из своего дома в Австралии.

Обладатель премии «Оскар» за фильм «Гладиатор» начинает с Omega Seamaster Diver 300M, модели 2022 года, созданной в честь 60-летия фильмов о Джеймсе Бонде.

Среди других его любимых моделей — Tudor Black Bay Chrono «Flamingo Blue», Jaeger-LeCoultre Reverso, которые он предпочитает для вечерних выходов, «Rallymaster» — версия Wimbledon от Мориса де Мориака, и Rolex Cosmograph Daytona с бирюзовым циферблатом. По его словам, именно последняя модель привлекла особое внимание во время теннисного турнира Уимблдон, где он появился со своей предполагаемой невестой Бритни Терио.

«В этом бирюзовом цвете есть что-то такое, что меня действительно впечатляет. И когда ты носишь часы с костюмом, и они выглядывают из-под рукава, они всегда привлекают внимание», — говорит 61-летний актер.

В видео от 23 февраля Кроу участвует в популярном формате «распаковки», представляя модель от итальянского бренда Giuliano Mazzuoli, часы которого он коллекционирует.

В 2021 году он заказал персонализированную серию от того же бренда и подарил часы части съемочной группы «Гладиатора», включая режиссера Ридли Скотта, в честь 21-й годовщины премьеры фильма. Хоакин Феникс получил специальную веганскую версию с металлическим ремешком вместо кожаного. Всего к этому случаю было изготовлено 35 штук часов — столько же, сколько лет было Кроу во время съемок.

Великолепие русского костюма в Царицыно

admin — Tue, 24 Feb 2026 14:36:15 GMT

10 февраля в музее-заповеднике «Царицыно» открывается масштабная выставка, посвящённая одной из самых значительных в мире коллекций народного костюма и рукоделия — «Собранию русской старины» Натальи Шабельской. Экспозиция объединяет более 450 экспонатов из девятнадцати музеев и нескольких частных собраний.

Наталья Шабельская, собирательница национальной памяти

«Собрание русской старины» — это несколько тысяч образцов праздничной народной одежды, головных уборов, украшений, вышивки, ткачества, набойки и золотного кружева, собранных Натальей Леонидовной Шабельской (1841–1904) в конце XIX века.

В ту эпоху «русской стариной» называли предметы быта и одежды допетровского времени, чьи традиционные черты к началу XX века сохранились преимущественно в крестьянской культуре. Для просвещённого общества рубежа веков эти артефакты стали зримым воплощением национальной самобытности и народных представлений о красоте.

«Наряды замужних женщин главным образом отличаются от нарядов девушек головными уборами; венец с выходом торопчанки замуж заменяется кокошником; верх и затылок его из золотой парчи, передняя часть высажена жемчугом и шишками, числом до тридцати и более... Подобные шапки у некоторых торопчанок стоили в старинные годы от двух до 7000 рублей серебром».
Из книги М.И. Семевского «Торопец. Уездный город Псковской губернии. 1016–1864 гг.» (1864)

Пространство выставки: десять залов истории и красоты

Экспозиция развёрнута в Хлебном доме музея-заповедника «Царицыно» и занимает десять тематических залов. Каждый из них раскрывает отдельный аспект русской традиционной культуры:

    Разнообразие головных уборов и украшений — от торопецких кокошников с жемчужными рясам до нижегородских рефиль с накладным очельем.
    Материалы и техники народного рукоделия — вышивка, ткачество, кружевоплетение, набойка.
    Обрядовая функция предметов — роль костюма и аксессуаров в свадебных и крестильных ритуалах.
    Региональные особенности праздничного наряда — сравнение традиций разных губерний России.

В зале «Красота по-русски» при поддержке портала «Культура.РФ» посетители могут послушать записи фольклорного ансамбля «Толока», участники которого много лет изучают музыкальные традиции в экспедициях по деревням.

Зал «Поэтика народного костюма: живопись и театр» погружает в атмосферу отечественной культуры XIX столетия: здесь представлены полотна русских художников, театральные эскизы и костюмы, демонстрирующие, как народный образ вдохновлял мастеров кисти и сцены.

А в зале «Поехали на ярмарку!» гости могут вообразить себя любителями русской старины XIX века, путешествующими по городам в поисках редких головных уборов.

В одном из финальных залов демонстрируются фрагменты фильма Рустама Хамдамова «Мешок без дна». В центре внимания — арт-объект со съёмочной площадки: головной убор Царевны, созданный художником по костюмам Дмитрием Андреевым по мотивам старинного свадебного венца.

Завершает экспозицию зал «Новая русская старина», где представлены работы современных российских художников: текстиль, украшения из жемчуга и бисера, фарфор, авторские куклы и даже инсталляции из вологодского кружева и металла. Каждый автор по-своему переосмысляет традиции, превращая старинные образы в актуальное художественное высказывание.

Кураторы и партнёры

Выставку подготовили два ведущих специалиста:

Ольга Соснина — кандидат искусствоведения, заведующая сектором исследования декоративно-прикладного искусства музея-заповедника «Царицыно»;
Елена Мадлевская — кандидат филологических наук, хранитель фонда текстиля, ведущий научный сотрудник отдела этнографии русского народа Российского этнографического музея.

Генеральный партнёр выставки — Российский этнографический музей (РЭМ), куда в 1906 году поступила значительная часть собрания Шабельской в дар от В.П. и Н.П. Шабельских.
Участники проекта: Государственный Русский музей, Государственный Эрмитаж, Третьяковская галерея, Государственный исторический музей, Музей МХАТ, Театральный музей им. А.А. Бахрушина, музеи-заповедники «Абрамцево», «Поленово», Ярославский, Новгородский, Рязанский и Серпуховский музеи, а также ряд региональных галерей и архивов.

Частные коллекционеры, предоставившие экспонаты: Нина и Вадим Гинзбурги, Галина Цветкова, Нелли Петрова, Дмитрий Андреев.

Место выставки: Музей-заповедник «Царицыно», Хлебный дом. Москва, ул. Дольская, д. 1, стр. 4
Даты: 10 февраля — 7 июня 2026 года
Билеты: доступны на официальном сайте музея-заповедника «Царицыно»

ГМЗ «Царицыно», Sammlung.ru

О Наталье Шабельской

Наталья Леонидовна Шабельская (урождённая Кронеберг, 1841 — 7 января 1904, Ницца) — выдающийся коллекционер русского народного костюма и декоративно-прикладного искусства, основательница частного «Музея старины» в Москве. Наталья родилась в Таганроге в семье обрусевших немецких дворян Кронебергов. Отец, Леонид Александрович Кронеберг, занимался лингвистикой, хорошо знал музыку и рисовал; мать, Авдотья Михайловна Куколевская, происходила из помещичьего рода Воронежской губернии. После домашнего обучения Наталья окончила Харьковский женский институт (1854) и в 17 лет вышла замуж за крупного землевладельца Харьковской губернии Петра Николаевича Шабельского.

Переломным моментом стало посещение Нижегородской ярмарки в начале 1880-х годов, где Наталья Леонидовна была поражена красотой образцов русской вышивки.

Позже она писала издателю М.И. Семевскому:

«Конечная цель моя – все это систематизировать, и впоследствии выпустить в свет более или менее подробное издание русского народного орнамента»

Важную роль в формировании методологии собирательства оказал Владимир Васильевич Стасов — историк искусства, чей труд «Русский народный орнамент» (1882) помог Шабельской систематизировать знания и выстроить научный подход к коллекции.

В начале 1890-х годов в московском особняке Шабельских (угол Садовой и Бронной улиц) открылся частный «Музей старины» — одно из крупнейших и ценнейших собраний народного искусства в России, стоящее в одном ряду с коллекциями К.Д. Долматова, П.И. Щукина и М.К. Тенишевой.

Шабельская стала первым крупным коллекционером, который систематически фиксировал происхождение вещей по губерниям, а иногда и по уездам. Это превратило её собрание в ценнейший источник для исследования региональных традиций русского костюма и декоративно-прикладного искусства.

Коллекция Шабельской экспонировалась на многочисленных выставках в России и за рубежом. К моменту смерти собирательницы коллекция насчитывала более 20 000 предметов. После кончины Натальи Леонидовны в Ницце (1904) встал вопрос о сохранении собрания. Дочери предложили петербургскому Этнографическому отделу Русского музея приобрести коллекцию при условии создания зала имени матери. Но что-то пошло не так...

После смерти Натальи Леонидовны её дело продолжили дочери. Варвара Петровна Шабельская (1861–1943), в замужестве княгиня Сидамон-Эристова — реставратор, работала в Центральных государственных реставрационных мастерских под руководством И.Э. Грабаря. Наталья Петровна Шабельская (1864–1943) — художник, специалист по декоративной вышивке, также работала в реставрационных мастерских. В 1920-е годы сёстры эмигрировали во Францию, где в Ницце организовали мастерскую по отделке платьев в древнерусском стиле для модного дома Поля Пуаре.

Где хранится коллекция сегодня

Россия

    Российский этнографический музей (Санкт-Петербург) — около 2 250–2 800 предметов (основная часть)
    Государственный Эрмитаж
    Государственный Русский музей
    Государственный Исторический музей
    Всероссийский музей декоративно-прикладного и народного искусства (Москва)
    Ярославский историко-художественный музей-заповедник
    Рязанский историко-архитектурный музей-заповедник
    Музей художественных тканей МГТУ им. А.Н. Косыгина

США

    Метрополитен-музей (Нью-Йорк)
    Музей изобразительных искусств (Бостон)
    Кливлендский художественный музей
    Бруклинский музей

Частные собрания

Коллекционеры Парижа и США

Коллекция Шабельской позволяет исследовать три основных комплекса женской одежды русских: с сарафаном, понёвой и полосатой юбкой, а также региональные особенности 23 губерний России. Собрание фиксирует старинные техники вышивки, ткачества, кружевоплетения, золотного шитья, резьбы по дереву и кости, многие из которых сегодня утрачены или находятся на грани исчезновения. Систематическая фиксация происхождения предметов по географическому признаку заложила основы научной атрибуции в области народного костюма.

«После нескольких немногих лет занятий она сделалась одним из величайших и капитальнейших знатоков этой характерной отрасли древнего русского творчества, а дом её в Москве сделался настоящим музеем, необыкновенно богатым и разнообразным».
— В.В. Стасов, 1904

Ключевые публикации

    Шабельская Н.Л. Собрание предметов русской старины. М., 1891.
    Сидамон-Эристова В.П., Шабельская Н.П. Собрание русской старины. Вып. 1. М., 1910.
    Grousman V., Solovieva K., Madlevskaia E. Collection Shabelskaya. Paris, 2010.
    Мадлевская Е.Л. Выставка «Собрание русской старины Натальи Леонидовны Шабельской» // Живая старина. 2023. № 2.

Источники: Российский этнографический музей (ethnomuseum.ru), Википедия, mos.ru, Царицыно (tzar.ru).

Спичечная история из СССР

admin — Tue, 24 Feb 2026 14:21:32 GMT

Мы привыкли относиться к спичкам как к бытовой мелочи — недаром выражение «экономить на спичках» стало синонимом суеты из-за пустяков. Однако в советскую эпоху именно спичечные коробки превратились в уникальные носители истории: на их этикетках запечатлевались ключевые события страны — от космических побед до юбилейных дат и идеологических лозунгов.

Сегодня эти миниатюрные артефакты обрели статус ценных исторических документов и востребованных объектов для коллекционеров. О том, почему спичечные коробки способны рассказать об истории страны порой больше, чем учебники, и во сколько оцениваются редкие экземпляры сегодня, рассказал московский коллекционер Сергей Мазаев.

Филумения: хобби, доступное каждому

В СССР филумения — коллекционирование спичечных коробков и этикеток — в 1950–1960-е годы была одним из самых массовых увлечений, особенно среди школьников. По неофициальным данным, девять из десяти советских детей собирали спичечные коробки.

Это хобби сочетало в себе два важных преимущества: эстетику и доступность. Люди, родившиеся в 70-х и 80-х, наверняка помнят: стандартная коробка спичек стоила одну копейку — минимально возможную цену. Отдельные серии оценивались в две копейки.

При этом пополнить коллекцию можно было и вовсе без вложений: использованные коробки находили на улице или обменивались с другими коллекционерами на вокзалах. Сам процесс «охоты» за редкими экземплярами становился частью приключения.

Особый импульс развитию филумении дал Всемирный фестиваль молодёжи и студентов. Ожидая прибытия большого числа иностранных гостей, советские власти запустили производство специальных подарочных серий. Так появились сувенирные наборы спичек — недорогой, компактный и эффектный способ продемонстрировать достижения и красоту СССР.

Наибольшей популярностью пользовался футляр из 16 стандартных коробков и одной большой «кабинетки» на 500 спичек. Последнюю называли так потому, что спички традиционно присутствовали на рабочем столе — в кабинете.

Дизайн этикеток доверили лучшим художникам страны. Задача была непростой: на площади 56,5 × 37,5 мм нужно было создать мини-плакат, который привлечёт внимание и запомнится. Советские мастера справились блестяще: спичечные серии вызвали ажиотаж и быстро разошлись по миру. Сегодня их можно встретить в частных и музейных коллекциях по всему свету.

С тех пор к каждому крупному событию в стране выпускали тематические красочные спички. Всего за годы СССР было произведено около 300 тысяч разновидностей коробков.

В наши дни спички утратили былую повседневную значимость, но производство не остановилось: фабрики ежедневно выпускают от одного до трёх миллионов коробков. Спички остаются стратегическим товаром и по-прежнему представлены в любом продуктовом магазине.

Параллельно возрождается и филумения: повзрослевшие советские дети возвращаются к увлечению юности. Только теперь это хобби перешло в категорию «для избранных» — стоимость отдельных экземпляров достигает 100 тысяч рублей.

«Сейчас спички могут стоить от 10 рублей до 100 тысяч. Но даже коробки по 10 рублей нет смысла выбрасывать: с каждым годом их цена будет расти», — отмечает коллекционер Сергей Мазаев.

Унифицированного прейскуранта, как в нумизматике, у филуменистов нет. Стоимость определяется либо экспертами клуба «Сувенир», либо формируется в ходе аукционных торгов.

Какие спички ценятся особенно высоко?

На пике спроса сегодня находятся:

    Коробка времен Российской империи;
    Советские довоенные и военные выпуски;
    Спички по ГОСТ 1820-1945, производившиеся до 1956 года;
    Коробки 1956 года выпуска, которые постепенно набирают ценность.

В случае с советскими спичками важны мельчайшие детали. Например, коробки 1937 и 1938 годов могут выглядеть почти идентично, но различаться одной надписью — при этом разница в цене достигает четырёхкратной. Разобраться в таких нюансах под силу только профессионалам.

Рерайт материала msk1.ru

Второй сезон «Школы коллекционера» на ВДНХ

admin — Tue, 24 Feb 2026 13:23:22 GMT

В коллекции Музея транспорта Москвы есть автомобиль КИМ-10-50, уникальный экземпляр, сохранившийся в комплектном ходовом состоянии

Музей транспорта Москвы дал старт второму сезону просветительского проекта «Школа коллекционера». Занятия проходят в павильоне «Транспорт СССР» на территории ВДНХ. Курс организован бесплатно и доступен после предварительной регистрации.

«Музей транспорта Москвы продолжает развивать просветительские проекты для горожан. В рамках работы "Клуба коллекционеров" в павильоне "Транспорт СССР" на ВДНХ мы открываем второй сезон "Школы коллекционера" для тех, кто только начинает свой путь в этом направлении. Бесплатный курс поможет москвичам систематизировать свои знания и перенять опыт профессионалов. Участников ждут встречи и лекции, которые проведут опытные коллекционеры классических автомобилей», — сообщил заместитель Мэра Москвы по вопросам транспорта и промышленности Максим Ликсутов.

Новая образовательная программа ориентирована на начинающих энтузиастов, интересующихся автомобильной историей, винтажными моделями и редкими экземплярами техники.

Ближайшие события курса:

    28 февраля, 17:00 — открытая встреча «Путь коллекционера. История одной покупки». Гости мероприятия — Алексей Прупес и Роман Штукин, коллекционеры автомобилей Mercedes-Benz. Они поделятся личным опытом: как хобби становится частью жизни, чем ценна каждая покупка и почему важна профессиональная экспертиза при выборе ретро-авто. Модератор — Илья Кочкин, специалист Музея транспорта Москвы. По завершении дискуссии участников ждёт экскурсия по экспозиции «Клуб коллекционеров Музея транспорта Москвы».
    14 марта, 17:00 — лекция Дмитрия Жаринова «Коллекционирование и использование: опыт жизни с автомобилем старше 30 лет». Спикер расскажет, как поддерживать коллекционную машину в рабочем состоянии, чтобы не просто хранить её как экспонат, а получать удовольствие от вождения.
    15 марта, 17:00 — продолжение цикла от Дмитрия Жаринова: лекция «Ликбез автовладельца: от теории до первой гайки». Тема — жизнь сообщества автоколлекционеров, форматы встреч и причины, по которым энтузиасты часто владеют несколькими автомобилями.
    28 марта, 18:00 — лекция Олега Газизова, куратора Музея транспорта Москвы, «История иномарки в России». Речь пойдёт о том, как Mercedes-Benz прошёл путь от первых импортных образцов до символа статуса и надёжности в нашей стране.

«Мы продолжаем развивать и расширять сообщество энтузиастов транспорта вокруг музея. "Школа коллекционера" объединяет опыт и увлечение автолюбителей и музейное мастерство, чтобы наиболее полно представить культуру автоколлекционирования. Это шанс учиться у лучших: наши спикеры — люди, которые живут своим увлечением и готовы погрузить слушателей во все его тонкости», — отметила Оксана Бондаренко, директор Музея транспорта Москвы.

«Школа коллекционера» работает в рамках инициативы «Клуб коллекционеров Музея транспорта Москвы». Проект нацелен на укрепление связей между музеем, частными собирателями, реставраторами и поклонниками транспортной истории. В фокусе — человек, сохраняющий уникальные знания, редкие предметы и личную связь с эпохой. В программе клуба — выставки, интервью, подкасты, лекции, дискуссии и исследования истории частных коллекций.

Участие во всех мероприятиях бесплатное, но требует обязательной предварительной записи на официальном сайте Музея транспорта Москвы.

Коллекция чайников Сонни и Глории Камм

admin — Fri, 09 Jan 2026 15:51:48 GMT

Kamm Teapot Foundation — это частная коллекция Сонни и Глории Камм из Лос-Анджелеса.В ней представлены невероятно оригинальные современные произведения искусства, редкие антиквариат и исторические модели массового производства, а также большая коллекция сопутствующих предметов, коллекция Камма охватывает широкий спектр истории и популярной культуры, а также изобразительное искусство.

Сонни юрист и специализировался на юридическом сопровождении учреждений культуры и частных коллекционеров. Глория — искусствовед, 30 лет проработавшая в Художественном музее Лос-Анджелеса.

Сонни и Глория Камм коллекционируют чайники более 35 лет. Их интерес к чайникам начался как дополнение к коллекции современного искусства и перерос в страсть, результатом которой стала самая большая и всеобъемлющая в мире коллекция чайников. Коллекция чайников Камм насчитывает более 17 000 предметов и охватывает весь спектр от исторического декоративно-прикладного искусства до икон промышленного дизайна и уникальных произведений современного искусства.

Сонни и Глория Камм — выдающиеся меценаты. Они посвятили значительное время и ресурсы изучению, приобретению и сохранению произведений искусства. Они были одними из первых коллекционеров современного студийного стекла. Их поддержка включала деловое партнерство в галерее Курланд/Саммерс и членство в качестве основателей Художественного альянса современного стекла.

Глория более 30 лет является ведущим экскурсоводом в Музее искусств округа Лос-Анджелес. За время своей юридической карьеры Сонни консультировал многих коллекционеров произведений искусства и входил в состав нескольких советов директоров, таких как Музей ремесел и народного искусства в Лос-Анджелесе и Южно-Калифорнийский институт архитектуры.

В 2004 году Сонни и Глория основали благотворительный Фонд чайников Камм для управления своей коллекцией чайников. Его цели — приобретение, сохранение, поддержание и организация выставок обширной коллекции чайников, чайных сервизов и предметов, связанных с чайниками. Штаб-квартира Фонда находится в Энсино, Калифорния, а хранилище находится в Стейтсвилле, Северная Каролина, где коллекция систематизируется и каталогизируется.

Большинство художников, представленных в коллекции Камм, — керамисты, за которыми следуют ювелиры, что вполне ожидаемо, учитывая историю чайника как функциональной формы. Что может удивить, так это разнообразие художников, которые рассматривали чайник как скульптурную концепцию. Расширяя коллекцию, Сонни и Глория Камм искали изображения чайников, созданные художниками, графиками и фотографами. Каммы также раздвигали границы, заказывая работы художникам, которые обычно не занимаются изготовлением чайников.

Коллекция примечательна своим представлением знаковых художественных движений и крупных художников в области керамики, дизайна, текстильного искусства, стекла, металлов, и дерева. Здесь представлены чайники из
движения «Искусства и ремесла», модернизма, послевоенного студийного ремесла, постмодернизма, и других направлений.

Среди чайников, созданных виртуозами и авангардными художниками, можно отметить работы кульптора Альберта Пэли, ювелира Хелен Ширк, и керамистов Питера Вулкоса и Бетти Вудман. Чайники от пионеров дизайна включают работы Кристофера Дрессера, Майкла Грейвса, Этторе Соттсаса и Евы Зейсал.

Новаторское и разнообразное текстильное искусство в коллекции насчитывает около 300 произведений. Традиционные техники плетения корзин, бисероплетения, валяния и шитья сочетаются с найденными материалами, такими как переработанные ткани, пластиковые кабельные стяжки и чайные пакетики.

Образы варьируются от отсылок к поп-культуре и высокому искусству, например, «Чайник/Микки Маус II» Кейт Андерсон, выполненный в технике узлов, в стиле Уорхола и Харинга (2004), до абстрактной формы и изысканного цвета «Рассвета и тонкого чая» Йоха Риччи (2010), выполненного вручную в технике окрашивания сосуда.

Особое внимание уделяется современным работам, расширяющим это поле, включая «Нимфею: Чайный сервиз с водяными лилиями» Дженнифер Фальк Линссен (2009), «Слишком синий чайник» (2004) Яна Хопкинса, сделанный из сшитых грейпфрутовых корок, и «Дерево-горшок» (2009) Лесли Ричмонд, выполненное в смешанной технике из ткани.

Помимо произведений искусства, коллекция содержит предметы повседневной жизни, включая одежду, мебель, игры, товары для дома и игрушки. Оригинальные чайники и детские чайные сервизы являются специализированными разделами коллекции. Все эти предметы объединяет общая форма, изображение или тематика чайника.

Коллекция пополняется из множества источников: блошиных рынков, антикварных магазинов, художественных галерей, аукционных домов и частных продаж. Супругам Камм помогали несколько арт-дилеров, в том числе Гарт Кларк, Либби Купер и Лесли Феррин. Галерея Джейн Зауэр (Санта-Фе, Нью-Мексико), галерея Кэти Гинграсс (Милуоки, Висконсин) и галерея Mobilia (Кембридж, Массачусетс) были источниками исключительных произведений текстильного искусства.

Супруги Камм предоставляют свою коллекцию музеям и другим государственным учреждениям на правах аренды. В период с 2001 по 2006 год коллекция была представлена на передвижной музейной выставке «Искусный чайник», которая включала 250 чайников, отобранных исключительно из коллекции Камм. Выставка пользовалась огромной популярностью, собрав рекордное количество посетителей в шести из девяти музеев.

Многие произведения искусства по-прежнему выставлены в их калифорнийской резиденции, где проводятся частные экскурсии.

С годами, когда количество чайников увеличилось, супруги Камм обсуждали возможность пожертвовать свою коллекцию музею.

«Мы довольно рано пришли к выводу, что ни один музей не возьмет эту коллекцию», — сказал Сонни Камм. «Небольшие музеи не могут справиться с большими коллекциями, а крупные художественные музеи общего профиля не хотят этого; у них есть обязанность показывать разнообразные материалы. Музеи в наши дни не готовы брать на себя обязательства по тому, что и в каком объеме они будут выставлять, если вы не профинансируете это самостоятельно. Если вы профинансируете это самостоятельно, почему бы просто не построить собственный музей?

Врач с душой коллекционера. Михаил Алшибая

admin — Sat, 27 Dec 2025 05:22:57 GMT

Михаил Алшибая — человек эпохи Возрождения, сочетающий две страсти: медицину и искусство. Этот известный кардиохирург, профессор и руководитель отделения коронарной хирургии НМИЦ сердечно-сосудистой хирургии им. Бакулева за 40 лет собрал одну из самых значительных коллекций советского «другого искусства» и современных художников — более 6 тысяч произведений. Его путь коллекционера начался в середине 1980-х под влиянием коллег-врачей Давида Иоселиани и Владимира Бураковского. Все началось с трех работ Анатолия Зверева, которые подарил молодому хирургу Владимир Немухин. «Жизнь наша делится пополам между медициной и искусством», — улыбаясь, объясняет Алшибая свою двойственную страсть.

Активно практикующий хирург, он посвящает свободное время поиску забытых талантов. Михаил ходит на Измайловский вернисаж, знакомится с художниками и их родственниками, ищет неучтенные шедевры в самых неожиданных местах. Его миссия — возвращать из небытия имена художников, быстро сошедших со сцены. Благодаря ему мир вспомнил талантливую Гаяну Каждан, считавшуюся утраченной для истории искусства, и художницу Татьяну Киселеву, которой в 2003 году благодаря коллекционеру состоялась выставка в Институте искусствознания.

Долгие годы Алшибая коллекционировал «в стол», только в 2000-х начал показывать свою коллекцию. Переломным стал 2007 год, когда в Музее личных коллекций Пушкинского музея открылась выставка «50 на 50» — 50 работ из собрания Алшибая и 50 из коллекции его друга, врача и коллекционера Марка Курцера. Это было этапное событие, обозначившее позицию врачей-собирателей. В 2013 году в Галерее искусств Зураба Церетели прошла выставка «Искусство врачевать и собирать искусство», где свои коллекции показали три московских врача. «Я в восторге, что великие врачи собрали произведения, которые вчера ругали, а сегодня хвалят», — отметил на открытии Зураб Церетели.

В 2014 году работы из коллекции Алшибая стали основой постоянной экспозиции музея «Другое искусство» в РГГУ. Искусствовед Юлия Лебедева, неоднократно работавшая с его собранием, вспоминает: «Михаил называл процесс возвращения имен «эксгумацией». Для хирурга, постоянно сталкивающегося со смертью, такие термины были естественны и точно отражали суть». В 2012 году он даже организовал выставку под таким названием, представив более 40 вновь обретенных мастеров: физика и художника Максима Архангельского, сына писателя Алексея Паустовского, художника Александра Горохова, чью жизнь оборвала лейкемия.

В его коллекции — хронологический диапазон от 1958 года (года рождения Михаила) до наших дней. Здесь и классики нонконформизма — Евгений и Лев Кропивницкие, Лидия Мастеркова, Оскар Рабин, Борис Свешников, Владимир Яковлев, и современные художники — Андрей Бартенев, Дмитрий Гутов, Олег Кулик, Владислав Мамышев-Монро. «Добрейший, исключительно порядочный трудоголик, он мало тратит на себя, зато ничего не жалеет для людей и искусства», — отмечают те, кто знает его лично. Михаил Алшибая в очках, рубашке в клетку под безрукавкой и потертой пиджаке выглядит как типичный интеллигент, но за скромной внешностью скрывается один из самых пассионарных коллекционеров России, доказывающий, что искусство обладает удивительной целительной силой — как для души, так и для сердца.

67-летний кардиохирург мирового уровня Михаил Алшибая ушел из жизни в последний день работы выставки с картинами из его легендарной коллекции. Его сердце, лечившее тысячи пациентов, перестало биться, оставив огромную пустоту в арт-сообществе.

по материалам theartnewspaper.ru

Игрушки Аллы Ювакаевой хранят тепло детства

admin — Sat, 27 Dec 2025 04:51:36 GMT

Фото 72.ru

В тихом уголке Тюмени живет удивительная женщина, чьи руки оживают из простой ткани настоящие произведения искусства. Алла Ювакаева — профессиональный психолог, но ее сердце давно принадлежит другому призванию — созданию эксклюзивных авторских игрушек в технике винтаж.

Ее история началась неожиданно. Когда в жизни появились трудности со здоровьем, Алла искала способ отвлечься и нашла его в старом увлечении — шитье. «Стала шить, чтобы отвлечься от болезни», — признается мастер в своем интервью. Это спасительное хобби превратилось в настоящую страсть, а затем и в искусство, которое сегодня высоко ценят коллекционеры со всей России и даже зарубежья.

С юных лет Алла была влюблена в разного рода рукоделие. Вся ее жизнь связана с творчеством в разных его проявлениях: она обожает вышивать, шить, создавать что-то прекрасное своими руками. Но именно авторские игрушки стали ее визитной карточкой. Ее мишки, зайчики, ежики и скромные красавицы-куколы обладают такой притягательной силой, что в них просто невозможно не влюбиться.

Особенность работ Аллы Ювакаевой — в их неповторимом винтажном стиле. Каждая игрушка словно из старинного сундука, хранящего тепло детства. Она работает с натуральными материалами, используя технику, которая придает изделиям благородную потертость времени и особое очарование. При этом Алла убеждена, что для начала занятия рукоделием вовсе не нужны баснословные траты на материалы. Она доказывает, что настоящий мастер может создать шедевр из простых, доступных тканей и ниток.

Самое удивительное — как быстро работы Аллы обрели поклонников. За ее творениями буквально охотятся коллекционеры со всей России и зарубежья. Это не просто игрушки, а настоящие арт-объекты, которые покупают не для детей, а для взрослых, ценящих ручную работу и ностальгическую эстетику.

«В этих мишек, зайчиков, ёжиков и скромных красавиц-кукол просто невозможно не влюбиться», — говорят те, кто видел ее работы. Алла вкладывает в каждую игрушку частичку своей души, и это чувствуется в каждой детали — от выразительных глаз до аккуратных стежков на одежде.

Сегодня Алла Ювакаева продолжает развивать свое творчество, сочетая психологическую практику с рукоделием. Ее история — яркий пример того, как из трудностей можно выйти сильнее, найдя свое истинное призвание. Она не только создает красоту, но и дарит людям надежду, показывая, что даже в сложные моменты жизни можно найти опору в творчестве и превратить боль в нечто прекрасное.

Ее мастерская стала местом силы для многих тюменцев, а сами игрушки — талисманами, которые напоминают о том, что в каждом из нас живет ребенок, верящий в чудеса. Алла Ювакаева доказывает, что возраст, профессия и жизненные обстоятельства — не преграда для того, чтобы найти свое призвание и поделиться им с миром.

Возможности для начинающих коллекционеров

admin — Thu, 20 Nov 2025 15:11:36 GMT

По мнению дилеров TEFAF.

«Главное, о чём стоит подумать, когда речь идёт о возможностях для новых коллекционеров, — это то, что их всё ещё много. Среди начинающих коллекционеров вполне понятная нервозность при рассмотрении произведений искусства XIX и XX веков таких известных художников, как Роден. Эти работы пользуются высоким спросом, их количество ограничено, и поэтому они высоко ценятся.

Мой совет при создании коллекции — начать с малого. Сейчас всё ещё можно купить хороший торс Родена или выразительную руку менее чем за 50 000 фунтов стерлингов. Роден — уважаемый скульптор, и можно с уверенностью сказать, что его работы будут только расти в плане исторического значения и ценности с точки зрения искусства в будущем.

Во-вторых, тем, кто хочет потратить меньше 50 000 фунтов стерлингов, стоит рассмотреть возможность покупки произведений искусства половинными акциями или покупки работ в рассрочку. Каждый может и должен иметь возможность покупать произведения искусства, которые ему интересны».

Мика Боуман, Директор Bowman Sculpture

«Эдит Уортон однажды написала историю о состоятельном молодом американце, который, получив образование в Гранд-туре, получил задание создать галерею шедевров. Но вместо того, чтобы гоняться за Доменикино, Карло Дольчи, Гверчино, Карло Маратти и Сальватором Розой, он выбирает Пьеро делла Франческа, Витторе Карпаччо и Фра Анджелико, вопреки преобладающему вкусу, что по сегодняшним меркам было бы превосходной инвестицией.

Начинающий коллекционер может тренировать свой глаз, рассматривая как можно больше хороших образцов и выстраивая доверительные отношения с реставратором, дилером и куратором, чтобы сформировать сбалансированное понимание рынка. От Артемизии Джентилески до Софи Тойбер-Арп – женщины-художницы прошлого в последние годы оказались в центре внимания. Маятник, пожалуй, качнулся в сторону от… некоторые художники и субъекты, которые кажутся нечувствительными к инклюзивному мировоззрению».

Руководитель проектов, Николас Холл

«Я ошибочно считаю, что рынок современного искусства — единственный, где можно найти «перспективных» или ещё не известных художников. В Benappi Fine Art мы регулярно развенчиваем этот миф, открывая новые захватывающие работы в области старых мастеров, где всё ещё есть возможность приобрести неподвластные времени произведения искусства.

Молодым коллекционерам я всегда рекомендую конец XIX — начало XX века — период, когда множество высококвалифицированных художников из разных уголков Европы создавали новаторские работы, отражая новый современный мир, зарождавшийся вокруг них. Многие из этих работ ещё не получили заслуженного признания. Благодаря более широкому исследованию и изучению этой эпохи сегодня молодым поколением кураторов и арт-дилеров, появилась возможность приобрести ключевые произведения искусства, имеющие историческое значение и забытые временем».

Гарри Гриди, директор Benappi Fine Art

«Газетные заголовки заставляют поверить, что каждая сделка с искусством — это многомиллионная сделка, и что коллекционирование либо недоступно простым смертным, либо доступно исключительно в цифровом формате.

Однако есть области рынка, где возможности для этого существуют по весьма разумным ценам. Бурный рост движений, школ и манифестов в конце XIX — начале XX веков привел к появлению бесчисленного множества художников, которые когда-то находились на переднем крае истории искусства. Многие из этих имён либо забыты, либо не получили заслуженного признания, а это значит, что замечательные произведения импрессионистов и модернистов можно найти по доступной цене. Именно здесь, зачастую игнорируемые современными спекулянтами и перекупщиками, энтузиасты-коллекционеры могут собрать свою коллекцию».

Ник Хемминг-Браун, директор галереи Connaught Brown

«За последние пару лет мы наблюдаем настоящий всплеск интереса к старинным украшениям, особенно среди новых и молодых коллекционеров. Старинные украшения долгое время были недооценённой областью нашего рынка, и мы видим в этом большой потенциал — настолько, что создали собственный ювелирный бренд Kallos Fine Jewellery.

Привлекательность старинных украшений, включая инталии, монеты и амулеты, отчасти заключается в их неразрывной связи с прошлым, зачастую по доступной цене. Они сами по себе являются миниатюрными произведениями искусства, которые можно носить и любоваться ими каждый день, но их также можно коллекционировать как инвестиционные ценности».

Хейли МакКоул, Специалист галереи Kallos

«Интерес к антиквариату сейчас сильнее, чем когда-либо, и тема устойчивого развития важна для молодого поколения коллекционеров, которые осознанно и внимательно относятся к своим способам коллекционирования. В частности, антикварные книги и карты дают возможность собрать захватывающие коллекции, начиная от самых разных ценовых категорий и охватывая любые темы и места. Появилось много новых и молодых дилеров с безупречным вкусом и опытом, которые стремятся формировать новых коллекционеров.

У новых коллекционеров есть возможность войти в эту сферу через различные каналы: от цифровых платформ до специализированных библиотечных и картографических выставок, которые проводятся по всему миру. Мы видим, как на рынке появляется всё больше отличных материалов и коллекций. Новые коллекционеры имеют возможность найти и приобрести произведения, которые не только носят образовательный и развлекательный, но и декоративный характер, постоянно открывая для себя новые детали».

Елена Наполеоне, управляющий галереей, Daniel Crouch Rare Books

«Коллекционирование картин старых мастеров — это сейчас отличная возможность. Невероятно динамичные картины с историей и душой можно купить по относительно доступным ценам по сравнению с произведениями аналогичного уровня престижа на рынках импрессионизма, модернизма и современного искусства. Например, картины эпохи барокко невероятного качества сейчас продаются по вполне разумным ценам, особенно учитывая, что они являются осязаемыми реликвиями зарождения реализма в западной истории искусства.

Начинающему коллекционеру в этой области необходимо научиться определять состояние произведений, однако инвестиции в коллекционирование картин старых мастеров весьма выгодны. Благодаря широчайшему выбору картин и дилеров в этой области, TEFAF Maastricht, без сомнения, является лучшим местом для начинающего коллекционера, чтобы найти работы старых мастеров».

Патрик Уильямс, директор Adam Williams Fine Art

Тенденции коллекционирования

«Сегодня мы видим, что в основе коллекционирования лежат некоторые основополагающие идеи. Хотя некоторые коллекционеры испытывают высокий спрос на неопубликованные работы из частных собраний и вновь открытые работы, наблюдается также переход от «филателистического» коллекционирования к эмоциональному, прежде всего, к визуальному стилю коллекционирования. Мы считаем, что «классика» снова в моде благодаря богатству формы и глубине сюжета. Хотя интерес к более научным аспектам снизился, энтузиазм к форме и цвету, обладающим архетипической ценностью, ощутим, как и интерес к содержанию и критическим интерпретациям произведений искусства. Мы положительно оцениваем это явление, и в будущем галеристам предстоит описывать произведения искусства в современных терминах, помня при этом о том, что наша задача — предлагать красоту и вдохновение — две вещи, которые превосходят время и пространство».

Массимилиано Каретто и Франческо Окчинегро, владельцы, Caretto & Occinegro

«Я вижу, что всё больше коллекционеров и учреждений инвестируют в работы малоизвестных или вновь открытых художников. В нашей области декоративно-прикладного искусства, если копнуть глубже, можно обнаружить невероятно талантливых мастеров, забытых историей. Возможность приобрести эти уникальные предметы искусства — это захватывающая возможность, которая в последнее время становится всё более привлекательной. Нам, дилерам, также приятно чувствовать, что мы можем вернуть забытых художников обратно в центр внимания».

Лаура Кугель, заместитель директора галереи Kugel

«Мебель и предметы искусства XVIII века переживают новую волну интереса в последние годы. Исключительные продажи, такие как коллекции Givenchy или Hôtel Lambert, пропагандируют французский вкус и эпоху, которая сделала его своим символом. Эти продажи представляют работы известных мастеров XVIII века, от Бернара II ван Ризенбурга до Жана-Франсуа Эбена, краснодеревщика короля Людовика XV. Именно этого выдающегося краснодеревщика мы выбрали для нашего стенда на выставке TEFAF в Маастрихте в начале этого года. Эклектичные шедевры его брата и его самого представляют собой красоту краснодеревного искусства XVIII века. Изобретательные механизмы, невероятная инкрустация – множество свидетельств изысканности французского стиля. Коллекционеры, несомненно, всё чаще обращают внимание на эти… великие имена, и именно поэтому мы в галерее хотим продолжать приобретать изысканные произведения с королевским происхождением и выдающимся мастерством».

Гийом Леаж, директор галереи Léage

«Раньше коллекционированием занимались лишь избранные, работая в определённой области или сфере. Однако общество и, что важно, то, как мы потребляем культуру, изменились. Теперь мы взаимодействуем с искусством как никогда раньше и гораздо более мейнстримно (вспомните мемы с использованием искусства, аукционы кроссовок с ограниченным тиражом, NFT, рекламные кампании Gucci, включая работы старых мастеров, и захватывающие цифровые выставки Ван Гога).

В результате вкусы коллекционеров стали разнообразнее, а кругозор коллекционеров расширился. Я думаю, что мы увидим, как всё больше новых клиентов осознают масштаб рынка и ценность искусства как ценного актива и кладезя богатства в трудные времена. Конечно, это создаст трудности для дилеров. Им придётся попытаться понять и оценить всю глубину и многообразие этого интереса, поскольку они также взаимодействуют с коллекционерами из всё более разнообразных демографических групп. Тем не менее, это увлекательный вызов и, в конечном счёте, прекрасная возможность. Неизменными, несомненно, останутся качество и состояние».

Джеймс Ричардс, управляющий и руководитель исследований галереи Daniel Katz

«Главная новая тенденция в коллекционировании — это внимание к возможным историям, которые может рассказать любая выставленная работа. Картины и скульптуры теперь оцениваются не только по их художественным достоинствам (качество, происхождение, сохранность), но и по их актуальности в современном политическом и социальном дискурсе. В результате мы, как торговцы произведениями старых мастеров, должны задаться вопросом, как наши многовековые произведения могут быть актуальны сегодня, и, что ещё важнее, на какие фундаментальные универсальные вопросы можно ответить с их помощью».

Валентина Росси, директор галереи Trinity Fine Art / Carlo Orsi Gallery

Что может предпринять начинающий коллекционер уже сейчас, чтобы собрать свою самую сильную будущую коллекцию?

«Прежде всего, вам нужно выяснить, какое искусство вас привлекает, посещая художественные ярмарки и галереи. Когда вы находите что-то, что вам нравится, проведите исследование: посетите музеи, поговорите с экспертом, почитайте книги. Соберите информацию о предмете: является ли он важным произведением, каково его место в истории искусства, в каком состоянии он находится?

Выбирайте качество, а не количество. Хорошая коллекция не может быть собрана за один день. Это займет время, поэтому не поддавайтесь искушению приобрести много мелких предметов. И не бойтесь комбинировать — вам не нужно зацикливаться на одном конкретном виде искусства или стилистическом периоде.

Самое главное — собирать всем сердцем».

Селин Арианс, менеджер галереи, Aronson Antiquars

«Всегда приятно общаться с новыми коллекционерами. Их интерес к искусству вдохновляет, и мне нравится помогать им с выбором. Для того чтобы собрать более сильную коллекцию, начинающий коллекционер может поговорить с дилерами: ярмарки — это потрясающая возможность. Они хорошо разбираются в искусстве, увлечены своей работой и любят о ней говорить. Это отличный способ узнать больше об искусстве, их взгляде на рынок и художников.

Я бы также посоветовала начинающим коллекционерам покупать меньше, но лучше. В коллекционировании склонность к накоплению и стремление «получить больше» могут оказаться ловушкой. Для меня меньшая коллекция, но лучшего качества — ключ к сильной и долговременной коллекции».

Жозефин Баллу, директор галереи David Levy

«Один из главных советов начинающему коллекционеру — проложить свой собственный путь в мире искусства. Посещайте как можно больше ярмарок, выставок, галерей и музеев, читайте каталоги и книги по искусству — короче говоря, проводите свои исследования. Постарайтесь понять, что вам нравится и, что не менее важно, что вам не нравится. Будьте в курсе тенденций в мире искусства и на арт-рынке, однако не позволяйте им слишком сильно на вас влиять.

Когда дело доходит до покупки, уважайте свой вкус, всегда спрашивайте всю необходимую информацию и совершайте покупку только тогда, когда будете полностью уверены в её необходимости. Чем методичнее и решительнее вы будете, тем лучше будет ваша будущая коллекция».

Томмазо Карлетти, управляющий галереей, Bottegantica

«Собирайте то, что вам по душе, независимо от моды. Ваша страсть вознаградит вас за правильный выбор цены и качества. Обращайтесь за советом к людям, которым вы доверяете, хотя ваше собственное мнение — самое важное. Выполняйте домашнюю работу и самостоятельно проводите исследования и проверку. Это обогатит вас и позволит вам установить значимые связи с единомышленниками.

Не загоняйте себя в рамки, ведь коллекционирование в целом — это увлекательно и увлекательно; я бы с удовольствием выставила скульптуру Наума Габо Джереми Ланкастера рядом с видеоработой Чжэн Бо или Син Вай Кина. Я рекомендую пополнить вашу коллекцию качественными работами современных мастеров; если у вас есть возможность, китайский художник Чу Дэ-Чунь создал несколько прекрасных картин маслом в 1980-х годах. Возможности можно найти в изучении малоизвестных работ. Художники, например, я недавно открыла для себя нью-йоркскую художницу Марч Эйвери, чьи диссоциативные цвета мне очень нравятся».

Миранда Чанс, менедже по развитию продаж и бизнеса, Азия, Waddington Custot

«Многие молодые коллекционеры, похоже, следуют трендам, которые сейчас активно обсуждаются в СМИ, — „сексуальным“ инвестициям. На мой взгляд, хотя такое коллекционирование может быть довольно увлекательным, я не считаю его лучшей основой для создания личной коллекции.

В качестве отправной точки молодым коллекционерам стоит обратить внимание на технику или жанр, где они могут по-настоящему тренировать свой глаз, не тратя много денег (например, работы на бумаге: рисунки, фотографии, гравюры и т. д.).

Я искренне верю, что это не только откроет множество плодотворных возможностей для молодых коллекционеров, но и позволит им развить свой взгляд и приобрести навыки, необходимые для дальнейшего поиска возможностей собрать сильную и уникальную коллекцию, не слишком полагаясь на рыночные спекуляции».

Меган Коркоран Лок, заместитель директора, Stephen Ongpin Fine Art

«Я считаю, что начинающим коллекционерам следует в первую очередь сосредоточиться на том, что их привлекает, а затем связать свой интерес с более художественно-исторической основой и контекстом, в котором была создана работа. Я бы посоветовал стремиться к общей целостности коллекции, устанавливая связи между произведениями искусства и/или художниками по темам, школам, эпохам и материалам.

Открытость крайне важна для сохранения любопытства при знакомстве с разными художниками и течениями. В конечном счёте, я считаю, что коллекционирование — это кульминация личного вкуса, исследований и возможностей приобретения».

Адриан Делестр, директор галереи Stoppenbach & Delestre

«Мой главный совет начинающему коллекционеру в моей области — найти правильный баланс между знаниями и эмоциями. Читайте, рассматривайте как можно больше предметов, тренируйте зрение и учитесь узнавать великие скульптуры. Конечно, в этот период обучения им понадобятся сопровождение, советы и руководство специалистов, экспертов, любителей или других коллекционеров. Искусство — это постоянное открытие. Древнее искусство Африки, Океании и Америки обширно и сложно, но возможности для познания захватывающие. Вот почему важно обмениваться опытом, обсуждать, спорить и противостоять своим чувствам.

Я также считаю, что начинающему коллекционеру следует постараться получить преимущество и купить работы, которые все захотят завтра. Например, в искусстве Африки коллекционеры могут приобретать исключительные произведения из таких регионов, как Буркина-Фасо, Нигерия или Камерун, по ценам, которые всё ещё остаются разумными по сравнению с более широким рынком».

Мари Дуарте-Гогат, директор галереи Бернар Дюлон

«Мой первый совет начинающему коллекционеру: уделите время изучению. Глаз подобен мышце: чем больше вы видите, тем лучше вы способны не только определить свой вкус, но и отличить хорошую картину от хорошей. Посещайте как можно больше музеев, ярмарок и галерей.

И, конечно же, покупайте, следуя зову сердца, но всегда ищите направление, которое вы хотите придать своей коллекции, и устанавливайте уровень требований, который гарантирует её вечность, независимо от области применения. Знаковый или уникальный сюжет, отличное состояние сохранности или происхождения, присутствие в институте — вот элементы, которые нельзя упускать из виду».

Лаура Де Джонкхир, директор De Jonckheere

«Расширьте своё первоначальное любопытство, увидев и узнав как можно больше: хотя и соблазнительно полагаться на цифровые медиа в поисках потенциального места для коллекционирования, фундамент — и страсть — строится на личном знакомстве с предметами. Многие онлайн-магазины практически не контролируют качество предлагаемых произведений искусства и, как правило, перегружены, что может сбить с толку оценку и, следовательно, повлиять на качество вашей коллекции. Тем не менее, даже лучшие коллекции начинаются с одной (или двух) ошибок, поэтому также важно быть скромным и гибким, чтобы вовремя скорректировать свой путь коллекционирования и привычки.

Всегда разумно обратиться за советом к профессионалам, но после того, как вы определитесь со своими истинными интересами и обретёте уверенность на рынке, доверьтесь своей интуиции и прислушайтесь к своему сердцу. Не нужно торопиться — самые интересные коллекции формируются на протяжении всей жизни».

Чарли Маккей, директор галереи Weiss Gallery

«Независимо от «бизнеса», самым важным шагом для меня стало расширение кругозора. Я получил археологическое образование, и древнее искусство всегда будет моей страстью, но я невероятно вырос как личность, узнавая от Акселя и Бориса Вервордт об искусстве самых разных культур, как прошлых, так и настоящих. Истинную красоту можно найти где угодно, и я считаю, что коллекционеры не должны зацикливаться на конкретных временных периодах или географических регионах, а должны думать об истории, которую они пытаются создать.

Моя собственная (скромная) коллекция довольно разнообразна, но каждый предмет, которым я владею, связан с другими тем особым, но неуловимым штрихом, который сразу же передаёт «человечность», которая его сформировала. Каждый предмет — это маленькое свидетельство нашего общего существования на этой планете, где бы и когда бы это ни было, и мне это нравится».

Берт Мелкебик, историк искусства и археолог Аксель Вервордт

«Начиная собирать коллекцию произведений искусства, вы попадаете в новый мир, где учитесь развивать свой взгляд на мир на новом уровне, поскольку покупка произведений искусства — это обязательство. Хотя поначалу это может быть сложно, я рекомендую следовать своей интуиции и доверять своему вкусу, поскольку тенденции меняются. Помимо интуиции, важно обращать внимание на качество, подлинность и происхождение, особенно на рынке антиквариата. Независимо от размера, материала или возраста произведения искусства, история коллекционирования добавляет ценности и является ключевым аспектом в формировании достойной коллекции. Наконец, коллекционеру полезно понимать материал, в котором оно было создано. Например, при покупке бронзовой скульптуры полезно понимать технику литья, чтобы полностью оценить её художественную изобретательность. Высококачественное, качественно выполненное произведение искусства всегда будет вдохновлять и никогда не потеряет своей ценности».

Елена Нис, заместитель директора, Oriental Art Marcel Nies

«Если бы я мог дать один совет начинающему коллекционеру, он бы звучал так: покупайте то, что вам нравится, а не просто то, что вы можете себе позволить. Через пять или десять лет вы уже не вспомните о дополнительных деньгах, но соберете коллекцию из лучших, что только можно было предложить. Слишком часто наши клиенты постарше приносят нам вещи, купленные в начале, которые уже не соответствуют уровню остальной части их коллекции. И все они говорят, что больше всего жалеют о том, что не дали себе волю в начале. Покупайте реже, но лучшего качества. И всегда спрашивайте себя: если бы деньги не были проблемой, выбрали бы вы эту вещь?»

Чарис Тиндалл, директор галереи Чарльз Эде

Жизнь, прожитая с искусством: Томас Ольбрихт о коллекционировании

admin — Thu, 20 Nov 2025 14:33:21 GMT

Томас Ольбрихт со своей собакой Бэнкси перед картиной Джорджа Кондо «Бездомный дворецкий» (2009) из коллекции Ольбрихта. Фото: Пол Мюдерс.

От предметов из коллекции «Вундеркаммер» до современного искусства, Ольбрихт размышляет о более чем пяти десятилетиях своего многопрофильного коллекционирования.

Томас Ольбрихт, коллекционер с юных лет, с пяти лет собирал такие предметы, как игрушечные машинки, спичечные коробки и марки, и именно школа познакомила его с миром искусства. Его самые ранние воспоминания связаны с начальными уроками рисования и учителем, который привил ему неподдельный интерес к рисованию и живописи.

«В какой-то момент я начал рисовать по мотивам таких художников, как Нольде и Франц Марк. Возможно, я продал несколько своих рисунков родственникам, но в конце подросткового возраста понял, что они недостаточно хороши, чтобы стать художником», — вспоминает Ольбрихт.

«Итак, если ты не можешь создавать искусство, что же делать? Ты коллекционируешь».

Он оставил художественную карьеру и выбрал медицину, но жизнь, посвящённая искусству, с тех пор осталась с Ольбрихтом. Другой основополагающий источник его страсти к искусству находился ближе к дому: его двоюродный дед Карл Шрёэр оказал огромное влияние на последующую коллекционерскую деятельность Ольбрихта.

«Мой двоюродный дед Карл Шрёэр был коллекционером произведений искусства и показывал мне свою обширную коллекцию, когда приезжал к нему домой в Дармштадт», — рассказывает он. Его двоюродный дед был коллекционером современного искусства и стал известен как один из первых коллекционеров поп-арта после приобретения коллекции Леона Краушара в конце 1960-х годов, что произвело на Ольбрихта глубокое впечатление.

«Чтобы создать значимую коллекцию, прежде всего нужны страсть, увлечение и смелость коллекционировать. Эта вера, безусловно, передалась и мне».

Создание коллекции

Будучи студентом, Ольбрихт сосредоточился на региональных художниках, чтобы осваиваться на местном арт-рынке.

«Поначалу я испытывал своего рода „страх“ перед посещением галерей, опасаясь, что разговор сразу же перейдет к ценам и приобретению. Но эти регулярные визиты позволили мне постепенно найти свой путь и стать известным среди галеристов», — рассказывает он.

Его коллекция постепенно росла, по мере того как он начал изучать немецкую живопись, а затем и работы зарубежных художников в различных техниках. Ольбрихт вспоминает свой первый визит в Нью-Йорк в начале 1990-х годов как поворотный момент в интернационализации своей коллекционной деятельности:

«Меня попросили предоставить работы из моей коллекции для выставки в Нью-Йорке, для чего я и отправился в город. Этот визит в Нью-Йорк, с его оживленным климатом и обилием галерей, дал мне новую перспективу и увлек меня».

Страсть Ольбрихта к искусству, которую он держал всю жизнь, переросла в обширную коллекцию Ольбрихта, охватывающую произведения искусства с начала XVI века до наших дней, ведомую его особым чувством чуда и широким кругом интересов. Основное внимание он уделяет современному искусству, включая таких художников, как Синди Шерман, Джордж Кондо, Герхард Рихтер и Вольфганг Тильманс. Однако он считает себя «универсальным» коллекционером и приобретает для своей коллекции работы из самых разных медиа, художников и эпох, исследуя такие экзистенциальные темы, как жизнь, любовь, быстротечность и смерть. В коллекции также представлены вазы в стиле французского модерна, африканские скульптуры и романтические пейзажи, но особое место занимает коллекция предметов из коллекции «Вундеркаммер / Wunderkammer» Ольбрихта.

Ольбрихт начал собирать предметы из коллекции «Вундеркаммер» после посещения выставки TEFAF в Маастрихте, где разнообразная экспозиция произведений искусства – от античности до современного искусства – открыла мне дорогу к открытиям.

«В начале 2000-х, когда я бродил по ярмарке, я наткнулся на стенд Кунсткамеры Георга Лауэ, где были представлены маленькие черепа, скелеты и другие предметы, напоминающие о смерти. Меня сразу охватило изумление; я не мог не приобрести несколько из этих предметов. Всё прошло так быстро, что двое моих друзей, присоединившихся ко мне в тот визит, даже не заметили, как я что-то купил», – рассказывает Ольбрихт.

С тех пор арт-дилер и коллекционер поддерживают дружбу, которая длится и по сей день. Они вместе создали одну из важнейших частных коллекций предметов «Вундеркаммера», подражая княжеским кунсткамерам эпохи Возрождения и барокко.

Работы Нот Витала, Йозефа Альберса, Ханса Хартунга, Марка Райдена и Жермен Ришье, среди прочих, из коллекции Ольбрихта. Фото: Пауль Мудерс.

Ольбрихт, коллекционирующий произведения искусства почти пять десятилетий, признает, что, несмотря на прочные отношения с арт-дилерами, право выбора и решения о том, что попадёт в его коллекцию, остаётся за ним.

«У меня нет советников в традиционном смысле. С течением времени, конечно, меня часто информируют о доступных работах. И когда меня интересует какое-то произведение искусства, я спрашиваю их мнение. Однако окончательное решение о том, что приобретать, принимаю я», — объясняет Ольбрихт.

Он позволяет себе руководствоваться чувством удивления и восхищения, а не целью «закончить» свою коллекцию.

«Есть части моей коллекции, которые я стремлюсь завершить, работы, для которых можно составить полное представление, например, издания графики Герхарда Рихтера или моя коллекция марок. Однако, как правило, это не так. Все произведения искусства существуют отдельно, я не стремлюсь приобрести что-то, чего „не хватает“ в коллекции. В основе любого приобретения лежит страсть», — объясняет Ольбрихт.

«Нужно ли мне „владеть“ некоторыми работами из моей коллекции? Нет. Однако мне нравится смотреть на них и взаимодействовать с ними, и это главное».

Ольбрихт также считает себя «динамичным» коллекционером, который постоянно меняет своё место в коллекции, а это означает, что не все приобретения остаются в его коллекции.

«Это одновременно моя страсть и моё страдание», — отмечает Ольбрихт. «Не все произведения искусства остались в моей коллекции, что иногда обидно, но если бы я оставил всё, я бы не смог продолжать коллекционировать таким образом. И я просто не могу от этого отказаться».

Страсть и миссия

Основа деятельности Ольбрихта как коллекционера — делиться своей страстью к искусству, чем он занимается уже более трёх десятилетий.

«В 1990-х годах я временно управлял небольшой галереей в Эссене, которая родилась из стремления поделиться своим увлечением искусством. Я хотел поделиться с другими этим чувством того, что значит заниматься искусством и даже приобретать произведения искусства, и мы организовали несколько захватывающих выставок с такими художниками, как Герхард Рихтер, Синди Шерман и Чепмены».

С тех пор Ольбрихт продолжал открывать свою коллекцию для публики, что привело к созданию Фонда Ольбрихта в 2010 году. Основанный Ольбрихтом и его женой Клаудией, фонд стремится продвигать и пробуждать общественный интерес к искусству, особенно к современному искусству. Это вылилось в создание специальной коллекции и выставочного пространства в Берлине с 2010 по 2020 год, Me Collectors Room.

«Я основал Collectors Room с той же целью, что и галерею в 90-х: я хотел соединить людей с искусством, позволить им взаимодействовать с работами и способствовать увлечению искусством. Меня не волнует, если людям не нравится то, что я собираю, главное, чтобы это вызывало диалог», – делится Ольбрихт, подчеркивая философию коллекции: глубокое понимание способности искусства удивлять и пробуждать новые взгляды на мир.

За десятилетие своего существования Me Collectors Room организовал более 42 выставок и представил постоянную экспозицию предметов из коллекции Wunderkammer. Один из основных принципов фонда – пробуждение интереса публики к искусству – заключается, в частности, в поощрении игрового взаимодействия с искусством у детей и подростков – дела, близкого сердцу Ольбрихта. Me Collectors Room включал в себя обширную образовательную программу:

«На пике своего развития мы сотрудничали с пятью местными школами, которые приезжали к нам и участвовали в нашей образовательной программе, поскольку у самих школ не было такой возможности», – объясняет Ольбрихт.

Кроме того, коллекционер разработал идею «мобильной Wunderkammer», которая привела к созданию корабля Wunderkammer – передвижного музея, который курсировал по водным путям Берлина и Бранденбурга и предлагал междисциплинарную образовательную программу. Презентация исторических предметов из коллекции Ольбрихта.

Придворный кабинет начала XVII века с домашним алтарём из Аугсбурга из коллекции Ольбрихта.

Фото: Пауль Мудерс.

После закрытия берлинского выставочного пространства часть предметов из коллекции «Вундеркамера» Ольбрихта теперь находится в долгосрочной аренде в музее Фолькванг в Эссене.

«Со студенческих времён Эссен — мой родной город. Я знаю коллекцию музея досконально. «Мне очень приятно иметь возможность делиться своей коллекцией таким образом, и я очень рад, когда сам нахожусь в музее, делиться с посетителями своими впечатлениями и историями о произведениях искусства», — говорит Ольбрихт.

Фонд также поддерживает программу резиденций музея Neue Folkwang, которая ежегодно предоставляет два места иностранным художникам сроком на пять месяцев, и продолжает поддерживать интерес детей к творчеству и искусству при поддержке двух местных школ.

Ольбрихт также продолжает делать свою коллекцию доступной публике через выставки. В этом его поддерживает Сара Зондеркамп, куратор коллекции Ольбрихта, которая курирует документацию и международную программу заимствования произведений из коллекции — последней из них была выставка Perfect Match.

Сейчас, в свои 70 лет, Ольбрихт стремится к тому, чтобы его коллекция постепенно уменьшалась, но оставалась высокой по качеству и значимости. Новым коллекционерам, ищущим свой путь на рынке искусства, он советует не торопиться, «удивляться, открывать, понимать, а затем приобретать».

«Страсть всегда подразумевает, что если не действовать немедленно, то больше никогда не сможешь получить конкретную работу. Возможно, так и есть, — отмечает Ольбрихт.

— Но другие работы появятся. Я считаю крайне важным не торопиться, изучать и вникать в широкий спектр искусства, а также вкладываться в изучение того, что вы смотрите. И, взяв это за основу, найти то, что приносит вам радость».

Шейенн Верен

Крупнейшая частная коллекция работ Рембрандта

admin — Wed, 19 Nov 2025 17:47:48 GMT

Рембрандт ван Рейн, «Минерва в кабинете», 1635. Холст, масло. 138 x 116,5 см (54,3 x 45,9 дюйма). Лейденская коллекция.

Собрав крупнейшую коллекцию работ Рембрандта, находящуюся в частных руках, Томас Каплан размышляет о 20 годах её создания.

Одно из самых ранних воспоминаний Томаса Каплана о его интересе к искусству связано с его первой встречей с работой Рембрандта.

«Когда мне было около шести лет, мама отвела меня в Метрополитен-музей в Нью-Йорке, где я с первого взгляда влюбился в Рембрандта. Каждые выходные я просил её вернуться в Метрополитен и провести время с Рембрандтом».

Мать Каплана пыталась расширить его кругозор, водя его в Музей современного искусства, чтобы он мог исследовать его коллекции современного искусства.

«Мы стояли перед чистым холстом, перечеркнутым линией, и, кажется, я скрестил руки, покачал головой и сказал: „Нет, отведите меня обратно к Рембрандту“», — со смехом рассказывает Каплан.

Он помнит, какую непосредственную связь он почувствовал в юном возрасте с Рембрандтом и его картинами. Вскоре семейные поездки привели его в Амстердам, город, пропитанный наследием Рембрандта. Каплан продолжал изучать искусство, оттачивая свой глаз в европейских музеях, регулярно путешествуя, и активно расширял свои познания, изучая литературу о любимых художниках.

Хотя его давний интерес к старым мастерам и стремление получить докторскую степень по истории в Оксфорде, несомненно, могли бы стать прочным фундаментом для начинающего коллекционера, он никогда не думал, что станет им, сразу же отвергнув эту идею, как только его тёща однажды заговорила об этом. Будучи тогда ярым противником «материализма» (который, по его словам, с тех пор несколько померк), он также никогда не считал возможным коллекционировать старых мастеров, полагая, что все они «обязательно должны быть в музейных коллекциях».

Ужин в 2003 году, где Каплан сидел рядом с сэром Норманом Розенталем, тогдашним секретарём по выставкам в Королевской академии художеств, изменил его мнение, когда его спросили, что бы он коллекционировал, если бы мог. Объясняя свои опасения по поводу коллекционирования старых мастеров — их редкость, недооценённость по сравнению с современным искусством и их почти навернякае включение в музейные коллекции, — Розенталь отметил, что, хотя это и нетипично, на самом деле это был хороший момент для изучения рынка и создания коллекции старых мастеров. Хотя Каплан завершил разговор, договорившись, что Розенталь сообщит ему, если услышит о продаже работы Геррита Доу, именно более глубокое понимание возможностей рынка искусства стало для него главным открытием.

«Важнейшей частью этой беседы было то, что сэр Норман ясно дал понять: то, что я люблю, действительно доступно».

Томас Каплан. Фото: Пол Лер.

Создание коллекции

Вскоре после этого разговор Каплана с Розенталем привел к его первому приобретению картины Доу «Портрет Дирка ван Берестейна» (ок. 1652 г.), через дилера, что ознаменовало его первый выход на рынок старых мастеров. Опыт работы с различными дилерами за последние 20 лет стал основой его деятельности на рынке искусства, и именно эти отношения он считает ключевыми для формирования своей коллекции. Важную роль сыграли Отто Науманн, Саломон Лилиан и Джонни ван Хафтен, ставшие «ближайшими соратниками и советниками» Каплана.

«Именно благодаря преданности и упорству дилеров я получил доступ к этим картинам и сумел так быстро и интенсивно расширить коллекцию», — говорит он, приобретая в среднем по одной картине в неделю в течение пяти лет.

Предпочитая частные продажи, Каплан также приобретает работы на аукционах, но и там он полагается на отношения, которые он выстроил с дилерами, помогая им участвовать в торгах или лично осматривать работы, когда у него нет возможности сделать это.

В процессе приобретения работы Каплан позволяет себе руководствоваться тем же чувством, которое он испытывал в шестилетнем возрасте, рассматривая Рембрандта: мгновенной связью.

«Я серьёзный и очень увлечённый человек. Когда меня интересует картина, я отдаюсь ей полностью и сразу же говорю об этом дилеру».

После того судьбоносного ужина в 2003 году Каплан и его жена Дафна собрали обширную коллекцию голландской живописи XVII века. Коллекция, удачно названная «Лейденской коллекцией» в честь места рождения Рембрандта, включает в себя более 250 картин и рисунков некоторых из величайших художников того времени.

В центре коллекции – Рембрандт, его окружение в Лейдене и Амстердаме, а также художники, связанные с мастером различными путями. В её основе – важнейшее собрание работ мастера, находящееся в частных руках, – находятся семнадцать картин и два рисунка Рембрандта, охватывающие весь его творческий путь.

В коллекции представлены работы таких художников, как Доу, Франс Хальс, Ян Ливенс, Франс ван Мирис и уникальные работы в частной коллекции – Вермеер и Фабрициус – исследуют уникальное влияние Рембрандта на своих коллег XVII века.

Вдохновленный прежде всего красотой, которую он видит в работах этих художников, Каплан также объединяет изображение человеческой фигуры – основными направлениями коллекционирования Каплана являются историческая живопись, портретная живопись и жанровые сцены.

«Мы не коллекционируем натюрморты, пейзажи или морские пейзажи. Я ценю их, но для нас главное – это взаимодействие с людьми в искусстве».

Рембрандт ван Рейн, Минерва в келье, 1635. Холст, масло. 138 x 116,5 см (54,3 x 45,9 дюйма). Лейденская коллекция, в настоящее время представлена на выставке «Рембрандт и его современники». Выставка «Историческая живопись из Лейденской коллекции» в Эрмитаже, Амстердам, до 27 августа 2023 года. Предоставлено Лейденской коллекцией.

Страсть и миссия

Коллекционирование Каплана обусловлено не только его личной страстью к голландским старым мастерам. С самого начала у него была вполне конкретная цель. Капланы никогда не жили с приобретёнными картинами, вместо этого создавая то, что Каплан называет «библиотекой выдачи», предоставляя произведения искусства государственным учреждениям для специальных выставок или в долгосрочную аренду для их постоянных коллекций.

«Меня раньше спрашивали, как я не могу жить с одним из наших Рембрандтов», — говорит Каплан.

«Для нас вопрос стоял бы наоборот: как мы можем жить с Рембрандтом?

Мне нравится видеть репродукцию и то, что они у нас есть. Но гораздо большее удовольствие я получаю от осознания того, что их видит широкая публика».

Он помнит момент, когда он обрёл уверенность в этом решении всего через год после начала коллекционирования.

«Мы предоставили нашу картину Ливенса «Мальчик в плаще и тюрбане» (ок. 1631 г.) Музею Гетти по случаю симпозиума. Я прилетел в Лос-Анджелес, чтобы принять участие в мероприятии, и, когда я посещал выставочный зал, где была выставлена картина, туда забрела группа молодых студентов. Одна девушка зациклилась на мальчике, в то время как её однокурсники уже ушли. Эта связь была очевидна; она была захватывающей. Я сказал куратору: «Теперь я понял: теперь мы будем предоставлять только наши картины».

Каплан и его жена оставались анонимными арендаторами для музеев до 2017 года. В том же году они запустили онлайн-каталог Лейденской коллекции, предоставляя углублённый научный анализ всей своей коллекции, а также международную выставочную программу, посвящённую лучшим работам из коллекции, в музеях Парижа, Пекина, Шанхая, Москвы, Санкт-Петербурга и Абу-Даби. Капланы стали активнее говорить об искусстве, которым они так восхищались. Чего он хотел добиться с помощью коллекции, Каплан объясняет:

«Для того, чтобы люди поняли непреходящую красоту и значимость голландского искусства XVII века».

Более конкретно, он стремится проповедовать глубокую веру в то, что Рембрандт является самым важным и влиятельным художником всех времён.

«Я не так сильно зацикливаюсь на Рембрандте как на личности; меня интересует влияние его творчества: его манера письма, его использование красок, его отказ от многих классических условностей в том, как выразить внутреннюю жизнь человека, то, что, по его мнению, составляет красоту. Уже считавшийся революционером своего времени, Рембрандт дал художникам возможность оставаться верными себе», — делится он.

«Превращение его живописи из строгой и изящной в почти абстрактную и экспрессионистскую, к концу жизни, — именно эта дуга проложила путь таким корифеям, как Гойя, Тёрнер, Делакруа, Ван Гог, Пикассо и Фрэнсис Бэкон, а также современным художникам, таким как Дженни Сэвилл или Цзэн Фаньчжи».

Каплан также видит ещё более важную миссию в искусстве, которая в равной степени лежит в основе коллекции и международных выставок.

«Мы стремимся использовать творчество Рембрандта для наведения мостов между людьми и культурами; красота его работ напоминает нам о том, что нас объединяет».

Йоханнес Вермеер, «Молодая женщина, сидящая за вёрджинелем», ок. 1672–1675 гг. Масло, холст. 25,5 x 20,1 см (10 x 7,9 дюйма). Лейденская коллекция. Предоставлено Лейденской коллекцией.

Капланы продолжают коллекционировать, но с меньшей интенсивностью, чем в первые пять лет своего пути.

«Мы используем возможности, чтобы заполнить пробелы в том, что можно назвать коллекцией исследований», — говорит Каплан.

Каплан обращается к любому новому энтузиасту старых мастеров, стремящемуся выйти на художественный рынок, и напоминает ему о том, что было ключевым в его собственном коллекционировании: выстраивании тесных отношений с арт-дилерами.

«Мой совет молодому коллекционеру — начать с дилера, с которым можно установить личный контакт. Объясните ему, что вы любите, вместе с ним подумайте, чего вы хотите достичь, и позвольте ему стать вашим проводником на арт-рынке».

Исламское керамическое мастерство передало секрет люстрового фарфора в Испанию и вдохновило итальянскую майолику

admin — Wed, 19 Nov 2025 17:11:36 GMT

Итальянская майолика с её ослепительными цветами и замысловатым узором — одна из самых прославленных форм декоративно-прикладного искусства эпохи Возрождения. Но путь, приведший к развитию этой яркой керамической традиции, начался задолго до того, как она достигла Апеннинского полуострова. Её истоки лежат в исламском мире, в частности, в Ираке, Иране, Месопотамии, а позднее — в Египте и Сирии. В Европу он попал через Испанию, где впервые была усовершенствована техника производства блестящей, покрытой металлом керамики, известной как люстровая керамика. Влияние испанской люстровой керамики на более позднюю итальянскую майолику неоспоримо: её техники и визуальные мотивы сыграли ключевую роль в формировании и развитии итальянского стиля, особенно заметного в эпоху Возрождения. Вместе эти две керамические традиции представляют собой захватывающий обмен культурами, художественными формами и творческими технологическими инновациями.

«Люстровая керамика, вероятно, попала в Испанию в раннем средневековье с миграцией мусульманских мастеров и начала процветать как вид искусства в XIII и XIV веках», — говорит Диана Любер, руководитель отдела исламского и индийского искусства в лондонской галерее Sam Fogg, специализирующейся на искусстве европейского Средневековья.

«Это привело к появлению крупных центров производства в Малаге, Валенсии и Манисесе, где гончары начали воспроизводить сложное ремесло люстровой керамики».

Этот специализированный метод включал использование глазурей на основе оксидов металлов, известных как люстр, которые создавали переливающиеся на свету покрытия, объясняет Любер:

«Эта техника требовала многократного обжига в разных печах, в частности, в кислородно-восстановительной печи, которая позволяла люстровым оксидам закрепиться на керамическом сосуде».

Эти декоративные изделия, часто украшенные геометрическими и цветочными мотивами, высоко ценились за красоту и отражающую поверхность, «кажущуюся волшебной или непостижимо чудесной», добавляет Любер. Испанская люстровая керамика быстро распространилась с Пиренейского полуострова по Средиземноморью как востребованный товар, и к концу XV века она оказала влияние на керамические технологии по всей Европе, и особенно в Италии.

«Мусульманские гончары в таких городах, как Малага, а позднее Манисес, разработали свои собственные, отличительные стили люстровой керамики, но исламская эстетика сохранялась, например, в псевдоарабских надписях на некоторых сосудах, а также в завитках растительных мотивов и абстрактных формах, украшающих эти изделия».

Люстровая чаша с крылатым конем (ок. XII века), изготовлена в Иране. Метрополитен-музей. Фонд Регерса, 1916 год.

Ваза с ручкой (ок. XVI века), изготовлена в Манисесе, Валенсия, Испания. Метрополитен-музей. Коллекция Клойстерс, 1956 год.

С начала XV века эти керамические изделия стали импортироваться в Италию и приобретаться правящими семьями региона.

«К XVI веку итальянские гончары уже экспериментировали и пытались воспроизвести эти испанские новшества, адаптируя их к своему собственному художественному вкусу», — объясняет антиквар Камиль Лепренс, чья галерея посвящена европейской керамике.

В Италии термин «майолика» начал заменять термин «люстровый фарфор», хотя суть техники оставалась практически неизменной.

«Слово «майолика» относится к оловянной глазури, впервые появившейся в итальянском регионе Тоскана», — отмечает Лепренс. «Сочетание испанской блестящей глазури и итальянской адаптации оловянного фарфора привело к появлению разновидности яркой, блестящей и красочной керамики, которой сегодня известна майолика эпохи Возрождения».

Переход от люстрового фарфора к майолике подразумевал не только технический сдвиг — это была эволюция функции и формы. В Испании люстровый фарфор использовался в основном в декоративных целях. Однако «итальянские мастера начали воплощать этот блеск в самых разных предметах», – объясняет Лепренс, – «от аптечных сосудов – одних из самых ранних образцов майолики, часто заказываемых аптекарями и отличающихся геометрическими узорами, цветочными композициями и яркими цветами, – до декоративной керамики, часто украшенной изысканной гуманистической иконографией, которую могли оценить прославленные умы придворных знатных покровителей в их студиях» – небольших богато украшенных помещениях в знатных дворцах, предназначенных для созерцания.

Вероятно, мастерская Джакомо Манчини (Эль Фрате), аптечный сосуд (Альбарелло), 1573 год. Музей «Метрополитен».

«Глазури, использованные в ранних образцах итальянской майолики, находились под сильным влиянием испанских люстровых технологий», — говорит Лепренс, и в обоих случаях использовались «кобальтово-синий, медно-зелёный, сурьмяно-жёлтый и марганцево-коричневый лаки», — добавляет Любер.

Помимо цветных лаков, использование серебряного или медного люстра придавало керамическим изделиям золотистый или рубиново-красный блеск.

«Считается, что в исламском мире металлический блеск ассоциировался с понятием «аджаб» или «чудо», из-за внушающего благоговение вида мерцающих поверхностей», — говорит Любер.

Более того, майоликовые керамические изделия завершались только во время окончательного обжига, который формировал характерную высокоглянцевую глазурь, известную как коперта:

«Коперта придавала керамике насыщенный, почти зеркальный блеск, благодаря которому она выглядела как новая даже спустя столетия, – качество, которое определяло производство майолики на протяжении поколений», – отмечает Лепренс.

Хотя влияние испанской люстровой керамики оставалось очевидным, Лепренс отмечает, что к XVI веку «итальянская майолика приобрела уникальную самобытность». В это время «майолика превратилась в более изысканную и интеллектуально развитую форму искусства», особенно в мастерских Венеции и других итальянских центров, таких как Перуджа, Урбино и Губбио.

Исторические, мифологические и философские темы, популярные в Италии эпохи Возрождения, нашли отражение в керамике, «превращая её из простых функциональных предметов в сложные произведения искусства», – говорит Лепренс.

Стиль «Историато», «особенно плодотворный в регионе Умбрия», объясняет Лепренс, развивая эрудированную форму расписной повествовательной керамики и став известным живописным подходом этого периода.

«Часто изображая сцены из классической мифологии, исторических личностей или Библии, декор этих керамических изделий требовал тщательного внимания к деталям и художественной точности».

Однако Венеция, будучи ключевым центром производства в Венето, приобрела и другие отличительные черты, связанные с близостью к Ближнему и Дальнему Востоку.

«Мастера майолики работали в непосредственной близости от муранских стеклодувов, которые, в свою очередь, испытывали влияние узоров, которые они видели на импортном китайском фарфоре, поступавшем по пути торговли шёлком», — отмечает Лепренс, — «в результате чего производство венецианского региона стало самобытным и стало частью мирового контекста, который, несомненно, представляет собой перекрёсток культур».

Никола да Урбино или Кастель Дуранте, гербовая пластина: Силен на осле, поддерживаемый вакхическими гуляками, ок. 1520–1525 гг. Музей Метрополитен. Коллекция Роберта Лемана, 1975 г.

По мере развития майолики в Италии её привлекательность вышла за рамки функциональности, превратившись в предмет статуса и престижа. Такие семьи, как Медичи во Флоренции, Фарнезе в Риме и Монтефельтро в Урбино, использовали майолику в повседневной жизни, а чаще всего – для демонстрации своего богатства и интеллектуального уровня.

Большие буфеты, заполненные искусно расписанными тарелками и блюдами, стали центральным элементом аристократических домов, особенно в столовых знатных правящих итальянских семей.

«Знатные покровители заказывали целые сервизы из люстровой посуды для своих домов», – отмечает Любер.

«Эти прекрасно сохранившиеся керамические изделия часто имеют просверленное отверстие в верхней части, что говорит о том, что они выставлялись на стене, как было модно в то время.

В живописи эпохи Возрождения и на иллюстрациях к рукописям мы часто видим люстровые блюда и кувшины, изображённые в шкафах коллекционеров или на сценах внутренних покоев и жилых помещений, что указывает на то, что это были ценные произведения, хранившиеся и ценившиеся в важных ранних коллекциях».

Люстровая керамика «представляет собой захватывающее сочетание культурных традиций и художественного мастерства», — говорит Любер, а майолика «заключает в себе красоту предмета, которая никогда не выцветает, и после обжига цвета остаются неизменными, в отличие от картин старых мастеров», — поддерживает Лепренс. Связывая традиции, хотя и различные, с более широкой историей европейской керамики, истории люстровой керамики и майолики переплетаются, создавая увлекательный творческий диалог и обмен культурами.

Грейс Бьянчарди

Люстровая керамика — это керамика, покрытая специальной глазурью (люстром), которая после обжига придает изделию металлический, перламутровый или радужный блеск. Люстр представляет собой особую краску или пигмент на основе металлов, который наносится на глазурованную поверхность и при низкотемпературном обжиге создает на поверхности тонкое покрытие с ярким блеском.

    Люстр: Это французское слово, означающее «глянец» или «блеск».
    Состав: Люстровые краски содержат органические лаки и специальные соединения металлов, таких как серебро, медь, олово и свинец.
    Процесс: После нанесения на обожженную глазурованную поверхность, люстр подвергается низкотемпературному обжигу. В результате органические компоненты сгорают, а на поверхности остается тончайшее металлическое или металло-оксидное покрытие.

79-й Антикварный маркет «Блошинка» 25-26 октября 2025

Блошинка — Tue, 14 Oct 2025 09:22:31 GMT

79-й Антикварный маркет «Блошинка»
25-26 октября 2025
12:00 - 19:00
Культурный центр «ДОМ»
Москва, Большой Овчинниковский пер., д. 24, стр. 4.
м Новокузнецкая.
Вход свободный

Хотите погрузиться в атмосферу европейского блошиного рынка? Мечтаете пополнить коллекцию раритетом? Задумали найти милую вещицу, которая ярко напомнит о детстве? Всем этим сможет порадовать гостей 72-й Антикварный маркет «Блошинка», который пройдет 25-26 октября 2025 в историческом центре Москвы, рядом с м Новокузнецкая.

Вас ожидает удивительное путешествие во времени, в котором можно не только увидеть, но и прикоснуться к предметам, которые прошли через века. Богатые коллекции антикварных и винтажных вещей покажут нам красоту и стиль разных эпох.
Не упустите шанс окунуться в мир уникальных находок, соприкоснуться с историей и обрести сокровища, которые будут радовать вас и ваших потомков. Присоединяйтесь к нам на Антикварном маркете «Блошинка» и позвольте прошлому ожить в настоящем!

Среди участников маркета: частная коллекция «Хрустальный замок», частная коллекция «Эребру-винтаж» (Швеция), частная коллекция «Ножи и утки», частная коллекция Натальи Боринец, Арт студия XIII, проект «Мировая этника», частная коллекция «Золотой Орион», частная коллекция «Александра» (Франция), частная галерея « и многие другие.

Контакты организаторов:
тел: +7(926)2156858 e-mail: retrobloshinka@mail.ru
Сайт http://bloshinkamarket.ru/
Странички Антикварного маркета «Блошинка» в соцсетях:
https://vk.com/bloshinka_market
https://t.me/bloshinkamarket

Как ИИ помогает оценить картину самостоятельно и достоверно

admin — Mon, 08 Sep 2025 23:17:43 GMT

Чтобы понять, сколько стоит картина, как правило, нужно идти к эксперту: арт-дилеру, аукционисту или коллекционеру с многолетним стажем. Их слово почти закон, но зачастую субъективно, зависимо от связей, настроения рынка или даже личных предпочтений.

Сегодня всё меняется: искусственный интеллект позволяет любому человеку, от новичка до опытного инвестора, получить объективную, основанную на данных оценку произведения искусства. Просто открыв приложение или зайдя на сайт.

Где это проверить на практике?

На рынке уже появились компании, которые не просто говорят о возможностях ИИ, а реально используют его для оценки, анализа и даже торговли искусством.

LiveArt — это не просто маркетплейс, а целая экосистема, где ИИ работает как ваш личный финансовый советник в мире искусства. Их система, LiveArt AI Agent, анализирует миллионы сделок: данные аукционов, частных продаж, цифровых активов и блокчейн-транзакций в режиме реального времени. Он не просто отслеживает тенденции, он прогнозирует их, предоставляя вам информацию, которая поможет вам оставаться впереди на рынках искусства, роскоши и криптовалют. Помогает не только оценить стоимость, но и спрогнозировать, когда лучше покупать или продавать. Более того, платформа позволяет дробить владение картиной на токены, то есть инвестировать в шедевр, как в акции.

Limna — почти арт-критик. Вы открываете приложение, вводите имя художника и размеры картины и получаете оценку. Система опирается на базу данных ArtFacts, которая знает всё о более чем 800 тысячах художников и миллионах выставок. Особенно круто, что Limna может оценить даже тех авторов, у кого ещё нет аукционной истории, то есть найти скрытые жемчужины до того, как их заметит рынок.

ArtSleuth — анализирует саму технику исполнения: мазки, композицию, стиль, чтобы не только оценить стоимость, но и определить подлинность. Может ли алгоритм отличить Рембрандта от подделки? ArtSleuth утверждает, что да.

Art Price Explorer — чат-бот, с которым можно на русском «поговорить» о картине, как с консультантом. Ввёл данные и получил цену, основанную на рыночных трендах и исторических продажах. Чтобы получить максимально точный диапазон цены, нужны детали: художник (если известен), название работы, год создания, техника и материалы, размер, история (участвовала ли в выставках, была ли опубликована, есть ли подтверждённое происхождение).

Зачем это нужно инвесторам?

Искусство давно перестало быть просто хобби богатых. Это полноценный инвестиционный актив, как недвижимость или акции. Но в отличие от фондового рынка, где всё можно посчитать, арт-рынок всегда был туманным.

ИИ делает рынок прозрачнее.

Больше не нужно верить на слово эксперту. ИИ анализирует тысячи фактов: сколько раз художник выставлялся, кто его покупал, как росли цены, какие галереи его поддерживают. Это цифры, а не мнения.

ИИ открывает новые имена, умея находить закономерности. Например, молодой художник из провинции, у которого нет аукционных продаж, но есть активность в галереях, упоминания в СМИ и рост числа подписчиков, ИИ может предсказать, что его звёздный час близок.

Участие в биеннале, публикации в каталогах, коллаборации с музеями — всё это теперь можно перевести в конкретные коэффициенты влияния на цену. Инвестор видит не «это круто», а «это добавляет 15% к капитализации».

Для многих фондов и коллекционеров важно не только, сколько картина принесёт денег, но и какую миссию несёт художник. ИИ умеет анализировать участие в социальных проектах, политическую активность, экологические инициативы.

Можно увидеть не просто нынешнюю цену. но и сценарий развития цены. Вместо вопроса «Сколько стоит?» вы получаете ответ: «Сейчас $10 000, через год, с вероятностью 70%, $15 000, если художник попадёт на Венецианскую биеннале». Плюс рекомендации: когда покупать, как застраховать, стоит ли включать в портфель.

Мы видим, как ИИ добавляет логику к романтике искусства. Теперь коллекционирование — это не только страсть, но и стратегия. Вы можете любить картину за эмоции, но покупать её за цифры, а продавать в нужный момент, рассчитанный алгоритмом.

Это переход от «мне нравится» к «это выгодно». От интуиции — к прогнозу и открытому рынку. И те, кто начнёт использовать ИИ-инструменты сегодня, завтра окажутся на шаг впереди остальных.

Тайбэйская биеннале

admin — Mon, 01 Sep 2025 14:45:05 GMT

Джун Бальтазар и Пьер Поуз, видеоинсталляция выполнена по заказу часового дома Hermès. Бьенн, Швейцария. Апрель 2020.

Тайбэйская биеннале - самая важная выставка в области продвижения современного искусства, проводимая Тайбэйским музеем изобразительных искусств (TFAM).

В целях популяризации современного искусства, начиная с 1984 года и до 1991 года, Тайбэйский музей изобразительных искусств поочередно проводил выставочные проекты "Тенденции современного искусства в Республике Корея" и "Выставка современной китайской скульптуры в Китайской Республике". В 1992 году эти две выставки были объединены в "Тайбэйскую биеннале современного искусства", которая стала предшественницей известной сегодня Тайбэйской биеннале.

В первые годы существования выставки художники, участвовавшие в ней, отбирались путем открытого судейства. В 1996 году шесть тайваньских художников и ученых были приглашены курировать выставку, проводимую раз в два года. После 1996 года, чтобы адаптироваться к международной тенденции проведения биеннале и добиться международного признания современного искусства Тайваня, TFAM начал приглашать всемирно известных кураторов к сотрудничеству с местными тайваньскими кураторами, что стало первым случаем проведения международной художественной биеннале на Тайване. Выставки, проведенные за последнее десятилетие, повысили узнаваемость современного искусства Тайваня на мировой арене, а также вовлекли Тайвань в азиатскую и глобальную международную художественную сеть.

Биеннале расширило художественное видение Тайваня, его профессиональные возможности в организации выставок и его освещение в международных средствах массовой информации. Биеннале в Тайбэе стало главным символом развития современного искусства Тайваня и международного художественного обмена.

Шепот на горизонте: 14-я выставка художников Тайбэйской биеннале

Биеннале в Тайбэе 2025 "Шепот на горизонте" пройдет с 1 ноября 2025 г. по 29 марта 2026 г. объединяет 54 художника из 35 городов мира. На выставке, организованной Сэмом Бардауем и Тиллем Фелратом, представлены 33 недавно заказанные работы и инсталляции, ориентированные на конкретные места, которые тесно связаны с уникальной архитектурой и контекстом музея. Биеннале в Тайбэе в 2025 году привлечет молодых художников и художников среднего звена, причем почти половина участников родились после 1984 года.

Многослойная история Тайваня, отмеченная колониальным правлением, сменой идентичностей и политическими преобразованиями, является фоном для проведения биеннале в Тайбэе в 2025 году. "Шепот на горизонте" исследует понятие страстного желания, расширяя его за рамки простого желания и превращая в нечто более стойкое, неразрешимое и глубоко укоренившееся в человеческой природе.

Тоска - это сила, которая простирается сквозь время и географию. Это боль по утраченным домам и забытым историям, тихое влечение к будущему, которое никогда полностью не наступит. Это не просто ностальгия и не надежда — она существует где-то посередине, в подвешенном пространстве, где сталкиваются прошлое, настоящее и будущее. В "Шепотах на горизонте" прослеживается это стремление, проявляющееся в личных рассказах и коллективной памяти, резонирующее между реальностью и иллюзией, принадлежностью и перемещением, постоянством и исчезновением.

Источником вдохновения для выставки послужили три литературных и кинематографических объекта, созданных на Тайване, которые несут в себе историю тоски:

        Кукла – из фильма Хоу Сяо-Ся "Кукловод" (1993), полубиографического рассказа о жизни тайваньского кукловода Ли Тянь-лу во времена японского колониального господства.
        Дневник – отрывок из рассказа Чэнь Инчжэня "Мой младший брат Кансюн" (1960), повествующего о стремлениях и борьбе молодого человека, совершившего самоубийство на политически неспокойном Тайване.
        Велосипед – из романа У Мин И "Украденный велосипед" (2015), где сын ищет следы своего отца с помощью потерянного предмета и в процессе оказывается втянутым в историю Тайваня военного времени.

Хотя эти предметы физически не представлены на выставке, вместо этого они выступают в качестве молчаливых маркеров памяти, олицетворяя то, что было утрачено, взято или оставлено позади. Они напоминают нам о том, что тоска связана как с отсутствием, так и с присутствием, с тем, что мы ищем и что уже носим в себе.

На выставке "Шепот на горизонте" современные работы вступят в диалог с картинами начала 20-го века из коллекции Музея изобразительных искусств Тайбэя, включая работы Чэнь Ченпо, Чэнь Чин и Чэнь Чи—Чи. Кроме того, участники биеннале будут черпать вдохновение из экспонатов Национального дворцового музея. Это придает значению тоски дополнительное историческое измерение и культурную глубину, напоминая нам о том, что тоска - это не просто эмоциональное переживание, но и отголосок времени, сохранившийся в красках и фарфоре, в изящных мазках кисти и в предметах, которые выходят за рамки границ и поколений. Они служат визуальными и концептуальными мостами, напоминая нам о том, что тоска не привязана к настоящему; она отражается эхом в веках, несмотря на культурные сдвиги и политические потрясения.

Хотя эта выставка начинается на Тайване, ее тематика выходит далеко за его пределы. "Шепот на горизонте" напоминает нам о том, что тоска универсальна, она присутствует в каждой культуре и эпохе. Это боль миграции, тоска по дому, поиск идентичности, жажда будущего, которое еще только предстоит раскрыть. Тоска на биеннале в Тайбэе не является ни статичной, ни разрешенной. Она движется, хрупкая, но стойкая, невидимая, но глубоко ощутимая.

Шепот на горизонте не закрывает двери, он не дает ответов. Вместо этого он живет в пространстве между памятью и воображением, между тем, что было, и тем, что могло бы быть. Он не разрешает. Он шепчет.

Гертруда Вандербильт Уитни: скульптор, коллекционер, основатель музея

admin — Mon, 01 Sep 2025 13:51:30 GMT

Гертруда Вандербильт Уитни, основатель музея Викисклад, Музей американского искусства Уитни

В иерархии влиятельных женщин-коллекционеров за всю историю искусства Гертруда Вандербильт Уитни (1875-1942) занимает первое место. Выдающийся скульптор, основательница одноименного дома Вандербильт Уитни, ныне Нью–Йоркский музей американского искусства Уитни. Создание музея стало ее ответом на глубокое неприятие женщин-художниц, особенно для тех, кто считал себя серьезными профессионалами в конце 19-го и начале 20-го века.

Несмотря на отсутствие поддержки со стороны своей семьи и мужа Гарри Пейна Уитни, она продолжала свою карьеру художницы. И когда в 1929 году Музей искусств Метрополитен отклонил ее предложение о передаче в дар почти 700 произведений искусства из ее коллекции, Гертруда Уитни не растерялась. В ответ на этот отказ она основала Музей американского искусства Уитни для размещения и презентации этих работ, открыв его для публики в 1931 году.

Причиной отказа Метрополитен-музея от столь щедрого предложения, которое, как ни странно, включало финансирование строительства здания для демонстрации произведений искусства, было то, что они “собирали только европейское искусство”. В первые десятилетия 20-го века американское искусство считалось провинциальным и недостойным признания музея. Цель недавно основанного музея Уитни - приобщиться к модернизму, особенно американскому, привела к переносу центра мирового искусства из Парижа в Нью-Йорк.

Она родилась в богатой семье в Нью-Йорке в 1875 году, и ее детство прошло в особняке Вандербильтов на 5-й авеню и в “Брейкерс”, великолепном семейном летнем доме на Золотом побережье Род-Айленда. В 1888 году известный прерафаэлит изобразил Гертруду в возрасте 13 лет, у художника Джона Эверетта Милле (1829-1896) мы видим молодую женщину в длинном белом платье. Ее стоическое выражение лица говорит нам о том, что она на мгновение смирилась с тем, что является объектом живописи, а не создателем произведений искусства.

Уже тогда Гертруда выражала сильную тягу к творчеству, рисуя в своих личных дневниках. Она продолжила изучать искусство в Европе и в Лиге студентов-искусствоведов в Нью-Йорке. Ее состояние значительно выросло после того, как в возрасте 21 года она вышла замуж за Гарри Пейна Уитни, богатого бизнесмена, который разбогател на банковском деле, нефти и табаке. У них родилось трое детей.

В начале своей карьеры скульптора Уитни работала под псевдонимом. Она справедливо полагала, что ее положение богатой светской львицы будет использовано против нее. Она также понимала, что к мужчине относились бы более серьезно как к художнику, и что, хотя ее богатство давало ей определенную свободу, это была палка о двух концах. Ее бы раскритиковали, если бы она брала заказы на скульптуру, когда другие художники были более нуждающимися, но также обвинили бы в подрыве рынка, если бы она работала бесплатно.

Несмотря на эту дилемму, она создала успешные публичные художественные работы на международном уровне, в том числе мемориал на Митчел-сквер во время Первой мировой войны в Нью-Йорке, мемориал Титанику в Вашингтоне, округ Колумбия, и "Три грации" в Университете Макгилла в Монреале, Квебек. Она также участвовала в многочисленных персональных и групповых выставках, на которых демонстрировались небольшие фигуративные работы, созданные в основном в ее парижской студии.

Первой картиной, попавшей в частную коллекцию Гертруды Уитни, был портрет, написанный по заказу американского художника-реалиста Роберта Генри (1865-1929) в 1916 году. Генри стал видным лидером Ашканской школы, группы американских художников, которые отвергли импрессионизм и академическую работу и приняли суровые реалии городской жизни. Полулежащая в позе, напоминающей “обнаженную Олимпию” Мане, эта муза была одета в ярко-зеленые "штаны", необычные для женщины ее положения в обществе в то время. Она обладает самообладанием, она совершенно современная женщина. Верный себе, ее муж не позволил бы повесить эту картину в их доме.

Коллекция музея Уитни на данный момент насчитывает более 26 000 работ, созданных более чем 4000 американскими художниками в двадцатом и двадцать первом веках.

К 1916 году Гертруда Уитни основала студию в Гринвич-Виллидж, которая стала предшественницей музея. Она стала важным местом проведения выставок нового американского искусства. Биеннале Уитни - одна из самых ожидаемых выставок современного искусства в Нью-Йорке, ежегодное мероприятие, неизменно вызывающее споры.

Учитывая нынешнюю нестабильность арт-рынка, предстоящая биеннале, открытие которой запланировано на март 2026 года, несомненно, привлечет внимание и вызовет бурные дискуссии, как того и хотела бы Гертруда Вандербильт Уитни.

Коллекционеры приспосабливаются к рекордным ценам на золотые монеты

admin — Mon, 01 Sep 2025 13:14:39 GMT

В 2025 году цены на золото побили все рекорды, недавно превысив отметку в 3340 долларов за унцию, что почти на 950 долларов больше, чем год назад. Множество факторов привели к тому, что цены на золотые слитки достигли небывалых высот: непрекращающиеся покупки центральными банками, глобальная экономическая нестабильность, девальвация валюты и продолжающаяся тенденция дедолларизации. Для коллекционеров монет, нумизматов и инвесторов в драгоценные металлы эти новые максимумы коренным образом изменили динамику рынка золотых монет.

Центральные банки по всему миру, особенно в Китае, Казахстане, Турции и Польше, вкладывают деньги в золото рекордными темпами. По данным Heraeus и Kitco, в мае 2025 года центральные банки увеличили чистый объем закупок на 20 тонн, продолжив трехлетнюю тенденцию к ежегодным закупкам, превышающим 1000 тонн. Более 95% опрошенных центральных банков ожидают дальнейшего роста мировых запасов золота. Это серьезный сдвиг: золото обогнало евро в качестве второго по величине резервного актива в мире, а доля доллара в мировых резервах упала до самого низкого уровня с 1994 года.

Торговые войны, эскалация тарифов и санкции — особенно между США и Китаем — привели к высокой волатильности и страху на мировых рынках. Каждая новая волна тарифов совпадала с резким ростом цен на золото и спроса на него, поскольку инвесторы искали активы-убежища.

Мировые инвесторы и центральные банки обращаются к золоту как к средству сбережения. В 2024 году доля доллара в мировых резервах сократилась с 72% в 2002 году до 57,8% в 2024 году. Объем вложений в золото в частных портфелях в Азии вырос более чем в два раза по сравнению с предыдущим годом. Азиатские инвесторы резко увеличивают свои вложения в золото, часто за счет наличных денег или акций. В Гонконге и материковом Китае вложения в золото утроились, и в настоящее время в частных портфелях находится 11-15% их активов в драгоценных металлах. Между тем, продажи золотых слитков и монет в США достигли пятилетнего минимума. В связи со снижением премий на Западе некоторые золотые монеты (в первую очередь американские орлы и буйволы) экспортируются в Азию, где спрос и премии остаются более высокими.

Поскольку Федеральная резервная система сигнализирует о более медленном, чем ожидалось, снижении процентных ставок, несмотря на то, что инфляция упорно превышает 3%, золото остается привлекательным как высокодоходный актив, устойчивый к инфляции. J.P. Morgan прогнозирует, что цена на золото может достичь 4000 долларов за унцию к середине 2026 года, если эти тенденции сохранятся.

Реалии дилерского рынка

● Более жесткая маржа: По мере роста спотовых цен дилеры вынуждены снижать свои наценки (премии) на монеты в слитках, чтобы оставаться конкурентоспособными. Для покупателей это означает, что наценка на монеты массового спроса, такие как "Американский золотой орел", "Крюгерранд" или "Филармония", превысила номинальную стоимость. Тем не менее, общие затраты выше, чем когда-либо.

● Больше продавцов: Согласно интервью CoinWeek с Доном Кагином, более высокие цены на золотые монеты привлекают на рынок больше продавцов. Дилеры отмечают, что “стопки монет становятся все меньше”, что означает, что продается все меньше монет, поскольку коллекционеры придерживают свое золото, ожидая еще более высоких цен или не решаясь расстаться с долгосрочными запасами по новой, более высокой цене.

● Покупатели, у которых “мышечная память” на более низкие цены на золото, проявляют осторожность или откладывают покупки. Тем не менее, новые покупатели, особенно напуганные инфляцией, продолжают выходить на рынок.

● Некоторые коллекционеры, давно занимающиеся коллекционированием, теперь являются чистыми продавцами, наживаясь на историческом росте продаж золота. В то же время дилеры сообщают об увеличении оптовых закупок для удовлетворения розничного спроса.

Реалии нумизматики

● Монеты с ограниченным тиражом и монеты-пробки: высокие спотовые цены оказывают комплексное воздействие. Они увеличивают базовую стоимость чеканки и распространения новых монет, часто сокращая количество покупателей премиум-класса, готовых платить за современные нумизматические монеты (такие как американские золотые гранки Buffalo Proofs, гранки испанского монетного двора или памятные монеты Королевского монетного двора).

● Усталость коллекционеров: некоторые изделия монетного двора США распродаются сразу после выпуска, в то время как другие задерживаются, а покупатели колеблются из-за высокой стоимости. Премии за переплавку снизились, особенно за современные пробные и памятные золотые монеты.

● “Зона златовласки”: Как отмечает Дон Кагин, золото стоит достаточно дорого, чтобы привлечь к себе внимание, но не настолько дорого, чтобы вытеснить с рынка большинство коллекционеров. Если цена на золото продолжит расти и достигнет 4000 долларов за унцию, это может создать новые проблемы для нумизматической индустрии, поскольку маржа снижается, и все меньше покупателей могут позволить себе “роскошные” золотые изделия.

● Высокий спрос на редкие монеты: В то время как современный рынок слитков и пробных монет испытывает трудности, спрос на редкие, винтажные и высококачественные монеты остается высоким. Качественные, свежие материалы, особенно золото США и мировые раритеты, изготовленные до 1933 года, по—прежнему пользуются высокой популярностью и часто опережают рост стоимости расплава.

● Институциональный интерес: Некоторые крупные дилеры и институциональные покупатели увеличивают свои закупки, рассматривая редкие монеты как инструмент диверсификации в рамках более широкого ассортимента драгоценных металлов.

Что ждет коллекционеров золотых монет дальше?

● Волатильность - это новая норма: если цена на золото удержится выше 3300 долларов или приблизится к 4000 долларов за унцию, как прогнозирует J.P. Morgan, ожидайте дальнейшего снижения дилерских премий и снижения маржи по современным программам выпуска золотых монет. Редкие монеты, имеющие реальную нумизматическую ценность, должны оставаться устойчивыми.

● Психология коллекционеров изменится: по мере того, как будут устанавливаться новые ценовые “привязки”, покупатели могут чувствовать себя более комфортно с четырехзначными ценами на золото - так же, как они чувствовали себя, когда цена впервые превысила 1000 или 2000 долларов. Этот переход может возродить интерес как к современным, так и к старинным золотым монетам, поскольку опасения по поводу инфляции сохраняются.

● Ключевую роль играют покупки центральными банками: Бычий рынок золота, вероятно, будет сохраняться до тех пор, пока центральные банки (особенно на развивающихся рынках) будут продолжать покупать золото. Следите за любыми изменениями в их поведении как за потенциальной точкой перегиба.

Практические советы коллекционерам и инвесторам

    Если вы собираете золотые слитки, ищите монеты с наименьшей премией, но помните, что колебания спроса и предложения могут привести к резкому скачку цен.
    Нумизматы, сосредоточьтесь на качестве и редкости, а не просто на снижении стоимости. По-настоящему редкие монеты продолжают демонстрировать лучшие результаты во время распродаж. Если вы продаете, то это сильный рынок, но не спешите с этим. Волатильность означает, что цены могут резко колебаться.
    Инвесторы, рассматривайте серебро и платину в качестве вторичных инструментов хеджирования, но помните, что золото по-прежнему играет ключевую роль в мировом спросе на активы-убежища.

Золото продолжает повышать мировые стандарты стоимости и стабильности. Для коллекционеров монет, нумизматов и инвесторов рекордно высокие цены на золото открывают как возможности, так и проблемы. Премии стали более высокими, покупатели - более осторожными, а продавцы - более стратегичными. Ясно одно: в мире неопределенности золотые монеты остаются важным средством сбережения и динамичной рыночной силой. Будьте бдительны, будьте в курсе событий и придерживайтесь гибких целей в области коллекционирования и инвестирования, поскольку рынок золота продолжает развиваться.

Коллекция виски стоимостью 150 миллионов долларов

admin — Tue, 26 Aug 2025 21:29:36 GMT

Нгуен Динь Тун Вьет (Việt) из Вьетнама является обладателем 20 мировых рекордов Гиннесса за свою коллекцию редких спиртных напитков стоимостью 150 миллионов долларов.

Мистер Нгуен Динь Тун Вьет добился того, чего не удавалось ни одному коллекционеру до него: он был занесен в Книгу рекордов Гиннесса в 20 различных категориях. Рекордные достижения делают его самым титулованным человеком в истории коллекционирования редких спиртных напитков. Среди 20 рекордов Вьета два выделяются как особо выдающиеся достижения на рынке коллекционирования: ему принадлежит рекорд по самой ценной в мире коллекции виски и рекорд по самой ценной в мире коллекции коньяка.

Коллекция мистера Вьета - это не просто собрание дорогих бутылок. Его коллекция представляет собой результат трех десятилетий методичного коллекционирования, в ходе которого были сохранены некоторые из самых редких когда-либо созданных флаконов. В его коллекции пять бутылок рекордного 60-летнего Macallan 1926 года, а также самые старые бутылки из четырех основных алкогольных напитков: виски, коньяка, арманьяка и рома. Это впечатляющее достижение, но не менее важно и то, что бутылки хранят историю дистилляции, которая в противном случае могла бы быть утрачена навсегда.

На первый взгляд они могут показаться просто бутылками виски, но на фото представлена целая серия виски Macallan Fine & Rare, коллекция Red и шесть бутылок, занесенных в Книгу рекордов Гиннесса.

Его коллекция виски оценивается в 150 миллионов долларов (113 миллионов фунтов стерлингов) и насчитывает более 1200 бутылок, в том числе легендарные бутылки золотой эры шотландской дистилляции 19-го и начала 20-го веков. Помимо того, что коллекция Macallan Fine & Rare является частью коллекции рекордсменов и включает в себя пять бутылок самого дорогого виски в мире, группа может похвастаться двумя полными вертикальными наборами Macallan Fine & Rare, выпущенными в период с 1926 по 2000 год.

Например, отдельные бутылки Macallan 1926 60-летней выдержки неоднократно становились рекордсменами по цене самых дорогих бутылок в мире, регулярно побивая свои собственные рекорды. Последнее издание Valerio Adami было продано на аукционе в 2023 году за более чем 2,8 миллиона долларов. Но чтобы приобрести две полноценные бутылки Fine and Rare, он должен также приобрести две бутылки Fine and Rare в ливрее 1926 года выпуска, которые сами по себе стоят от 1,5 до 2 миллионов долларов каждая. Пять бутылок Mr việt из этой рекордной серии представляют собой беспрецедентную концентрацию того, что многие считают святым граалем коллекционного виски.

Его коллекция коньяков оценивается примерно в 25 миллионов долларов (20 миллионов фунтов стерлингов) и состоит из 700 бутылок. Это может показаться скромным показателем по сравнению со стоимостью виски, но это не менее важно с точки зрения сохранности. Здесь представлен старейший в мире коньяк, а также другие чрезвычайно редкие сорта коньяка от самых престижных домов Франции. Многие из этих бутылок не выставлялись на публичные торги десятилетиями, если вообще когда-либо выставлялись.

Несмотря на то, что цифры легко ошеломляют, коллекции Вьета отличаются не только стоимостью. Считается, что некоторые из его бутылок являются последними сохранившимися образцами на Земле — бутылки, о существовании которых даже некоторые коллекционеры не подозревали. Он рассматривает каждое пополнение своей коллекции как исторический артефакт, а не как что-то чисто ценностное.

"Когда я держу в руках коньяк "Жюль Робен" 1696 года выпуска, я не просто держу бутылку — я прикасаюсь к воспоминаниям об ушедшей истории".

Витт объяснил, что 30 лет назад его коллекционирование, возможно, началось как хобби, но по мере того, как росло его понимание, это переросло в страсть к сохранению прошлого.

"Может, эти бутылки и принадлежат мне, но я не рассматриваю их просто как достояние. Я считаю, что мне доверена забота о них. Каждая бутылка живет веками, и мой долг — сохранить ее жизнь в целости и неизменности".

Значение 20 мировых рекордов Гиннесса

Достижение 20 мировых рекордов Гиннесса в области коллекционирования крепких спиртных напитков является беспрецедентной вехой. Предыдущие рекордсмены, как правило, добивались признания в одной или двух категориях. Всесторонний охват Витом различных видов крепких спиртных напитков, возрастов и раритетов демонстрирует широту и глубину его интересов и целеустремленности.

Можно утверждать, что в то время, когда многие исторические винокурни закрылись, а традиционные методы производства эволюционировали, бутылки Việt служат своеобразной библиотекой технологий и вкусов ушедших эпох.

Часто говорят, что представители поколения Z отказываются от алкоголя, и при такой потенциальной смене привычек употребления алкоголя сохранение духовного наследия становится еще более важным.

Обширная коллекция также служит залогом рыночной аутентификации. Эта область приобретает все большее значение на вторичном рынке виски, поскольку подделки становятся все более изощренными.

Влияние на рынок и наследие

Коллекции Việt для более широкого рынка виски, коньяка и рома задают новые стандарты для коллекционирования мирового уровня. Его акцент на полных вертикальных наборах и исторической значимости является образцом для серьезных коллекционеров. Даже для тех, у кого разный бюджет, небольшие вертикали и серии могут предложить интересные цели.

Как отмечает сам Виит: "За деньги нельзя купить время, но на них можно купить бутылки, в которых хранится время".

Многие из рекордов, которыми владеет Viit, не связаны с деньгами или ценностью; они касаются возраста, редкости или истории, стоящей за бутылкой. Не каждый из нас достигнет вершины — самого большого, лучшего или самого дорогого. Это нормально. Что бы вы ни собирали и в каком бы масштабе это ни было, позвольте этому рассказать о вас свою историю и внести свой вклад в коллективную память о наследии.

Коллекция раковин, которая начиналась в 1960-х годах

admin — Tue, 26 Aug 2025 17:38:45 GMT

Коллекция раковин, которая начиналась с подростковых погружений на Гуаме в 1960-х годах, вернулась на остров, вместе со снимками морской жизни прошедших десятилетий, которые могут помочь ученым понять, как изменился подводный мир.

Уоррен Б. Кара, ныне писатель и инженер на пенсии, недавно передал в дар биохранилищу Университета Гуама около 4000 раковин, многие из которых он собрал, когда был старшеклассником, исследуя рифы и пляжи Гуама более 60 лет назад, сообщается в недавнем пресс-релизе университета.

"Мы подошли к своим шкафчикам, достали подводные ружья и поднялись на старом японском лифте, который спускался со скалы на пляж, и провели остаток дня, стреляя. Мы побывали практически на каждом пляже острова", - рассказал Кара в пресс-релизе.

С 1960 по 1964 год Кара жил на Гуаме, в то время как его отец служил военным офицером США. Он учился в тогдашней средней школе Тумон и проводил дни с друзьями в поисках ракушек в бухте Тумон, гавани Апра, Малессо, на Кокосовом острове и пляже Тарагю на военно-воздушной базе Андерсен.

Кара вспоминает, что ночные сборы были особенно продуктивными: "Раньше я проводил там много-много часов по ночам. Дно было буквально усеяно очень крупными конусообразными ракушками, оливковыми скорлупками и раковинами каури, и днем оно выглядело пустынным, но ночью все было на виду".

Что делает эту коллекцию особенно ценной, так это подробный учет, который прилагается к ней. В отличие от многих любительских коллекций, Carah точно задокументировал, когда и где была найдена каждая раковина.

Роберт Лэсли, доктор философии, доцент и куратор отдела ракообразных в биорепозитории, сказал в пресс-релизе: "Он не только собрал эту коллекцию, но и сохранил множество ценных данных и действительно заботился о них. На самом деле, вы можете видеть, как хорошо он упаковал этот материал и отправил его нам в хорошем состоянии".

Пожертвование представляет собой нечто большее, чем просто красивые ракушки на полке. Для ученых, изучающих морские экосистемы Гуама, это историческая справка, которую невозможно воспроизвести.

"Мы часто занимаемся коллекционированием, но не можем вернуться в прошлое. И действительно хорошо иметь такой моментальный снимок того, что существовало несколько десятилетий назад".

Биопозиционное хранилище, официально известное как Гуамское биопозиционное хранилище (Guam NSF EPSCoR Biorepository), Лэсли называет "библиотекой жизни", в которой хранятся тысячи образцов, включая кораллы, рыб, ракообразных и других морских организмов со всей Микронезии. Это учреждение преобразуется в Гуамский центр исследований биоразнообразия, объединяющий коллекции под одной цифровой крышей.

Коллекция Кар включает раковины не только с Гуама, но и с Филиппин, Австралии, Северной Америки и Африки. Образцы с Гуама особенно ценны, поскольку позволяют исследователям сравнить то, что обитало в определенных местах в 1960-х годах, с тем, что можно найти там сегодня.

"Это позволяет исследователям сравнить то, что могло существовать в определенных населенных пунктах Гуама в 60-х годах прошлого века, с тем, что можно найти сейчас", - сказал Лэсли, назвав коллекцию полезной "для установления исторической основы, а также для изучения различных видов, чтобы лучше понять биоразнообразие Гуама".

Это сравнение становится все более важным, поскольку морская экосистема Гуама сталкивается с изменениями, вызванными климатическими условиями, развитием и другими факторами. Биохранилище активно собирает образцы по всему острову, чтобы документировать современную морскую жизнь.

"Наша морская экосистема меняется вокруг Гуама. И поэтому нам нужно получить общее представление о том, что там есть. И еще так много предстоит открыть".

Такое изобилие морской флоры и фауны продолжает удивлять исследователей. "Гуам - самый разнообразный морской район из всех штатов или территорий США, включая Флорида-Кис и даже Гавайи".

Работа с коллекцией Кары будет длительной. Исследователи должны распаковать, каталогизировать и подтвердить идентификацию тысяч образцов. Они будут работать с экспертами по таксономии по всему миру, чтобы обеспечить точность, и в конечном итоге вся информация будет доступна онлайн через базу данных биохранилища.

Кара, который хранил свою коллекцию почти 60 лет, сказал, что хотел разместить ее там, где она могла бы принести пользу исследованиям.

"В начале 1960-х мы занимались консервацией. Нам не было смысла собирать десятки и десятки одинаковых раковин. Мы бы собрали одного или двух, и затем наши усилия были бы направлены на поиск нового вида".

По словам Лэсли, пожертвование было сделано в связи с расширением миссии биохранилища по документированию и сохранению знаний о морской флоре и фауне Микронезии. В дополнение к размещению образцов, здесь проводятся подробные фотосъемки, чтобы запечатлеть живую окраску, и предоставляются данные, которые исследователи по всему миру могут использовать для изучения и идентификации видов.

Недавно биохранилище получило коллекцию кораллов из 30 000 экземпляров от почетного профессора UOG Ричарда Рэндалла, представляющую 56-летний опыт исследований коралловых рифов, согласно предыдущему сообщению.

Университет также заявил, что биохранилище сотрудничает со Смитсоновским институтом в проектах по секвенированию ДНК и регулярно принимает у себя международные исследовательские группы, в том числе в недавнем сотрудничестве с исследователями губок со всего мира.

По словам Лэсли, биохранилище также наладило партнерские отношения для проведения передовых исследований, и международные ученые регулярно посещают его для изучения морского биоразнообразия Гуама.

Для Лэсли и его команды коллекции, подобные коллекции Кары, представляют как прошлое, так и будущее морской науки на Гуаме. Эта работа требует срочного решения, поскольку морские экосистемы сталкиваются с растущим давлением, что делает исторические данные все более ценными для понимания изменений, происходящих с течением времени.

"На Гуаме действительно много жизни", - сказал Лэсли, размышляя о изобилии, которое еще предстоит обнаружить вокруг Гуама.

"Если вы начнете смотреть на таких существ, как черви, большинство людей подумают о дождевых червях или о чем-то, что можно найти в грязи. Но если вы исследуете эти морские системы и начнете, опять же, искать глубоко в коралловой матрице. Во всех этих маленьких карманчиках, норах, укромных уголках и трещинках... глубоко в кораллах или у их основания вы обнаружите всю ту жизнь, которую никто никогда не видел".

Мягкие коллеционные игрушки Jellycats и их коллекционеры

admin — Tue, 26 Aug 2025 15:29:01 GMT

Jellycat (произносится "Джелликэт") — это британский бренд, основанный в Лондоне в 1999 году, известный своими уникальными и очень мягкими игрушками премиум-класса для детей и взрослых. Продукция Jellycat отличается оригинальным дизайном, высоким качеством материалов и вниманием к деталям. Игрушки бренда, которые включают животных, фантастических персонажей, а также предметы из серии Amuseables, считаются не только игрушками, но и элементами декора и даже коллекционными предметами. Это мягкие и милые плюшевые игрушки, которые отличаются от обычных хорошим качеством и экологичностью. Они выпускаются относительно небольшими партиями.

Jellycats завоевали популярность среди коллекционеров благодаря своему необычному дизайну и роскошной мягкости, которая превращает объятия в настоящую мечту. Плюшевые игрушки Jellycat, давно полюбившиеся детям, в последние месяцы завоевали новую популярность среди взрослых. От легендарного застенчивого кролика до пушистого, дружелюбного дракончика Фаддлвуддла, Джелликаты прочно заняли свое место в современной поп-культуре. Джелликаты перестали быть просто мягкой игрушкой, пользующейся большой популярностью у детей, и стали предметом коллекционирования, а некоторые редкие экземпляры, вышедшие на пенсию, могут продаваться за тысячи долларови на вторичных рынках. А для настоящих коллекционеров нет слишком высокой цены за идеального пушистого компаньона.

Они существуют с 1999 года, но по-настоящему выстрелили в Великобритании, когда их подарили принцу Джорджу, принцу Луи и принцессе Шарлотте. Буквально всё, что носят или имеют эти дети, если это попадает в соцсети, обычно быстро раскупается, особенно если это не дизайнерская вещь, а что-то из масс-маркета, но подороже. Большая часть тренда - просто статус, потому что они дорогие и у них узнаваемый дизайн.

То, что начиналось как игривое ответвление любимого британского ателье игрушек, теперь превратилось в глобальное явление, которым пользуются как дети, коллекционеры, так и взрослые, стремящиеся к комфорту. Изготовленные по образу и подобию обычных предметов повседневного обихода, игрушки бывают разных форм и размеров, как и их владельцы. Игрушки от Jellycats - от еды и напитков до спортивных товаров и небесных тел - станут неотразимыми подарками, независимо от сферы интересов.

Помимо своей неосязаемой ценности в качестве тихих компаньонов, желейные коты также стали ценными предметами коллекционирования для ценителей, стремящихся увеличить свои коллекции игрушек. С момента своего стремительного продвижения в мейнстрим, Jellycat plushies собрали преданное сообщество коллекционеров, члены которого с нетерпением следят за новыми выпусками, сезонными распродажами и редкими находками и делятся ими.

Все коллекционные партии игрушек размещены на сайте коллекционера.

В последние годы мармеладные коты стали культовым предметом коллекционирования, что привело к росту спроса и цен на них. Известно также, что они тщательно изготовлены и, следовательно, являются мягкими, удобными для объятий компаньонами, любимыми детьми и взрослыми во всем мире. Одними из самых редких плюшевых мишек Jellycat являются Застенчивый кролик Имоджен, Снежный дракон, вишневый пирог Шерил (Bashful Bunny Imogen, Snow Dragon, Cheryl Cherry Cake).

Бренда Аллен из Чешира (первое фото) собрала более 2 миллионов просмотров видео с ее необычными фигурками Jellycat. 95-летняя жительница графства Чешир и ее коллекция мягких игрушек стали неожиданными звездами в тикток. Воодушевленная сотрудником своего дома престарелых, она начала с того, что показала зрителям авокадо в шляпе по имени Флоренс. В ее коллекции также есть симпатичное комнатное растение и мягкий, улыбающийся пирожок с шоколадом. В ее новом видео проявился юмористический подтекст, в конце которого она отметила, что ее плюшевый мишка-гриб был “очень забавным парнем”. На данный момент ее видео набрали более 2 миллионов просмотров, а также тысячи комментариев от людей со всего мира, которые спрашивают, могут ли они сделать ее своей бабушкой в социальных сетях, и называют ее национальным достоянием.

Одна из поклонниц бренда, Фрейя Роджерс (Freya Rogers), в коллекции которой более 100 мягких игрушек, объясняет культовую привлекательность бренда

В свои 23 года я не стыжусь признаться, что у меня коллекция из более чем 100 плюшевых игрушек Jellycat. Бренд Jellycat, пользующийся популярностью в мире роскошного плюша, впервые был представлен в 1999 году в качестве небольшого лотка на торговой выставке. Двадцать пять лет спустя он превратился в многомиллионную империю, с заявленным доходом в 200 млн фунтов стерлингов по состоянию на 2023 год. Билл Найи назвал себя “большим-пребольшим клиентом Jellycat”.

Билл Найи демонстрирует Jellycat на премьере фильма "Дикий робот" в Лондоне, октябрь 2024 года © Getty Images

Братья Уильям и Томас Гатакры основали бренд после того, как заметили, что рынок игрушек нуждается в обновлении.

“Он казался уставшим, пустым и немного похожим на таксидермию”, - сказал Уильям в 2021 году. Компания Jellycats, вдохновленная семилетним сыном Томаса Джеком, который в то время обожал кошек и желе, завоевала сердца взрослых и детей по всему миру и даже доказала, что это выгодное вложение средств. Цены начинаются примерно от 11 фунтов стерлингов, но некоторые модели, такие как Dixie, специальный выпуск с леопардовым принтом bunny, вышедший на рынок в 2014 году, сейчас продаются более чем за 2000 фунтов стерлингов.

Мы с коллегой-коллекционером Джессикой, 22 года, отправляемся на поиски новых коллекций. Она занимается коллекционированием не так давно, как я, но ее любовь сильна. “Я просто обожаю их маленькие мордочки, а вы?”

Неподалеку стоит рождественская елка, украшенная желейными игрушками в форме пряничных человечков, леденцовых тростей и пингвинов. “Вот для чего я коплю деньги”, - говорит Джессика, указывая на пушистую луну. На бирке написано: “Я - Гигантская забавная Луна, пожалуйста, присмотри за мной”, экземпляр высотой 120 см и стоимостью 750 фунтов стерлингов.

Наше увлечение обходится дорого. Но в чем же привлекательность этих меховых вещей? Мне нравится ощущение кашемира, но я не коллекционирую кашемировые джемперы.

В честь своего юбилея компания Jellycat выпускает специальное издание с изображением кота Джека, который изображен на ее логотипе, а также с новыми дополнениями в виде любимого застенчивого кролика и медвежонка Бартоломью. Они зарекомендовали себя в различных заведениях по всему миру, от закусочных pop-up в Нью-Йорке и Шанхае до кондитерской pop-up в Париже в Galeries Lafayette, где покупатели выбирают игрушки, вдохновленные классическими французскими десертами. Кажется, что независимо от местоположения, Jellycat излучает некую магию, которая заставляет нас возвращаться снова и снова; может ли эта магия заключаться в чем-то таком простом, как радость?

Согласно исследованию, опубликованному в журнале “Позитивная психология”, плюшевые мишки выступают в роли "посредников для личных воспоминаний", а сила нашей связи связана с реальными событиями, которые мы с ними разделяем. Наши “эмоциональные связи перевешивают важность (их) физических и сенсорных характеристик”. Создавая радостные пространства, мы ассоциируем наших плюшевых друзей с длительными воспоминаниями, часто рядом с людьми, которых мы больше всего любим.

Аманде Хоуп страшно подумать, сколько она потратила на свою коллекцию мягких игрушек Jellycat, но она подсчитала, что это больше 3000 фунтов стерлингов.

"Они такие милые и ласковые", - говорит 36-летний специалист по программному обеспечению из Суррея. "В их счастливых мордочках есть что-то неотразимое!"

Аманда - одна из растущего числа взрослых, покупающих игрушки для себя.

По данным исследовательской группы Circana, в настоящее время люди старше 18 лет покупают каждую пятую игрушку и игры для себя. И это не только Jellycats, но и пластиковые кубики Lego и куклы Sonny Angels, которые заполняют ленты TikTok, поскольку люди публикуют видео со своими последними покупками. Исследование показало, что покупка предметов коллекционирования положительно влияет на психическое здоровье, помогая взрослым справляться с неурядицами.

Мода на Jellycat - от яиц с рожицами до кофейных чашек со смайликами - оказала большое влияние на индустрию игрушек, а благодаря TikTok крошечные куклы пользуются большим спросом.

Стоимость Jellycats варьируется от 11 до более чем 700 фунтов стерлингов, в то время как подарочные наборы Lego для взрослых могут стоить до 730 фунтов стерлингов. Конструкторский аспект Lego может помочь взрослым отвлечься от своей беспокойной жизни.

"Несмотря на то, что в 2024 году продажи игрушек в мире в целом снизились на 0,6%, продажи коллекционных игрушек достигли рекордных показателей".

Мелисса Симондс, исполнительный директор отдела игрушек аналитической компании Circana, считает, что социальные сети играют большую роль в рекламе и продажах игрушек. "Миллионы людей следят за социальными сетями. Они заново открывают для себя старые любимые товары, и даже бренды, которые следуют современным тенденциям, начинают привлекать к себе внимание благодаря распространению информации в социальных сетях".

Двадцатидвухлетняя Джессика часто покупает Jellycats и собрала коллекцию на сумму более 1000 фунтов стерлингов, о которой она публикует в TikTok.

"В день зарплаты я угощаю себя одним-двумя блюдами, а в течение месяца еще несколькими", - говорит продавец-консультант из Ипсвича.

"Когда у меня выдается плохой день и я знаю, что Желейный котик уже в пути, я с нетерпением жду возможности увидеть его в реальной жизни и добавить на свою переполненную полку".

Она сравнивает мягкие игрушки с Ty Beanie Babies, одним из самых популярных игрушечных трендов 1990-х годов.

"Я чувствую, что удовольствие от коллекционирования и демонстрации этих двух моделей схожее".

Не только Jellycat продают предметы коллекционирования для всех возрастов, есть и другие бренды, например: Ty, Aurora и Posh Paws. На них стоит обратить внимание всем коллекционерам в связи с появлением новых плюшевых игрушек.

27-летняя Меган Голдбергер увлеклась плюшевыми игрушками, увидев, как влиятельные люди демонстрируют свои коллекции в Интернете.

Она купила Jellycat баклажан в феврале 2024 года и к настоящему времени собрала коллекцию из 150 штук, потратив на снятые с производства игрушки 5000 долларов. Меган надеется переехать из родительского дома и украсить весь дом в стиле Джелликатс.

Меган говорит, что Джелликаты “исцеляют ее внутреннего ребенка”, а среди ее любимых игрушек - дракончик Флинн, коричневый кролик по имени мисс Пекан и мороженое "Мистер Уиппи".

Игрушки стали модным явлением в Интернете, и это привело к тому, что тролли Меган начали комментировать, что это “пустая трата денег”, и задаваться вопросом, почему взрослый человек тратит все свои деньги на Jellycat.

“Я не употребляю наркотики, не злоупотребляю алкоголем и не пропагандирую культуру вечеринок среди преимущественно несовершеннолетней аудитории, как это делают многие влиятельные люди, поэтому я не вижу ничего плохого в моих Jellycat”.

Биенале частных коллекций 2025

admin — Thu, 24 Jul 2025 06:00:34 GMT

В современном мире искусства, где границы между институциональными и частными коллекциями становятся всё более размытыми, появляются новые инициативы, стремящиеся изменить подход к взаимодействию с современным искусством. Одной из таких инициатив стало Биенале частных коллекций – проект, который ставит своей целью не просто демонстрировать произведения искусства, но и создавать новое пространство для диалога между художниками, коллекционерами, кураторами и широкой публикой. Организатором стал фонд «Новые коллекционеры».

Биенале представляет собой уникальную платформу, объединяющую частные коллекции современного искусства. В отличие от традиционных биеннале, которые формируются вокруг определённой географической точки или кураторской концепции, Биенале фокусируется на частных собраниях как источниках культурного наследия и живых свидетельствах художественного процесса. Его миссия – сделать эти собрания доступными для широкой аудитории, раскрыть их уникальность и значимость, а также способствовать развитию коллекционирования как формы культурной активности.

Проект подчеркивает, что частные коллекции – это не просто хранилища произведений искусства, а живые организмы , отражающие личные взгляды, страсти и интересы их владельцев. Биенале стремится показать, что за каждой работой стоит не только художник, но и коллекционер, чей выбор и поддержка сыграли ключевую роль в судьбе произведения и самого художника.

Деятельность

Биенале реализует свою миссию через серию выставок, публикаций и образовательных программ. Центральным элементом его деятельности являются выставочные проекты, в рамках которых работы из различных частных коллекций объединяются вокруг определённых тем, идей или художественных подходов. Это позволяет зрителю увидеть произведения искусства в новом контексте, отличном от того, в котором они существуют в рамках отдельных коллекций.

Важной частью проекта является диалог с коллекционерами. Биенале не просто берет работы в экспозицию, но стремится понять мотивы, принципы и истории, стоящие за каждым собранием. Это выражается в публичных интервью, публикациях и образовательных инициативах, где коллекционеры делятся своим опытом и взглядами на искусство. Так, например, на сайте проекта размещаются беседы с коллекционерами, такие как Екатерина Лапшина, что позволяет глубже понять их подход к формированию коллекций и их роль в развитии художественной среды.

Биенале активно работает над документированием частных коллекций. Это особенно важно в условиях, когда многие собрания остаются недоступными для широкой публики. Проект помогает сохранить культурную память, зафиксировать важные художественные позиции и сделать их доступными для исследователей и будущих поколений.

Взаимодействие

Биенале не существует изолированно. Он активно взаимодействует с 40 музеями, галереями и другими культурными институциями во всех регионах России. Это сотрудничество может принимать различные формы – от совместных выставок до обмена экспертизой и ресурсами. Такое взаимодействие позволяет проекту расширить своё влияние, привлечь новую аудиторию и углубить диалог между различными участниками художественного процесса. Он не только делает частные коллекции более доступными, но и способствует демократизации культурного пространства. Проект показывает, что искусство – это не прерогатива лишь крупных музеев, но и результат личной страсти, вовлеченности и гражданской позиции отдельных людей.

Биенале вносит вклад в развитие коллекционирования как культурной практики, демонстрируя, что коллекционирование – это не просто покупка произведений искусства, но и способ поддержки художников, участие в формировании художественного канона и вклад в культурное наследие. Проект вдохновляет новых коллекционеров и помогает им осознать свою роль в художественной среде. Это платформа для нового взгляда на искусство , которая ставит во главу угла личность коллекционера, значимость частных собраний и важность диалога между всеми участниками художественного процесса. Его деятельность способствует обогащению культурной жизни, расширению доступа к искусству и формированию более осознанного и вовлечённого сообщества любителей и профессионалов.

Коллекционер Екатерина Лапшина

admin — Thu, 24 Jul 2025 05:24:36 GMT

Фото: Павел Борисов

В мире современного искусства имя Екатерины Лапшиной звучит не только как имя коллекционера, но и как имя активного участника и популяризатора культурной среды. Её имя ассоциируется с одной из самых значительных частных коллекций современного искусства в России, а также с инициативами, направленными на поддержку художников и развитие диалога вокруг искусства. Екатерина Лапшина не просто владелица обширной коллекции из более чем 200 произведений живописи, видео-арта и фотографий; она меценат, куратор и сооснователь фонда «Новые Коллекционеры», вносящая весомый вклад в ландшафт российского и международного современного искусства.

Екатерина Лапшина, основатель инвестиционной платформы Era Capital и онлайн-сервиса OKKO, пришла в мир искусства не случайно. Ее путь начался с личного интереса и увлечения, которое со временем переросло в глубокую страсть к коллекционированию. Как и многие коллекционеры, она начала с покупки отдельных работ, привлекавших её эстетикой или концепцией. Однако уже в самом начале её отличал не просто потребительский интерес, а стремление понять и поддержать художественный процесс. Это стремление к пониманию и желание быть частью живого диалога в искусстве и привело её к созданию собственной, уникальной коллекции.

Исторически её коллекция берет начало примерно в 2010 году. Одним из первых приобретений стали несколько работ Владимира Севостьянова, купленные совместно с другом-коллекционером. Что привлекло тогда Лапшину – это феноменальная пастель Севостьянова. Этот интерес не случаен: как она сама признаётся, её образование связано с архитектурной школой, и графика с пастелью всегда оставались близкими и «милыми сердцу». Эти ранние приобретения до сих пор остаются частью коллекции, подчеркивая её личную связь с определёнными художественными средствами и подходами.

Коллекция: Диалог эпох и идей

Коллекция Екатерины Лапшиной – это не просто собрание произведений искусства, это живой организм, отражающий развитие художественной мысли второй половины XX века и современности. В ней представлены работы как российских, так и зарубежных художников, что подчеркивает её глобальный взгляд и интерес к универсальным темам и формам выражения. Хотя основной акцент сделан на послевоенное и современное искусство, коллекция включает и более ранние произведения. Например, в ней есть небольшая работа Константина Коровина, приобретённая Лапшиной из-за её любви к жанру театральных иллюстраций, связывающей её с традицией художников в стиле модерн.

Специфика её коллекции заключается не столько в преследовании моды или инвестирования, сколько в поиске работ, обладающих сильной авторской позицией и актуальной художественной идеей. Её интересуют произведения, которые вызывают эмоции, заставляют думать и вовлекают зрителя в диалог. В её собрании можно найти как живопись и графику, так и инсталляции, видеоарт и объекты. Это разнообразие подчеркивает её открытость новым формам и языкам искусства.

Одной из любимых работ в коллекции Лапшиной является «Хор» Ольги Чернышёвой. Эта работа настолько важна для неё, что она отмечает: «Мне при любых обстоятельствах было бы очень сложно с ней расстаться». Это говорит о глубокой эмоциональной связи, которую она устанавливает с произведениями искусства. Другим любимым экспонатом является «Подросток» Виктора Пивоварова. Лапшина признаётся, что многое видела у этого художника, но именно эта работа «мне сильно легла на сердце», что ещё раз подтверждает её интуитивный и личностный подход к формированию коллекции.

Ядром коллекции Екатерины Лапшиной стало видеоискусство. Первым произведением данного направления, вошедшим в её собрание, стала работа Билла Виолы. Со временем коллекция пополнилась работами других значимых российских и зарубежных видеохудожников.

Собрание включает в себя разнообразные медиа: видеоработы, фотографии, объекты, живопись и графику как отечественных, так и иностранных авторов. Среди художников, представленных в коллекции за период с 2000 года по начало 2020-х годов: Ольга Чернышева, Александра Паперн, Ирина Корина, Дима Филиппов, Александра Гарт, Билл Виола, Гленда Леон, Ли Бэ, Джон Р. Пеппер, Михаил Рогинский, Элмгрин и Драгсет, Тадаси Кавамата, Павел Пепперштейн, Артем Филатов, Виктор Пивоваров, Никита Алексеев, Полина Канис

Объединяющим фактором для этих произведений является выбранный художниками метод – дистанцирование. Они отстраняются от изображаемого предмета, от окружающего мира, от самих себя и даже от собственных воспоминаний. Подобная отстраненность стирает привычные границы и отражает выработанную за последние годы потребность не заглядывать в будущее и не цепляться за прошлое, полностью проживая лишь настоящее, как единственно возможное. Эта невозможность «бросить якорь» становится, парадоксально, спасительным механизмом. Элементы длительного ожидания, пустоты, лишённые человеческого присутствия, предметы, превращённые в символы, и фрагментированные воспоминания – всё это служит исходным материалом, из которого неизбежно формируется субстанция новой реальности.

Фонд «Новые Коллекционеры», как новая модель поддержки

Одним из ключевых проектов, связанных с деятельностью Екатерины Лапшиной, является фонд «Новые Коллекционеры», который она соосновала вместе с другими единомышленниками. Этот фонд представляет собой новую модель взаимодействия частных коллекционеров с общественностью и институциональным искусством. Его основная цель – сделать частные коллекции доступными для более широкой аудитории через выставки, публикации и образовательные программы. Фонд способствует развитию коллекционирования как формы культурной активности и поддержки искусства, акцентируя внимание на социальной ответственности коллекционеров.

Фонд «Новые Коллекционеры» демонстрирует, что коллекционирование – это не только личная страсть, но и способ внести вклад в культурное наследие и поддержать художников. Фонд становится платформой для диалога между коллекционерами, кураторами, художниками и широкой публикой.

Личность и философия

Сама Екатерина Лапшина в интервью и публичных выступлениях подчеркивает важность личной связи с произведением искусства. Для неё коллекционирование – это прежде всего процесс поиска, открытия и установления эмоционального контакта. Она говорит о необходимости доверия к своему вкусу и интуиции, а также о важности понимания контекста, в котором создавалась та или иная работа.

Её подход к коллекционированию можно охарактеризовать как глубоко продуманный и продуманный, но в то же время страстный и эмоциональный. Она не просто покупает произведения искусства, она живет с ними, изучает их, вовлекается в историю их создания и развития художественной карьеры авторов. Это делает её не просто собирательницей, но и соучастницей художественного процесса. Её коллекция – это отражение её вкуса, интересов и личных переживаний, а не просто набор «имен» или «инвестиций».

Коллекция Екатерины Лапшиной и её деятельность через фонд «Новые Коллекционеры» имеют важное значение для современного искусства. Во-первых, её коллекция является ценным ресурсом для исследователей, кураторов и широкой публики, предоставляя уникальную возможность увидеть и изучить широкий спектр современного искусства. Во-вторых, её инициативы способствуют популяризации коллекционирования как культурной практики и повышают осведомленность общества о важности поддержки художников.

Екатерина Лапшина своим примером показывает, что частное коллекционирование может быть не только способом удовлетворения личных эстетических потребностей, но и мощным инструментом культурной политики и социальной ответственности. Её вклад в развитие современного искусства и создание условий для диалога между различными участниками художественного процесса делает её одной из ключевых фигур в современной культурной среде.

Ее путь – это пример того, как личная страсть может превратиться в значимый вклад в культурное наследие и общественную жизнь. Коллекция Екатерины Лапшиной – это не просто собрание произведений, это отражение её взглядов, интересов и стремления к диалогу. Через свою коллекцию и деятельность она продолжает формировать и обогащать культурное пространство, открывая новые горизонты для понимания и оценки современного искусства.

Коллекционирование ради будущих поколений

admin — Thu, 10 Jul 2025 21:17:59 GMT

На India Art Fair в 2017 году у Пуджи Сингхал произошло настоящее художественное потрясение. Увидев выставку абстрактных графических работ индийско-американской художницы Зарины Хашми в павильоне галереи Espace (Дели), начинающая коллекционер современного искусства обратилась к владелице галереи Рену Моди — старой подруге семьи — с восклицанием: «Рену Аунти, я просто заберу всю стену!»

Сингхал смеётся, вспоминая этот момент: «Она оттащила меня в сторону и спросила: „Ты вообще знаешь, сколько это стоит?“ Многие бы в этом не признались, но тогда я даже не знала, кто такая Зарина Хашми. Я просто полюбила эти работы. Это было физическое ощущение — мне нужно было их купить».

Этот поступок запустил настоящую одержимость современным южноазиатским искусством, переплетающуюся с давней любовью к традиционному ремеслу Индии. Теперь на стенах четырёхэтажного дома 1980-х годов в районе Джор Баг в Дели — бывшего центра йоги — висят разнообразные произведения искусства. Этот район известен дипломатами, высокопоставленными профессионалами и правительственными учреждениями. «В Дели много престижных районов, но Джор Баг — один из лучших», говорит Сингхал.

Жизнь через искусство

Пуджа Сингхал, которой исполнилось 50 лет, называет себя «последовательной предпринимательницей» и «новым коллекционером». Она также происходит из одной из самых известных бизнес-семей Индии. Её отец — миллиардер Салил Сингхал, почетный председатель компании PI Industries, агрохимического предприятия, основанного её дедом в 1946 году, где сама она является совладельцем. Однако, несмотря на образование в области экономики и бизнес-администрирования (университет Питтсбурга), она выбрала путь культурного меценатства.

Её особенная страсть — пичвай (Pichwai ): древняя форма текстильной живописи, возникшая в Раджастане в XVII веке и использовавшаяся для украшения храмов, особенно в честь бога Шринатджи. В детстве такие картины висели в доме Сингхал, а сегодня её коллекция насчитывает более 400 работ — от редких исторических шедевров до современных интерпретаций. Экспозиции из её собрания проходили в Мумбаи, Дели, а недавно — в Лондоне. «Я хочу сделать пичвай общеизвестным словом», — говорит она.

Возрождение традиций

Десять лет назад Сингхал основала Pichvai: Tradition & Beyond — мастерскую в городе Кishangarh (Раджастан), где работает команда из 30 художников, сохраняющих и преподающих это исчезающее ремесло. «Теперь любой, кто хочет приобрести качественный пичвай, должен знать, что может обратиться ко мне», говорит она. На лондонской выставке представлены работы стоимостью менее £200, созданные новым поколением ремесленников, обучающихся в этой мастерской, чтобы сделать искусство более доступным.

Мы уселись на жёлтом диване в её гостиной в Дели; над нами — некоторые из работ Зарины Хашми, которые когда-то покорили её сердце. Перед нами — удивительная смесь предметов: intricately carved wooden Chinese cabinet (подарок от брата); атмосферная фигуративная картина американского пакистанского художника Заама Арифа ; угольный мурал индийского художника Прабхакара Пачпуте ; африканские артефакты, привезённые ею из поездки в Кению в честь своего 50-летия. Всё это собрано интуитивно.

Архитектура и дизайн

Дом площадью 7200 кв. футов имеет две гостиные. Одна находится на верхнем этаже — более формальная, предназначенная для гостей, с примыкающей столовой и кладовой. Также есть две игровые комнаты для детей. По совету специалиста по Васту Шастра (древней индийской архитектурной системе, связанной с энергетикой пространства) Пуджа живёт в главной спальне, но спит в другой.

«Всё здесь сложилось само собой, — рассказывает она, — это как слои, они волнуют». Всё в доме она оформила самостоятельно: «Я хотела, чтобы он был полностью моим».

Сингхал переехала сюда два года назад. До этого она жила в соседнем здании в возрасте 40 лет, когда впервые выехала из родительского особняка в Дели. Затем она провела восемь лет в отеле The Lodhi в Дели, начав с студии и со временем заняв четыре этажа.

«Я из традиционной семьи и большую часть жизни прожила с родителями, пытаясь найти свой собственный путь».

Пять лет назад она приняла смелое решение: в обществе, где всё ещё действуют традиционные нормы, она усыновила сына Киана и дочь Кайру, став одинокой матерью. «Я испытала всё, что можно купить за деньги, но ничего не сравнится с тем, что принесли мне дети». В каждой комнате есть уголок для игр, но правила есть: «Им нельзя прыгать на моей кровати, хотя на своих — пожалуйста!»

Её дом в Джор Баге — всего лишь этап. Она подписала договор аренды в то же время, когда приобрела участок под строительство мечты — нового дома в зелёном районе Шанти Никетан, рядом с братом и сестрой. У неё также есть дом в Гоа, купленный во времена пандемии.

Коллекционирование ради будущих поколений

Сегодня она собирает искусство с мыслями о своих детях и детях своей сестры. Например, она гордится своим набором из 36 антикварных миниатюрных картин , основанных на индийской эпической поэме «Рамаяна» , чтобы «у каждого ребёнка было по восемь», а также четыре вышитых и смешанных медиа-работы художника Авинаша Веерарагхавана — по одной каждому ребёнку.

Её любовь к искусству и желание поддерживать художников берут начало в её матери, Мадху Сингхал , которая была коллекционером и известной эстетом. В семье, жившей в Удайпуре, в поместье на берегу озера Фатех-Сагар, дом был декорирован камнем Джайсалмер и традиционным искусством, превращая его в оживлённый культурный салон, куда часто приходили мастера с товаром.

Поддержка современного искусства

Сингхал никогда не хотела ограничивать себя традиционной ролью. Её деятельность включает сотрудничество с делийским модельером Раджешем Пратапом Сингхом в качестве маркетингового партнёра, а в 2004 году она основала бренд Ruh — модную этичную марку, занимающуюся возрождением и модернизацией ткачества на ручных станках.

Она также поддерживает такие организации, как Delhi Crafts Council , Sahachari Foundation (благотворительный фонд, управляемый женщинами, сосредоточенный на социально-экономическом развитии и культурных мероприятиях) и Foundation for Indian Contemporary Art

Её коллекция включает работы современных индийских художников: фотографию Диа Меhta Бхупала , картины Абира Кармакара в стиле trompe l’oeil и терракотовые скульптуры Манджуната Камата . В гостиной на верхнем этаже на полке выстроились яркие керамические изделия Лубны Чоухан , а над кроватью висят черно-белые фотографии людей и местности от Даяниты Сингх . Рядом стоит минималистичный стол из обожжённого дерева молодого бельгийского дизайнера Арно Деклерка , которого она посетила в его антверпенской студии, рядом с большой работой в стиле пичвай.

Коллекция Сингхал кажется окном её жизненного пути. «Да, я чувствую это так».

Что до того павильона с работами Зарины Хашми — одна из самых крупных покупок в её жизни. Но, с улыбкой добавляет она: «Сейчас я жалею, что не купила всю стену».

Коллекционер Киран Надар о современном индийском искусстве и создании музеев

admin — Thu, 10 Jul 2025 20:01:55 GMT

«У меня никогда не было формального художественного образования: я просто училась на ходу», — говорит Киран Надар, индийская коллекционерша и филантроп. Её обширная коллекция южноазиатского искусства насчитывает уже 15 000 произведений, часть которых представлена в масштабной выставке «The Imaginary Institution of India: Art 1975–1998» в культурном центре Барбикан в Лондоне .

В доме Надар в Лондоне, элегантной квартире в здании, внесённом в список исторических памятников с видом на Риджентс-парк — одна стена украшена картиной лошадей работы М. Ф. Хусейна , известного как «Пикассо Индии». На другой стене работа Манджита Бауа с изображением флейтиста, играющего перед группой серых коров. Маленькие скульптуры Генри Мура размещены на столах, а у двери стоит роскошный шкаф с инкрустацией из слоновой кости.

Надар в свободном халате зелёно-розово-оранжевых тонов расслабленно, дружелюбно и открыто рассказывает, как она начала собирать искусство, о своей благотворительности и новом музее, который открывается в Дели.

Как началась коллекция?

Собирательство началось после замужества. Получив степень по английской литературе в университете в Индии, Надар встретила своего будущего мужа, миллиардера Шива Надара, основателя компании HCL Technologies, когда работала в рекламе, а он был клиентом.

«Моя первая серьёзная покупка — две работы М. Ф. Хусейна для дома. На самом деле он должен был написать одну, но принёс нам две, и мы оставили их. Затем я купила гравированную мужскую натуру Рамешвара Бруты под названием „Бегуны“ (1982), — рассказывает Киран. — Мой муж был в ужасе! Я расстроилась и предложила вернуться в мастерскую и извиниться. Но когда он встретился с художником, то сказал, что я права, и картина до сих пор в его кабинете».

Однако настоящим поворотным моментом стало приобретение работы Манджита Бауа: «Я никогда не думала, что собираю искусство — просто покупала. Пока однажды не поняла, что у нас не осталось свободных стен, и я просто складывала полотна в подвал. Это было бессмысленно. Нужно было что-то делать».

Создание музея

К 2010 году у неё было уже 500 работ , и тогда родилась идея создать пространство для их демонстрации — Kiran Nadar Museum of Art (KNMA) . Сначала музей находился на территории кампуса HCL в Нойде (штат Уттар-Прадеш), затем — в торговом центре South Court Mall в Нью-Дели. В 2026 или 2027 году там откроется новый, гораздо более масштабный музей, спроектированный бюро Adjaye Associates , на участке площадью 100 000 кв. метров напротив международного аэропорта имени Индиры Ганди.

Почему именно Дэвид Аджей?

Выбор гано-британского архитектора Дэвида Аджея был сделан ещё в 2019 году, однако позже он стал объектом обвинений в сексуальных домогательствах и создании токсичной рабочей среды (по данным расследования Financial Times ), которые он отрицает.

«Выбор Аджея был осуществлён жюри, которое сузило список с 60 до 6 претендентов. Аджей выиграл единогласно», — объясняет Надар. (По информации пресс-релиза 2019 года, в шорт-лист попали пять из 47 заявок.)

«На тот момент мы ничего не знали о его личной жизни и уже заплатили около двух третей от суммы контракта. Поэтому мы продолжаем сотрудничать с Adjaye Associates, но сам Дэвид не будет участвовать в наших проектах, пока мы не будем чувствовать себя комфортно. Такова ситуация сегодня».

От классики к современному искусству

Первоначально Надар сосредоточилась на работах Bombay Progressive Artists’ Group — художественного коллектива из Мумбаи, соединявшего индийские традиции и европейский модернизм с 1947 года. Однако вскоре она стала собирать и современное искусство:

«Я покупала за огромные деньги. Затем наступил кризис, и цены многих работ так и не вернулись к тем уровням, за которые я их приобрела».

Этот кризис в индийском искусстве случился в 2006–2007 годах из-за спекуляций и создания художественных фондов. Цены продолжали падать несколько лет, и некоторые работы так и не восстановили свою стоимость.

«Мы хотим, чтобы индийское искусство получило большее международное признание», — говорит Надар. KNMA частично финансировала индийский павильон на Венецианской биеннале в 2019 году — это был лишь второй случай, когда страна представила свой павильон. В этом году там прошла ретроспектива М. Ф. Хусейна.

«Индия — важная страна. У всех стран есть свои павильоны [на биеннале], и у нас тоже должно быть. Если нет места в Джардини, то организаторы должны найти другое значимое пространство для нас. Думаю, на следующей биеннале Индия получит своё постоянное место».

Интернациональная коллекция

Хотя её страсть — индийское искусство, её коллекция включает также западных авторов: Энтони Гормли , Олафур Элиассон , Уильям Кентридж , а также художников из диаспоры Южной Азии, таких как Шазия Сикандер , Эниш Капур и Ракиб Шоу

«Пока финансирование осуществляется через фонд, но мы планируем создать эндаумент. Я не буду здесь вечно, и не могу оставить всё в чьих-то руках, где это не будет развиваться: мы обеспечим высокий профессионализм управления коллекцией».

Но искусство — не единственная её страсть: «Я на самом деле многогранна!» — смеётся она, делая широкий жест рукой. Надар является одной из ведущих игроков в бридж в Индии и в этом году будет представлять страну на Чемпионате мира по бриджу в Буэнос-Айресе.

Коллекционер Кен Гриффин заплатил $18,1 млн за исторические документы США с автографом Авраама Линкольна

admin — Thu, 10 Jul 2025 19:54:43 GMT

На левой стороне — Декларация об освобождении , на правой — 13-я поправка к Конституции США. Фото с аукциона Sotheby’s в Нью-Йорке. Фото: Sotheby's

Биллионер Кен Гриффин , основатель инвестиционного фонда Citadel, стал покупателем двух редких исторических документов США, уплаченных им на общую сумму $18,1 млн (с учётом комиссионных) на аукционе редких книг и рукописей, прошедшем 26 июня в Нью-Йорке на Sotheby’s:

Копию 13-й поправки к Конституции США , подписанную президентом Авраамом Линкольном, за $13,7 млн .
Копию Декларации об освобождении (Emancipation Proclamation) того же президента за $4,4 млн .

Значение документов

13-я поправка , принятая в 1865 году, официально отменила рабство в США, освободив около 4 миллионов человек , страдавших от этой жестокой системы более века. Продающаяся на аукционе копия была конгрессовской — одна из всего 15 известных версий , подписанных лично Авраамом Линкольном, который был ключевой фигурой в её принятии и ратификации. На ней также стояли подписи сенаторов и членов Конгресса, поддержавших документ. По данным Sotheby’s, только четыре таких экземпляра остаются в частных коллекциях.

Декларация об освобождении была издана в 1863 году, в разгар Гражданской войны в США. Этот указ президента объявлял свободными всех рабов на территориях, контролируемых Конфедерацией. Более 3,5 миллионов людей получили свободу, хотя этот указ не распространялся на штаты, остававшиеся в составе Союза, или на территории, уже находившиеся под его контролем.

Рекорды аукциона

По данным Sotheby’s:

    Предыдущий рекорд для копии 13-й поправки составлял $2,4 млн , установленный в 2016 году.
    Самый дорогой экземпляр Декларации об освобождении был продан в 2010 году за $3,8 млн .
    По сообщениям Sotheby’s, 13-я поправка и Декларация об освобождении будут переданы в одну из американских культурных институций, точное название которой пока не называется.

«С момента основания Америка движется к созданию более совершенного союза. Декларация об освобождении и 13-я поправка стали важным шагом вперёд, положив конец рабству и укрепив идеал равенства всех людей», — заявил Гриффин.

Коллекционная страсть Кена Гриффина

Кен Гриффин — один из крупнейших современных коллекционеров. Его интересы охватывают:

    Искусство (включая многомиллионные работы Марка Ротко и других)
    Артефакты (например, кости динозавров)
    Исторические документы

В 2021 году он обошёл группу инвесторов из криптосферы и приобрёл первую публикацию Конституции США за рекордные $43,2 млн (с учётом комиссии) на аукционе Sotheby’s.

В мае 2025 года стало известно, что Гриффин владеет ранним изданием предварительной версии Билля о правах (Bill of Rights) . Он планирует передать этот документ вместе с Конституцией в Национальный центр Конституции в Филадельфии , куда также сделал пожертвование в размере $15 млн для специальной выставки, приуроченной к полуторастолетию США в следующем году.

Очарование антикварного кружева

admin — Thu, 10 Jul 2025 19:16:49 GMT

История, изысканное мастерство и деликатность — вот ключевые причины притягательности антикварного кружева. Коллекционеры часто начинают с воротников и носовых платков.

«Мне нравится любое кружево, которое рассказывает историю», — говорит Энн Свифт, торговка антикварным кружевом с 40-летним стажем. И таких историй множество: как кружево вошло в моду, как женщины часами трудились над его созданием.

Кружево появилось в XVI веке, вероятно, в Италии, в Венеции, где издавались первые книги с узорами. Также известным центром стала Бельгия, где выращивали лучший лён для производства льняной пряжи. Первоначально плетение кружев было развлечением аристократок, но уже в начале XVII века, с развитием путешествий и браков между европейскими монархами и знатными семьями, оно стало прибыльной отраслью, что породило массовое контрабандное производство. Ходили жуткие истории о том, как женщины пересекали границы с кружевом, спрятанным в рукавах.

Венецианское кружево на коклюшках (XVII век) с изображением птиц на ветвях от Дженни Сарджант

На протяжении XVII и XVIII веков дорогое кружево стало обязательным аксессуаром придворной моды. Никто не жалел денег. Его можно увидеть в великолепных воротниках-пышках, обрамляющих лица на портретах того времени. Одно из преимуществ кружева — возможность легко перешивать с одного изделия на другое.

Существует два основных типа ручного кружева

    Шитьё иглой — выполнялось одной иглой и тонкой нитью. Узор наносился на пергамент, а затем обводился и заполнялся.
    Коклюшковое кружево (или «подушечное») — делалось с использованием катушек с нитями, которые переплетались вокруг булавок, закреплённых на подушке согласно бумажному шаблону.

К концу XVI века английские города, такие как Хонитон в графстве Девон и районы Восточного Мидленда, стали важными центрами коклюшкового кружева. Многие виды кружева получили название по месту возникновения: Хонитон, брюссельское Point de Gaze , венецианское Point de Venise , миланское, а также алансонское и шантильское в Франции.

«Брюссельское Point de Gaze пользуется мировой популярностью», — говорит антиквар Дженни Сарджант, но её любимчик — хонитонское кружево: «Его качество может быть не хуже брюссельского, а мне оно кажется более очаровательным. Одна мастерица сказала мне, что вдохновлялась живыми изгородями Девона».

Воротник из брюссельского цветочного кружева XIX века от Дженни Сарджант

Плетение кружева стало важной частью экономики Европы, и многие женщины стремились овладеть этим ремеслом. Оно процветало в монастырях, открывались специальные школы. В Англии бедных детей обучали кружевоплетению, чтобы они могли зарабатывать себе на жизнь. Даже Уильям Шекспир упоминал коклюшковое кружево в пьесе «Двенадцатая ночь», говоря о «девушках, ткущих нити костями».

Мастер мог изготовить всего один квадратный дюйм кружева за день. Условия были тяжёлыми, особенно для тех, кто крутил лён в сырых подвалах при слабом свете — чтобы нити не высохли и не порвались. Чаще всего использовался лён, иногда — шелк, золотая или серебряная нить, а после 1800 года — хлопок.

В 1809 году Джон Хиткоут из Ноттингема запатентовал машину для производства кружева, и вскоре этот предмет роскоши стал доступным. Это положило конец эпохе ручного кружева. Однако когда королева Виктория вышла замуж за принца Альберта в 1840 году, её фата и отделка платья из хонитонского кружева были сшиты усилиями 200 женщин за три месяца. Это вызвало кратковременное возрождение интереса к ручному кружеву. К Первой мировой войне его роль в международной торговле была окончательно утрачена.

Энн Свифт до сих пор бережно хранит один уникальный экземпляр — платок из коллекции королевы Виктории, который она никогда не продаст.

Платок из кружева Point de Gaze XIX века с розами из двух лепестков от Дженни Сарджант

Сегодня антикварное кружево стоит гораздо дешевле, чем в свои золотые времена. Его покупают коллекционеры, дизайнеры костюмов и модники. По словам Энн Свифт, воротники расходятся очень быстро: «Наденьте на простое платье — и оно станет уникальным». Дженни Сарджант рассказывает, что у неё есть клиент, который оформляет старинное венецианское кружево в рамки и вешает на стену. Лондонский антиквар Диана Харби отмечает, что японские покупатели охотно приобретают антикварные кружевные вещи и скатерти.

Все эксперты сходятся во мнении: кружевные платки всегда находят покупателей. Для Дженни Сарджант это доступный способ начать собирать разные виды антикварного кружева. Она рада видеть невест, которые хотят использовать такие платки в день свадьбы. Что может лучше подойти для ловли слёз счастья в такой особенный день, чем антикварный кружевной платок?

Коллекция енотов Стефани Джонсон

admin — Thu, 10 Jul 2025 18:42:31 GMT

Коллекция Стефани Джонсон началась довольно необычно.

«Я начала собирать енотов ещё в 1972 году, когда купила себе четырёхнедельного малыша в одном из зоомагазинов в Калифорнии», — рассказывает она.

Она назвала малыша Мерси и вскоре завела ещё одно животное: «Сэди я спасла из чердака. Мне очень нравилось воспитывать их с самого детства».

Еноты любят делать свои норы на чердаках, и, живя в Калифорнии, Стефани спасла и нашла новых хозяев для нескольких помётов.

«Мой муж Рэнди водил Мерси и Сэди на поводке к озёрам и ручьям — мы даже брали их с собой в походы».

Хотя сейчас во многих штатах США содержание енотов в качестве домашних животных запрещено, Стефани не единственная, кто питает к ним слабость. Любимым питомцем президента Кэлвина Кулиджа была енотиха по кличке Ребекка. Президент даже построил для неё специальный домик и выводил её на прогулки по Белому Дому на поводке.

Мерси и Сэди прожили до 12 лет.

«В дикой природе они так долго бы не протянули, — говорит Стефани. — Обычно еноты живут всего около четырёх лет».

Домашние животные вдохновили родственников и друзей подарить ей множество вещей с изображением енотов. Со временем её коллекция насчитывала уже сотни предметов.

Когда в 2013 году семья переехала в Спокан, Стефани точно знала, как хочет их представить: «У меня всегда была мечта — иметь комнату для коллекции. Вот я купила беседку и заполнила тем, что мне нравится больше всего».

Готовая беседка украшена деревянной табличкой с надписью «Мерси и Сэди» — в честь тех самых питомцев, которые вдохновили эту коллекцию. Внутри еноты встречаются взглядом с посетителя с пола до потолка, из каждого угла.

«Пару месяцев я собирала мебель для коллекции. Рада, что мои экспонаты больше не стоят в доме».

В её коллекции есть кружки, магниты, картины, фартуки, вышивка, головоломки и фигурки.

Стефани указывает на одну из своих самых ранних вещей: «Парень из того зоомагазина, где я работала, подарил мне эту статую с тремя енотами на свадьбу».

В одном углу стоит маленькая ёлочка, увешанная десятками игрушек. «Это одна из первых новогодних ёлок с волоконной подсветкой 80-х годов, отлично подходит для моих енотовых новогодних украшений».

Ёлка досталась ей от мамы и хранит приятные воспоминания. Многие предметы из коллекции тоже были подарены матерью, включая мягкую игрушку-енота и индивидуальную рождественскую наволочку. Когда её мать ездила в Японию, она привезла дополнительные элементы для коллекции Стефани, в том числе керамического борца сумо.

В шкафу собраны фигурки Hallmark Tender Touches. Эти забавные сувениры изображают всё, от енота, гребущего на плоту, до патриотической тройки трубачей в образе енотов, и даже отца с детёнышем, ловящих рыбу.

На одной из полок — серые фигурки, сделанные из пепла вулкана Сент-Хеленс.

Стефани переделала футболки с изображением любимых млекопитающих в одеяло, и, конечно же, у неё есть колпак из шкуры енота, хотя, разумеется, он искусственный.

На маленьком столике стоит лампа, основание которой выполнено в виде енота. «Я сама раскрасила её в одной из мастерских „раскрась сам“».

Мягкие игрушки-еноты заполняют комнату, а также у неё есть керамический чайный набор коричневого цвета. Ручки миниатюрных чашек оформлены в виде кольцеобразных хвостов.

Одна из её любимых вещей — коллекционная тарелка под названием «Друзья с тёмными глазами» работы художника Грегори Перилло. На ней изображена девочка-индеец с енотом, заглядывающим ей через плечо.

«Мне нравится, как они стоят рядом, с этими проникновенными взглядами».

Что больше всего ценит Стефани в своей коллекции — это воспоминания, которые вызывают многие предметы.

«Их мне дарили люди, которым я дорога».

В округе Споукен держать енота в качестве домашнего животного незаконно, но Стефани это вполне устраивает. Ей хватает её «приручённой» коллекции и современных питомцев.

«Мне больше не нужен настоящий енот, три кошки и одна собака — вот всё, что мне нужно».

Общество коллекционеров пуговиц в Айдахо отмечает 50-летие

admin — Sat, 05 Jul 2025 17:58:25 GMT

Для большинства людей пуговицы — всего лишь детали одежды. Но для членов Idaho State Button Society (Общества коллекционеров пуговиц штата Айдахо) они — это история, искусство и культура, которые может собрать каждый.

«Мы просто помешаны на пуговицах», — говорит Бетти Макинтош из Эдена, Idaho.
«В них столько красоты и истории. Каждая рассказывает свою историю».

С 3 по 6 июня 2025 года в отеле Red Lion Hotel Templin’s on the River , городе Пост-Фоллс, проходило главное событие юбилейного года — 50-я годовщина общества . На выставке было представлено более 100,000 пуговиц , доступных для покупки, оценки и аукциона.

Члены клуба, такие как Бет Шот (Beth Schaut) , объясняют, что это больше чем хобби:

«Здесь есть место каждому. Я ещё не встречала никого в этом кругу, кто бы не был дружелюбным и готовым поделиться знаниями».

На выставке участники представили свои лучшие экспонаты, чтобы претендовать на призовые ленты, небольшие денежные призы и, конечно же, репутацию знатока .

Темой этого года стало «Айдахо золотой» . Многие коллекции были связаны с родным штатом — например, кнопка с картофелиной , созданная к Expo ’74 в Спокане. Другие участники выбрали свои темы: серия пуговиц с изображением свиней , грибов или военных униформ.

«У нас тут свои личности. Иногда чувствуется напряжение, когда люди слишком серьёзно относятся к соревнованию. Но мы все друг друга любим — так что всё остаётся в семье», — шутит Шот.

Несмотря на масштаб юбилейного события, общество сталкивается с проблемой, знакомой многим старинным клубам: старение членов сообщества и отсутствие молодых коллекционеров .

Из около 40 человек , посетивших выставку в первый день, большинство — пожилые женщины , увлечённые этим искусством десятилетиями. По словам Симоны Кинкейд (Simone Kincaid) , которая руководит со страницами и выпусками общества:

«Почти все клубы коллекционеров пуговиц по стране "стареют". Молодёжь не спешит замещать ушедших. Это настоящий вызов для будущего».

Она даже освоила Photoshop , чтобы выпускать ежемесячные бюллетени, и пытается вести страницы в соцсетях, хотя признаётся:

«Это сложно. Я сама училась этому. И до сих пор борюсь с технической частью».

Её дети, как и дети многих других членов, не заинтересованы в наследии коллекций :

«Моя дочь хочет забрать мои пуговицы с Эйфелевой башней — и только. Остальное её не интересует», — с сожалением добавляет она.

Исторические находки

Помимо соревновательных работ, вниманию посетителей была предложена экспозиция исторических пуговиц , собранная Кинкейд и другими энтузиастами.

Особый интерес вызвали:

Перуанские пуговицы , сделанные из копальской смолы (resin) и украшенные изображениями лиц, тропических птиц и обезьян. Одна из них — с зубами пираний .
Пуговицы из Викторианской эпохи , включая одну с миниатюрным локоном ребёнка , умершего в младенчестве. Такие изделия использовались как напоминание о близком человеке , запечатлённое в золоте и кварце.

Кинкейд также показала несколько своих самых ценных предметов — в том числе золотую пуговицу с Эйфелевой башней, стоимостью около $700 .

«Я никогда не думаю о деньгах. Для меня важна красота», — делится она.

Многие надеялись, что эта выставка привлечёт новых участников. Однако реальность показывает, что молодёжь не воспринимает пуговицы как актуальное увлечение .

Шот рассказала, что её дочь любила коллекцию, пока не стала подростком. Тогда ей стало стыдно ходить с мамой на мероприятия. Хотя её друзья и называли это «чудным хобби», сама девочка потеряла интерес.

«Поздние поколения видят в этом материализм. А для нас это не просто вещи. Это наш способ быть вместе. Подруги, единомышленники, чувство принадлежности — вот что важно. Молодёжь пока не берёт эту эстафету».

Она и Кинкейд пытаются вовлечь новое поколение — проводят беседы с Girl Scouts , выставляют экспонаты в библиотеках, раздают бесплатные пуговицы , чтобы пробудить интерес. Но результаты пока скромные.

Хотя впервые мероприятие прошло в 1975 году , сегодняшнее поколение участников беспокоится за его будущее. Тем не менее, они говорят, что главное, что даёт им силы продолжать — это дружба .

«Когда ты взрослеешь, найти друзей становится сложнее. Если только у вас нет общего интереса», — говорит Шот.
«Вы подходите к кому-то, говорите о пуговицах — и через пару часов уже знаете их всю жизнь. Так мы остаёмся семьёй».

Коллекционеры и их страсть

Karen Burden , одна из посетительниц выставки, искала завершающий элемент своей коллекции — пуговицу с Фукуркоджу , богом удачи и долголетия из японских «Семи богов фортуны». Она нашла только прямоугольную версию — но круглую так и не встретила .
Simone Kincaid , с 50-летним стажем коллекционера, представила уникальные образцы, включая самые старые экземпляры , датируемые XIII веком — «пуговицы пиратов», как она их называет.

По её словам, некоторые отдельные пуговицы могут стоить до $2,000 , а целые коллекции — продаваться за $60,000 .

Хотя рынок пуговиц как коллекционного направления теряет популярность, для тех, кто здесь — это образ жизни .

«Это не про деньги. Это про то, как сохранить красоту и передать её дальше», — говорит Кинкейд.

«И главное — мы здесь не одни. Мы вместе. Это стоит дороже любой пуговицы», — добавляет Шот.

Если вы хотите начать собирать пуговицы или узнать больше, посетите сайт Idaho State Button Society или следите за арт-ярмарками в вашем регионе. Возможно, среди ваших друзей или соседей найдётся тот, кто знает, где начинается настоящая коллекция .

Коллекция Matchbox-машинок укрепила их брак

admin — Sat, 05 Jul 2025 06:19:10 GMT

Для большинства людей коробки от спичек — это просто упаковка. Но для Терри и Рене Тейлор из Спокана они стали началом истории, которая со временем превратилась в полноценный магазин в районе Гарленд.

Всё началось в 1988 году , когда супруги гуляли по блошиному рынку и Терри заметил маленькую красную модель Rolls-Royce , сделанную примерно в 1967 году .

«У меня был такая же в детстве», — вспоминает он.

Это был один из многих Matchbox-машинок , с которыми он играл в юности. Его отец владел автосалоном в небольшом городке штата Монтана, а в поездках в Спокан каждый сын получал право выбрать себе одну игрушечную машину. Упаковки? Они обычно выбрасывались.

«Сейчас эти коробки стоят больше, чем сами машины», — смеётся Терри.

После находки на рынке он позвонил маме и спросил о своих старых игрушках. К его разочарованию, всё было давно утеряно. Так он решил восстановить своё детство — по одной машинке за раз.

Он сосредоточился на классических моделях 1953–1970 годов , особенно тех, что были выпущены в эпоху Lesney Products — компании, основанной в Англии братьями Смит и инженером Джеком Одэлом. Именно тогда, после слов своей дочери о том, что в школе разрешено носить только такие игрушки, которые помещаются в коробку от спичек, родилась идея первого Matchbox автомобиля — миниатюрного катка, упакованного в спичечную коробку.

Сегодня компания принадлежит Mattel , но классические модели остаются предметами желания коллекционеров.

Разные пути, одна страсть

Рене не могла остаться в стороне. Когда её муж начал активно покупать машинки, она тоже приняла участие:

«Я знала, что могу либо развестись, либо обанкротиться… или сама стать частью этого», — говорит она с улыбкой.

Оказывается, она тоже была фанаткой этих игрушек ещё с детства. У неё было около 100 машинок , и теперь некоторые из них стоят дороже, чем коллекция Терри .

Терри любит классику: например, оранжево-красный самосвал Hoveringham Tipper из 1960-х годов. Он помнил, как катал его в детстве, даже «развалил колёса» от постоянных запусков по полу.

Но Рене обратила внимание на более крупные модели. Она собирала Matchbox King Size (3½–4 дюйма) — и именно они стали её гордостью.

Её любимый экспонат — мотоцикл Speed Kings Easy Rider chopper , созданный по мотивам культового фильма. По её словам, фигурка на нём даже немного похожа на Питера Фонду . У неё есть две версии — с хромированными и красными рукоятками.

«Это часть серии Super King. У них даже колёса круче крутятся!»

А у Терри есть свой фаворит — синий фургон Dodge Custom Van с надписью “It’s only rock ’n’ roll” на боку.

Особое внимание Тейлоры уделяют деталям и сохранности оригинальных коробок . Например, в их коллекции есть скорая помощь King Size 1967 года , где внутри можно рассмотреть тело на носилках — невероятная проработка для такой крошечной игрушки.

Интересно, что при производстве масштабные модели часто использовали как эталон. Инженеры ставили настоящие автомобили рядом с рабочими местами и делали точные копии.

Цветовые вариации могут сильно повлиять на стоимость. Например, зелёная пожарная станция считается более редкой, чем аналогичная с красной крышей. То же касается некоторых машинок — если цвет необычный, цена может быть в десятки раз выше стандартной версии.

Когда появились первые игровые наборы , начиная с 1956 года, Тейлоры расширили свою коллекцию. Сейчас у них есть и гаражи, и заправочные станции. пожарные части и фермерские комплекты.

Особенно ценным является набор G-6 1968 года в оригинальной упаковке.

С момента переезда из Миссури в Спокан в 1990 году их коллекция выросла с 100 до 1800 единиц . В доме установлены витрины , включая круглые, как в детстве, и аккуратно расставленные полки.

В 2015 году они начали поддерживать Inland NW Toy Show Classic , который проходит дважды в год в Spokane County Fair and Expo Center .

«Спокан — город игрушек», — говорит Рене.

А в 2019 году они решили, что у них слишком много всего, и открыли магазин Over the Moon Relics на Garland Avenue .

«Просто мы не могли остановиться. И у нас было слишком много всего», — добавляет Терри.

Для Тейлоров сбор коллекции стал не просто хобби. Это стало способом проводить время вместе. Их совместные походы по магазинам и ярмаркам укрепили их отношения.

«Когда мы переехали сюда, мы были женаты всего пару лет. Общие интересы помогли нам стать ближе», — говорит Рене.

Терри же получает удовольствие от поиска:

«Главное — купить целую коробку, распаковать и найти там то, что ты искал всю жизнь».

Помимо машинок, у Тейлоров есть интерес к виниловым пластинкам, винтажным радио и старинным игрушкам.

Они регулярно участвуют в ярмарках антиквариата , искренне радуются находкам и продолжают собирать не только машинки, но и воспоминания.

Путеводитель по японскому мастерству ксилографии Хиросиге

admin — Thu, 03 Jul 2025 17:37:20 GMT

Алан Медо , 81-летний американский бизнесмен, потратил **пятьдесят лет жизни на сбор одного из крупнейших частных арт-архивов работ легендарного японского художника Утагавы Хиросигэ (Utagawa Hiroshige) . Его коллекция насчитывает 850 экземпляров — это крупнейшая частная коллекция вне Японии .

Теперь часть этой коллекции переходит в общественное пространство. В мае 2025 года Британский музей представил выставку «Хиросиге: Художник открытой дороги» (Hiroshige: Artist of the Open Road) , где представлено 117 работ из коллекции Медо. Это первая публичная демонстрация многих из них. Среди них есть уникальные образцы , которые ранее не выставлялись никогда.

«Мне всегда нравились эти работы. Но я не просто собиратель. Я человек, который хочет делиться искусством с другими», — говорит Медо.

Алан Медо учился в Японии и всю жизнь поддерживает тесные связи со страной. Позже он работал в финансовой сфере и часто бывал в Токио. Именно там он впервые увидел деревянные гравюры Хиросигэ — ландшафты гор, рек, птиц и цветов, созданные в XIX веке.

«Я был поражён. Эти картины передают дух путешествия, природы и вечности. Они резонируют по всему миру с конца 1800-х годов», — рассказывает он.

Свою первую гравюру он купил в 1969 году за $35 — это была работа Хиросигэ II , ученика мастера, «Кисо Гора в снегу» из серии «Сто знаменитых видов провинций» . Он думал, что покупает оригинал, но даже подделка оказалась качественной:

«Цвета были хороши. Я понял, что мне нужно больше таких работ».

Он начал ездить в Японию чаще. И хотя большинство экземпляров, которые он находил, были плохого качества, время от времени ему попадались настоящие шедевры.

«Именно так я и начал собирать. Сохраняю до сих пор ту первую работу, хотя потом нашёл много лучших».

Любимые работы

У Медо 800 любимчиков , но две работы особенно значимы для него:

1. "Tōkaidō Autumn Moon: View from the Kanagawa Musashi Province" (ок. 1839)

Эта работа выполнена на веере. Она показывает осенний вечер — Луна уже взошла, а солнце только-только скрывается за горизонтом. По его словам, это единственный сохранившийся экземпляр такого изображения:

«Веера — вещь крайне редкая. Они часто использовались продавцами как образцы, и когда картинка пачкалась — её просто вырывали. Так что сохранность оригинала — настоящее чудо».

2. "Sketch of a Yoshiwara Flower-Viewing Party" (середина 1840-х – 1850-е годы)

Ещё одна работа на веере. На ней — процессия из Ёсивара , проходящая сквозь цветущие сакуры. Это пример мастерства в деталях : маленькие фигуры людей, их движения, композиционное решение.

«Это могло быть сделано по частному заказу. Бумага толще обычной, краски нежнее. Это не просто вид — это история».

В 2005 году Медо почти получил одну из самых желанных работ — изображение моста О-Хаси из серии One Hundred Famous Views of Edo , выставленную на аукционе Sotheby’s в Лондоне. Однако кто-то предложил больше, установив мировой рекорд цены.

«Я не получил этот экземпляр, но купил все зимние виды из той же серии. Иногда то, чего не можешь достичь, остаётся самым желанным».

Но если раньше он искал и покупал, то теперь делится. Он подарил 35 работ из своей коллекции Британскому музею, включая обе работы на веерах и другие уникалы.

«У Британского музея богатая история изучения японского искусства. Мне приятно, что мои работы будут доступны широкой публике».

Искусство как связь между людьми

Медо объясняет, что его страсть — это не только к искусству, но и к людям, которые его ценят :

«Я люблю объекты. И люблю тех, кто их собирает. Это могут быть фарфор, современные картины или старинные книги. Но главное — это отношение».

В 1970-х годы деревянные гравюры Хиросигэ были ещё доступны. К моменту пузырькового экономического периода в Японии (конец 1980-х) , цены на работы резко взлетели. Медо перешёл на закупку книг и каталогов, чтобы лучше понимать стиль и историю искусства.

«Когда пузырь лопнул, я снова вернулся к покупкам. Особенно меня интересовали ландшафты, в том числе серия "Сто знаменитых видов Эдо". Сегодня они остаются самыми востребованными».

Революцию принёс интернет:

«Теперь на рынке — китайские, русские, парижские и техасские коллекционеры. Раньше о Хиросигэ знали лишь немногие. Теперь — миллионы».

Выставка «Хиросиге: Художник открытой дороги» проходит с 1 мая по 7 сентября 2025 года в Британском музее . Она стала возможностью представить публике редкие произведения, многие из которых ранее хранились в частных коллекциях.

На стене дома Медо в Нью-Йорке — два важных полотна:

"Enjoying the Cool Breezes under the Pine of Success along the Asama River on a Moonlit Night" (1850-е)
"View of Saruhashi (Monkey Bridge) in Kai Province" (1840-е)

Оба — примеры того, как Хиросигэ передавал свет, движение и эмоции через минимализм и чернильный контраст.

Для Медо эта коллекция — не инвестиция, не трофей и не модное увлечение. Это путешествие, начавшееся в юности и ставшее жизненным опытом .

«Искусство создано, чтобы им делиться. И я рад, что мои находки теперь станут частью истории, которую смогут прочувствовать тысячи людей».

Пирл Лам: «Без великих музеев не бывает великих коллекционеров»

admin — Thu, 03 Jul 2025 16:56:50 GMT

«Рынок сейчас очень медленный», — говорит Пирл Лам , гонконгская галеристка, которая десятилетиями была ключевой фигурой в арт-сфере региона. Её называли «двигателем китайского художественного мира». С тех пор как она начала с временных выставок в начале своей карьеры до расцвета перед пандемией, когда у неё было несколько собственных галерей в Гонконге, Шанхае и Сингапуре, она знает все взлёты и падения рынка искусства.

«Но в этот раз я думаю — это действительно плохо», — предупреждает она.

Хотя в мире искусства принято оставаться оптимистом даже в самые тяжёлые времена, Пирл Лам говорит, что теперь действует в режиме сохранения . В этом году она уменьшает участие в арт-ярмарках и ждёт лучшего момента для переезда в новое трёхэтажное пространство в районе Central (Гонконг) , которое дополнит её уже существующие галереи в Шанхае.

«Новые китайские коллекционеры хотят покупать то же, что и западные. Если у тебя есть Джордж Кондо, мне нужно два таких, и ещё больших!» — отмечает она.

Искусство в изменениях

За последние десять лет социальные и политические потрясения в Гонконге — от демонстраций за демократию до ограничений из-за пандемии — серьёзно повлияли на местную художественную сцену. Усиление регуляций привело к тому, что многие компании и семейные офисы покинули город. На их месте в роли нового центра искусства появился Сингапур .

Успех ярмарки Art SG и рост числа частных художественных фондов и галерей показывают, что Сингапур становится настоящим конкурентом Гонконгу.

Однако Лам скептически относится к этой моде:

«Сингапур всегда конкурирует с Гонконгом. Но он пока не готов заменить его полностью».

В период с 2014 по 2019 год Лам сама управляла двумя галереями в Сингапуре, но была вынуждена закрыть их, потому что локации — такие как Gillman Barracks и Dempsey Hill — придавали приоритет заведениям общепита, а у неё просто не было достаточного количества персонала.

«Сингапур важен для Юго-Восточной Азии. Но инфраструктура здесь — проблема», — объясняет она.

По её мнению, одного интереса соседних стран недостаточно для создания устойчивого арт-рынка. Нужны сильные культурные институты , которые могут создать среду для формирования великих коллекционеров и художников .

«Вы не сможете иметь великих коллекционеров без великих музеев», — уверяет Лам.
«А музеи требуют государственной поддержки. В Азии их всё ещё воспринимают как бизнес-проекты, а не как культурное достояние».

Правительство Сингапура, по её словам, не оказывает достаточной поддержки искусству. Например, Национальная галерея Сингапура страдает от нехватки финансирования.

Лам считает, что M+ в Гонконге — это идеальный образец того, каким должен быть современный музей. Он не только укрепляет культурную жизнь города, но и вместе с другими учреждениями, такими как Гонконгский музей искусства , Дворцовый музей и Tai Kwun , делает Гонконг более привлекательной площадкой, чем Сингапур.

Однако развитие арт-сцены в Гонконге шло крайне медленно. Родившись в Гонконге, дочь известного девелопера Лим Пор Йена , Лам начала свою деятельность в 1990-х годах после обучения в Великобритании и выполнения обещания работать в семейном бизнесе.

Тогда она столкнулась с тем, что Гонконг был культурным пустырем . Даже группы меценатов игнорировали город, отправляясь смотреть современное китайское искусство в Пекин и Шанхай.

Как начинался бум китайского искусства

Первыми коллекционерами современного китайского искусства были немцы , затем — французы и американцы . Британцы присоединились позже. Они часто рассматривали искусство как сувенир , не осознавая его истинной ценности.

«Эти работы вскоре стали предметом феерии, которая вывела художников на международную арену», — говорит Лам.

Главной точкой отсчёта этого скачка стал первый аукцион современного азиатского искусства Sotheby’s в Нью-Йорке в 2006 году . После него цены на произведения искусства резко возросли. Однажды Лам купила фотографии у художника за $500, а на следующий день они уже продавались за $80,000.

«Мой телефон просто звенел от звонков. Все говорили: “Мне нужно это. Мне нужно больше вот такого”», — рассказывает она.
«Каждая американская галерея хотела представителя из Китая».

В те годы, когда Цэн Фанчжи (Zeng Fanzhi) и другие китайские художники входили в моду, а MoMA и Guggenheim проводили выставки современного китайского искусства, мир казался полным возможностей. Сегодня же:

«Никто больше не представляет китайских художников», — с грустью отмечает Лам.

По её мнению, это связано с усиливающимся напряжением между США и Китаем. Сейчас на любые произведения искусства, произведённые в Китае и попадающие в США, установлен тариф в размере 7.5% .

«Какая галерея согласится платить такой налог за китайское искусство?»

Внутренний рынок тоже меняется. Если раньше популярностью пользовалось политическое поп-арт направление , то сегодня новый класс молодых, образованных за границей китайцев хочет купить то же, что и Запад .

«Если у вас есть Джордж Кондо, мне нужен больший экземпляр — и лучше сразу два», — смеётся она.
«Это движение вызвано скорее эго, чем страстью к искусству».

Расширение горизонтов

Сама Лам расширяет свои интересы. Хотя её галерея давно работает на пересечении Востока и Запада , она стала уделять больше внимания африканскому искусству .

На прошлогодней ярмарке 1-54 Contemporary African Art Fair в Лондоне она представила работы лагосского живописца и скульптора Алими Адевале (Alimi Adewale) — одного из новых имён африканского авангарда.

«Сначала я не понимала значение фигурализма в искусстве. Но что-то во мне изменилось, когда я начала учиться у других людей», — признаётся она.

Она посетила более 80 художников в Йоханнесбурге за четыре дня , стремясь расширить свои знания и связи.

Лам получает настоящее удовольствие от перемен и путешествий. Она называет себя “Pearlthetornado” в X (бывший Twitter) и “Pearltheworld” в Instagram. У неё дома стоит обеденный стол на 66 человек , и она славится своими десятиблюдными ужинами .

«Я не отдыхаю. Я не знаю, как ходить в спа», — говорит она с улыбкой.

На следующей неделе она планирует побывать в Париже, Лондоне, Нью-Йорке и Лос-Анджелесе . И если она не на мероприятии, то, вероятно, снова организует вечеринку или записывает подкаст Pearl Lam , где беседует с такими гостями, как коллекционеры Don и Mera Rubell , или шеф-повар Stéphanie Le Quellec .

Если рынок не восстановится, Лам, возможно, уже сейчас создаёт себе умный выход из игры , сохраняя влияние через медиа и международные проекты.

Она остаётся верна своему кредо:

«Искусство — это мост между культурами. И пока этот мост существует, я буду строить его дальше».

Коллекционер Скотт Гриффит и его «стена звука»

admin — Thu, 03 Jul 2025 15:49:03 GMT

Для Скотта Гриффита из Спокана музыка — это не просто звук. Это опыт, который охватывает тело и душу. Его дом наполнен настоящим "стерео-храмом" , где каждый элемент — от приёмников до колонок — воссоздаёт звучание музыки так, как задумывали инженеры и музыканты десятилетия назад.

И всё началось с одной находки на Craigslist.

«Я всегда жил музыкой. Но только двадцать лет назад я серьёзно увлёкся сбором винтажной стереотехники», — рассказывает Гриффит, выпускник школы Shadle Park (1972 год).

Эпоха «монстров»: битва за мощь

В 1971–1981 годах в мире аудиотехники разразилась эра, известная как «война монстров» — время, когда компании Hi-Fi производителей соревновались за право создать самый мощный, красивый и технологически совершенный приёмник (receiver) .

Это были гигантские устройства, собранные из качественных компонентов, облицованные деревом, с чёрными шкалами и массивными ручками. Их часто называют «монстры» — за размеры, вес и невероятное качество звука.

Скотт нашёл свой первый экземпляр — Kenwood 9600 — через интернет-доску объявлений. После небольшого исследования он понял, что попал на легендарную модель:

«Я подумал, что это круто, и решил искать ещё. В течение года их у меня было уже несколько. Потом ещё. А теперь их у меня 27 штук ».

Музей в подвале

В подвале его дома в северном Спокане расположено настоящее святилище аналогового звука :

    На полках, сделанных своими руками, установлены 21 винтажный приёмник
    Противоположная стена уставлена компонентами и массивными колонками
    Есть даже переключатель , позволяющий выбрать, какой приёмник использовать
    Всё дополнено проигрывателями винила , кассет и реечных лент (reel-to-reel)

Он любит слушать музыку именно в таком формате:

«Реечная запись даёт самый тёплый и богатый звук. Это настоящий винтаж».

Среди множества моделей есть особенные:

    Pioneer SX-1980 — один из самых мощных: 270 Вт на канал , выпущен в 1978 году по цене $1295 , что тогда считалось роскошью.
    Technics MCS , произведённый для JCPenney — его любимчик: имеет встроенный эквалайзер , чего нет у большинства других моделей.
    Rotel RX 1603 — стоит в списке желаний. Очень редкий, почти мифический среди коллекционеров.

«Мне нравится, как они выглядят и звучат. Ничто современное не сравнится с этим классом».

Пятнадцать лет назад Гриффит начал восстанавливать старые приёмники , продавать или менять их. Он является участником крупнейшего онлайн-сообщества стерео-энтузиастов, насчитывающего 140 тысяч участников .

«Многие из этих приёмников выбрасывали. Люди не видели в них ценности. Сейчас же — это артефакты времени, которые невозможно заменить».

Гриффит уверен: даже современная музыка звучит лучше, если её проигрывать через винтажную технику.

Например, ESS-колонки 1976 года , предназначенные для Concept, весят по 56 кг каждая , но дают удивительную глубину и ясность звука .

«Вы чувствуете, как музыка наполняет комнату. Это совсем не то, что сейчас продают в магазинах».

Скотт планирует поездку в Британскую Колумбию , чтобы забрать Pioneer SX-590 , одну из самых редких моделей, выпущенную в 1978 году.

«У этой версии чёрная передняя панель. Я очень хочу её услышать!»

Почему это важно?

Для Гриффита это больше чем хобби — это образ жизни . Он проводит вечера с бурбоном в кресле, слушает Fleetwood Mac , смотрит, как игла скользит по пластинке, и знает: каждое устройство, через которое проходит эта музыка, старше половины населения города .

«Здесь ты действительно слышишь, что задумал исполнитель. Это живой звук, родом из эпохи, когда делали не ради маркетинга, а ради качества».

Почему люди собирают искусство?

admin — Thu, 03 Jul 2025 08:57:13 GMT

Этот вопрос волновал человечество на протяжении веков. Сигмунд Фрейд первым пытался дать научное объяснение мотивам коллекционирования, но даже сегодня ответы остаются неоднозначными и сложными для понимания.

«Иногда вещи переворачиваются с ног на голову. Мы меняем свои взгляды», — говорит историк Джеймс Делбурго , автор книги «Благородное безумие» , которая раскрывает тёмные стороны этой привычки.

В древнем Риме политик Цицерон описывал жажду собирательства как проявление похоти — в лице коррумпированного правителя Гая Верреса. Позже образ коллекционера менялся: от развратного до аскетичного, одинокого человека, подобно герою романа Бальзака «Кузен Понс» , чья жизнь была заполнена одиночеством и внутренними конфликтами.

Сегодня же большинство коллекционеров говорят о своих мотивах иначе. Исследование Art Basel & UBS показало, что 40% опрошенных покупают искусство ради личного удовольствия и самовыражения. Лишь 24% признались, что главной целью является инвестиция. Тем не менее, возникает вопрос:

«Может ли это быть способом прикрыть финансовые цели под маской страсти?» — задаётся вопросом доктор Клэр МакЭндрю, аналитик рынка искусства.

Коллекционирование от импульса к системе

Начинающие коллекционеры часто действуют интуитивно, эмоционально. Так рассказывает Ральф Сегрети , коллекционер из Лондона и Чикаго:

«Первые десять лет я покупал хаотично, как все. Только через 20 лет моё собирание стало осмысленным».

Его коллекция состоит из абстрактного и концептуального искусства , включая работы таких современных художников, как Теастер Гейтс (Theaster Gates) и Лорен Холси (Lauren Halsey) . Всего у него около 150 произведений искусства .

Однако он также признаётся:

«Я бы назвал себя человеком с зависимостью от покупок. Но я направил её в более глубокое русло».

Женщины в мире коллекционирования

Не все коллекционеры ограничиваются стенами своего дома. Некоторые создают музеи, чтобы поделиться своей страстью с миром.

Патриция Сандретто Ребауденго , основательница одноимённого фонда в Турине, говорит:

«Искусство помогает мне лучше понимать мир. Я меньше говорю и больше слушаю то, что хотят сказать художники».

Её коллекция насчитывает более 1500 работ современного искусства , 3000 исторических фотографий и огромную коллекцию американских ювелирных изделий . Она сотрудничает с художниками напрямую, заказывает новые проекты, такие как скульптура Маргериты Юмео (Marguerite Humeau) и мозаика Таубы Ауэрбах (Tauba Auerbach) .

«Моя роль выходит за рамки простой покупки. Я хочу участвовать в жизни художников, поддерживать их развитие».

Хотя женщины всё ещё составляют меньшинство среди крупных коллекционеров, ситуация начинает меняться. По словам экономиста Пола Донована (UBS Global Wealth Management) , женщины становятся важной частью круга высокобюджетных покупателей.

Ожидается, что в ближайшие 20–25 лет будет передано $84 триллиона — «Великий переход богатства», который может увеличить число женщин-коллекционеров.

Искусство как инвестиция?

Финансовый интерес к искусству существует, но он часто скрывается за словами о любви к культуре и красоте. Это связано с тем, что рынок искусства ценит тех, кто собирает «ради искусства», а не ради выгоды.

«Самые ценные коллекции создаются, когда есть личный смысл», — отмечает Делбурго.

Но можно ли отличить истинную страсть от стратегического вложения? Искусство становится инвестицией, когда его владелец считает, что оно со временем подорожает. Однако, как отмечает исследование, лишь 8% коллекционеров признаются, что они одержимы этим процессом.

Существует тонкая грань между страстью и навязчивостью. Как шутит Сегрети:

«Вы можете сказать, что коллекционеры — просто жадные до денег накопители».

Но многие видят в этом нечто большее. Для них это способ общаться с прошлым , поддерживать современное творчество, влиять на культуру и оставить след в истории .

«Все подарки — это запрос на любовь, а все запросы — это поиск любви», — говорил Сигмунд Фрейд.

Будущее коллекционирования

Современный коллекционер — это не только покупатель, но и меценат , соавтор , хранитель культуры . Многие, как и Сегрети, переходят от покупок к спонсорству:

«Я покупаю меньше, но поддерживаю больше», — говорит он.

А Патриция Сандретто Ребауденго продолжает:

«Мне важно встречаться с художниками, посещать их мастерские, строить связи».

Коллекционирование искусства — это не просто акт потребления. Это страсть, философия, образ жизни . Иногда вдохновлённая сексуальным желанием, иногда любовью к прекрасному, иногда стремлением оставить наследие. Но всегда — личным выбором .

Как сказал один размышляющий коллекционер:

«Искусство нужно открывать, а не просто смотреть на него. Оно создано не для стен, а для сердец».

Гражина Кульчи: «Я не могу перестать покупать искусство»

admin — Thu, 03 Jul 2025 06:15:43 GMT

Польская коллекционер, предприниматель и меценат Гражина Кульчи , родившаяся в 1950 году, является одной из богатейших женщин своей страны. У неё есть дома в Варшаве и Лондоне, но большую часть времени она проводит в тихом швейцарском посёлке Суш в долине Энгадин, где в 2019 году открыла частное Muzeum Susch — пространство для современного искусства.

Музей расположен в комплексе из четырёх зданий, включая монастырь XII века и пивоварню XIX века . Его интерьеры были вырублены прямо в горе, создавая драматические, почти подземные пространства. Здесь представлены работы польских художников, таких как Моника Сосновская , Магдалена Абаканович , Пётр Уклянский , а также международных авторов — Хелен Чедвик (Helen Chadwick) , Трейси Эмин (Tracey Emin) и Нота Витала (Not Vital) .

В интервью, данном в офисе музея, Кульчи говорит с энтузиазмом и искренностью. Её светлые волосы собраны назад, оставляя длинную чёлку спереди. Она давно поддерживает женщин-художниц, была первой участницей Комитета по приобретениям Тейт в России и Восточной Европе , и сегодня входит в совет Музея современного искусства в Варшаве . В прошлом году на форуме в Давосе она получила премию World Woman Hero in Art & Philanthropy Award .

«Это началось с одного момента интуиции», — рассказывает Кульчи.

Она начала свою карьеру после университета, управляя дилерским центром автомобилей. Но вскоре решила использовать выставочные площадки для чего-то необычного:

«Я приглашала молодых польских художников показывать свои работы рядом с новыми западными автомобилями. После десятилетий социалистической экономики машины вызывали у поляков мечты и возбуждение. Я не собиралась создавать коллекцию — я просто реагировала на искусство эмоционально. Польское искусство было мне близко. Со временем я набралась смелости и стала покупать работы международных авторов. Для кого-то, кто жил за Железным занавесом, это был огромный скачок вперёд».

Её первая покупка на аукционе произошла 25 лет назад — это была работа Антони Тапиеса , «Efecto de bastón en relieve» (1979) — минималистичная композиция, где трость заключена в полотно. Это стало началом не только её пути как коллекционера, но и долгой дружбы с представителем аукционного дома Sotheby’s, который помог ей сделать первый лот.

«Каждый день я улыбаюсь, глядя на "The Bride" (1992) Дженни Сэвилл, которая висит у меня дома в Альпах. Это работа, созданная, когда художнице было всего 23 года. Для меня она воплощает дерзкий женский голос 90-х годов — суть энергии поколения Young British Artists».

Но есть одна работа, о которой она мечтает до сих пор — живопись Доменико Гноли (Domenico Gnoli) . По её словам, его работы наполнены нежной, загадочной, почти феминистской эстетикой:

«В деталях кожи, ткани или обрывках тела он передаёт что-то глубоко личное — как будто исследует женственность без необходимости изображать женщину целиком».

Искусство ради диалога

«Искусство — это способ рассказывать истории. Не одну, не линейную, а множество параллельных историй. Многие из них противоречивы, многие — замолчаны. То, что изменилось к худшему, — это коммерциализация коллекционирования. Но я верю в силу искусства менять, а не украшать мир».

Кульчи инвестирует не только в стены музея, но и в расширение его пространства. Новое здание, ранее занимаемое Hospiz San Jon, будет преобразовано в выставочное пространство, где будут представлены около 600 работ из её личной коллекции . Открытие намечено на 2026–2027 годы .

«Невозможно иметь такую коллекцию и держать её на складе. Я не могу остановиться — искусство становится зависимостью. Это как наркотик», — признаётся она.

«Искусство объединяет людей. Оно не должно быть запертым в хранилище. Оно создано, чтобы его открывать, делиться им, обсуждать», — говорит Кульчи.

Её коллекция продолжает расти, и хотя она понимает, что не может купить всё, что её трогает, она остаётся верна своему призванию — быть проводником между искусством и обществом.

Легендарная коллекция сюрреалистического искусства Полины Карпидас за $81 миллион отправляется на аукцион Sotheby’s

admin — Tue, 01 Jul 2025 20:58:36 GMT

Этой осенью Sotheby’s Лондон станет местом одного из самых ожидаемых арт-событий года — аукциона легендарной коллекции покойной меценатши и коллекционерки Полины Карпидас , в которую входят произведения таких мастеров, как Сальвадор Дали , Рене Магритт , а также работы Лаланн и других представителей сюрреализма.

Оценочная стоимость коллекции — более £60 млн ($81 млн) , что делает её крупнейшей по стоимости частной коллекцией, когда-либо представленной на европейских торгах. Всего на торги выставлено около 250 лотов , собранных Полиной в течение всей жизни и украшавших её необычный лондонский дом.

«Я всегда видела себя лишь временным хранителем произведений искусства, — сказала Карпидас. — Теперь пришло время этим работам найти новых владельцев. Это не конец — я продолжу жить среди искусства, читать книги, собирать новые работы и поддерживать художников».

Жизнь, посвящённая искусству

На протяжении 50 лет Полина Карпидас следовала традициям великих коллекционеров, таких как Пегги Гуггенхайм , собирая как исторические шедевры, так и поддерживая современных авторов. Она была меценатом таких известных британских художников, как Дэмиен Хirst , Трейси Эмин и Сара Лукас .

Карпидас родилась в промышленном Манчестере, позже переехала в Афины, где открыла свой первый бутик. Там она встретила своего мужа Константиноса Карпидаса , судовладельца, который познакомил её с миром искусства и галеристом Александром Иоласом — легендарным дилером, открывшим миру Энди Уорхола .

Вместе они начали активно собирать искусство, переезжая сначала на остров Гидра, а затем в Лондон , где обосновались окончательно.

Знаменитые покупки и рекордные продажи

Одним из самых известных приобретений супружеской пары стало полотно Энди Уорхола "200 One Dollar Bills" (1962), купленное в 1986 году за $385,000 и проданное в 2009 году на Sotheby’s Нью-Йорк уже за $43 млн — почти в шесть раз больше первоначальной оценки.

В октябре 2023 года Sotheby’s Париж провёл двухдневные торги, посвящённые части коллекции с острова Гидра. Общая сумма продаж составила €35.6 млн ($37.6 млн) , превзойдя предпродажную оценку более чем в два раза.

Лондонская резиденция Полины Карпидас стала воплощением её уникального вкуса. В интерьере сочетались:

Работы Сальвадора Дали и Рене Магритта
Скульптуры Лаланн
Современные произведения Фрэнсиса Пикабии и Ники де Сен-Фалль
Мебель, созданная художниками и друзьями
Яркие узоры, животные принты, книги по философии и психологии снов

Интерьер был оформлен известными дизайнерами Жаком Гранже и Дэвидом Гиллом , создавшими пространство, где искусство было не просто объектом для просмотра, но частью повседневной жизни.

На аукционе будут представлены:

Редкие картины и графика сюрреалистов
Скульптуры Клода и Франсуа-Ксавье Лаланн
Инсталляции Маттиа Бонетти и Андре Дюбрея
Работы Энди Уорхола , Пабло Пикассо , Фрэнсиса Пикабии
Частные издания, предметы декора и мебель, созданные художниками

Особый интерес вызывает работа Рене Магритта — деталь из знаменитой серии с изображением глаза на тёмном фоне, ставшая символом сюрреализма.

По словам Оливера Баркера , главы Sotheby’s в Европе:

«Коллекция Полины Карпидас не имеет себе равных. От качества работ до глубоких личных связей с художниками — это окно в мир смелости, страсти и безграничного любопытства».

Торги состоятся 17–18 сентября 2025 года в Sotheby’s Лондон , после публичной выставки, которая откроется 8 сентября .

Наследие Полины Карпидас

Её коллекция — это не просто инвестиция или показатель статуса. Это образ жизни, вдохновлённый верой в то, что искусство должно быть живым, динамичным и общественным достоянием.

Как однажды сказала сама Полина:

«Меня часто называют хранительницей сокровищ. Но вино нужно пить, а искусством делиться. Оно создано не для стен, а для сердец».

Больше информации : Sotheby's – Коллекция Полины Карпидас

Дата аукциона : 17–18 сентября 2025 года
Выставка : с 8 сентября 2025 года